[艺术学概论]彭吉象视频文字稿第一章艺术的本质与特征

第一章 艺术的本质与特征

艺术学概论这门课程，是高等院校人文素质教育的重点课程之一。从2001年开始，艺术学概论这门课程也被教育部指定为艺术类院校专科升本科的必考科目之一。艺术学概论这门课主要包括上篇 艺术总论，中篇 艺术种类，下篇 艺术系统。大家知道，人类的艺术活动已经有着非常漫长/悠久的历史，从一定意义上讲，人类的艺术史和人类的文化史一样古老。就拿艺术理论来说，如果从中国的先秦时期算起，西方从古希腊时期算起，人类的艺术理论也已经有了两千多年的历史，但是，艺术学作为一门独立学科，却仅只有一百多年的历史。艺术性作为一门独立的新兴学科，仅仅是到了19世纪下半叶才在德国诞生。（ppt展示艺术学之父康拉德 费德勒）而德国的康拉德 费德勒也因此被称为艺术学之父。也就是说，艺术学诞生到现在，仅仅只有一百多年的历史，是一门新兴的独立学科。

那么，艺术学到底包括那些内容呢?艺术性的内容非常丰富，从整体上讲，艺术学包括了：艺术理论，艺术史，艺术批评三大部分。而且如果从门类来划分，如果说艺术学属于一级学科，那么在艺术学这个一级学科下面，又包括了音乐学，美术学，舞蹈学，电影学，戏剧学等等学科。此外，随着时代的发展和研究的深入，艺术学又产生了血多分支学科，比如说：艺术心理学，艺术社会学，艺术人类学，艺术文化学及艺术管理学等等。

下面，我们就开始讲解上编-艺术总论

第一章的内容是艺术的本质与特征 在这一章里，我们主要讲两节。第一节讲艺术的本质，第二节讲艺术的特征。我们先讲第一节艺术的本质。在这一节里面，需要讲两个问题。第一个问题，是关于艺术本质的几种主要看法；第二个问题是艺术本质问题的科学理论基础。

第一个问题，关于艺术本质的几种重要看法。到底什么是艺术，艺术的本质是什么。中外古今，许许多多的思想家，艺术家们都在探讨这个问题。归纳起来，主要可以归纳为三种看法：第一种 客观精神说 第二种 主观精神说 第三种 “再现说”或“模仿说”。第一种，客观精神说，代表的人物是古希腊的柏拉图（ppt图片），柏拉图从他的客观唯心主义出发，他认为，理念世界三第一性的，物质世界是第二性的，艺术世界是第三性的。打个比方来说，就说这个桌子，按照柏拉图的看法，首先，是有了桌子的理念，就是人在头脑里面有了桌子的概念，然后木匠再根据桌子的概念打造出一张木头的桌子，这是第二性的。然后画家再根据这个桌子的实体形态将它绘画出来，这是第三性的。这是柏拉图的客观精神说。与柏拉图客观精神说相反的是德国古典美学及大成者黑格尔。黑格尔认为艺术和美都是理念的显现。黑格尔关于美的定义简明扼要地强调了，美是理念的感性显现。在黑格尔看来，美就是感性的内容通过理性的显现而大放光彩。这就是客观精神说。第二种主观精神说。主观精神说的代表人物是德国古典美学的鼻祖-康德。康德认为艺术不涉及任何功利，没有任何目的，所以说无功利性和无目的性三艺术的特征。康德认为，艺术是自我意识的表现，是生命本质的冲动，是一种自由自觉的活动。在这一点上，艺术和游戏是相通的。康德特别强调，艺术是作家，艺术家们天才创造的产物。第三种观点，就是“模仿说”或者“再现说”。“模仿说”或者“再现说”的代表人物是古希腊的亚里士多德。实际上，关于模仿说理论在古希腊很有市场。古希腊很多学者认为：人类一直在模仿自然世界中的事物。比如说，古希腊学者认为，人类模仿鸟儿的啼叫，所以人类要唱歌，人类模仿蜘蛛的织网，所以人类要织布，人类模仿燕子的筑巢，所以人类要盖房子。而亚里士多德也认为艺术就是模仿。亚里士多德认为戏剧里面的好人，就是在模仿生活中的好人，戏剧里面的坏人，就是在模仿生活当中的坏人，所以亚里士多德的理论在西方很有影响力。中国美学界泰斗朱光潜先生认为，亚里士多德的模仿论在西方雄霸了两千年，产生了巨大的影响。而这种影响一直持续到十九世纪俄国的民主主义者车尔尼雪夫斯基提出的美是生活的理论。车尔尼雪夫斯基从美是生活的理论出发，阐述艺术就是对现实生活的再现，他的这个理论对我们新中国五六十年代的艺术创作

产生了很大的影响。除此之外，中外艺术史上还有形象说，情感说，表现说，形式说等等许多种比较有影响的说法。

第二个大问题，是关于艺术本质问题的科学理论基础。关于艺术本质的问题，我们认为马克思的艺术生产理论奠定了科学的生产基础。马克思认为，人类的生产活动可以分为物质生产和精神生产，而艺术生产是精神生产的重要组成部分。艺术生产理论的提出，具有重要的意义。艺术生产理论对艺术学研究起到了启示。主要有以下三点启示：“艺术生产“理论的启示，第一，艺术生产理论揭示了艺术的起源，性质和特点；第二，艺术生产理论阐述明了两种生产的“不平衡关系”；第三，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。我们先讲第一点，艺术生产理论揭示了艺术的起源，性质和特点。从艺术的起源来看，艺术生产本身是经历了一个漫长的艺术发展过程，才从物质生产中分化出来的。人类的最初艺术作品常常是同身边的物质生产劳动有直接关系。（ppt钻木取火）早在原始社会，人们的装饰品往往都和生产劳动有关，他们或者是生产劳动的工具，比如说石器等等（ppt石器图片）或者是劳动的成果。比如说用来装饰的兽皮，兽牙，羽毛等等（图片举例）。而且我们可以看到，玉器的发展也说明了这一点。而且从艺术的性质和特点来看，艺术作品必然包括着艺术家的主观能动创造和客观现实的反应这样两组成部分，所以艺术作品既有主观的因素，又有客观的反应。艺术品应当是主客观的哟偶寄统一。第二点，艺术生产理论阐述明了两种生产的“不平衡关系”。就是说物质生产和精神生产，物质生产和艺术生产之间并不是平衡的。在物质生产非常落后的情况下精神生产非常发达。马克思曾经举古希腊文学艺术为例子，古希腊的艺术是处在人类社会的初期，生产力非常低下，但是古希腊艺术却达到了很高的程度。十九世纪的俄国，可以说是两种生产不平衡的鲜明的例证。十九世纪的俄国经济上非常落后，政治上非常黑暗，是沙皇统治最黑暗的时期，但是十九世纪的俄国出现了著名的诗人普希金，写下了许多著名的诗篇。小说方面出现了列夫托尔斯泰这样的大文豪。写出了战争与和平，安娜卡列尼娜这样的巨著。十九世纪的俄国在音乐方面出现了柴可夫斯基这样的作曲家，在美术方面，十九世纪的俄国出现了列宾和苏里克多夫为首的熊辉展览画派（ppt伏尔加河上的纤夫）。在舞蹈方面，十九世纪的俄国还出现了“天鹅湖”，“睡美人”等等一批优秀的芭蕾舞作品。甚至在文艺理论方面十九世纪的俄国也是群星璀璨，成果辉煌。出现了。。。。。。等一批著名的文艺理论家。尤其车尔尼雪夫斯基他提出的美是生活的观点，影响了一代又一代人。第三点，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘。我们知道，艺术生产它指出我们的艺术包括了艺术创作，艺术作品，艺术鉴赏这样三个部分。实际上从生产理论来看，生产理论应该包括生产，产品和消费这样三个阶段。这点和我们的艺术生产是完全一致的。我们在艺术创作活动中首先是应该有生产，就是艺术创作，艺术创作的成果就是产品，也就是与之相对应的艺术作品，而艺术作品要被大众进行鉴赏，这就是消费。所以说生产，产品，消费对应到我们的艺术活动里面来，就是艺术创作，艺术作品，艺术鉴赏这样一个系统。艺术生产理论就清楚的向我们揭示了这样一个系统。而不是单纯去强调某一个方面。

下面我们来学习第二节，艺术的特征。艺术到底有什么特征，艺术和其他人类的精神成果由什么不同。我们把它概括为三条。第二节 艺术的特征 一形象性 二 主体性 三审美性 。下面我们分别来讲解。首先，艺术具有形象性。艺术特征的形象性我们可以从三点来认识。1.艺术形象是客观与主观的统一。2.艺术形象是内容与形式的统一，3.艺术形象是个性又共性的统一。首先来讲第一点，艺术形象是客观与主观的统一。鲁迅先生曾经说过，画家所画的/雕塑家所雕塑的，表面上是一张画，一个雕像，其实是艺术家思想和人格的表现。鲁迅先生这句话非常深刻。我们看到画家画出的一幅画，雕塑家做出的一个雕像，作曲家谱出的一首曲子，舞蹈家编排的一台舞蹈，其实在这些作品当中，蕴藏着艺术家他个人的思想，理想，追求，人格，他对艺术的渴望。这些全部凝聚在他的作品当中。在这方面有很

多例子，比如意大利文艺复兴时期著名画家达芬奇的蒙娜丽莎。实际上在达芬奇的这部作品里面，就凝聚着达芬奇他对美的追求，理解，和他的审美理想。大家知道，达芬奇为了画好这幅画，专门找了一个模特。他的邻居，当时佛罗伦萨一个皮货商的妻子。这位皮货商的妻子，刚刚死了儿子的一个母亲，心情很难过，达芬奇请她做模特，却也不好推辞。但始终闷闷不乐，为了让她高兴起来，达芬奇想了很多办法。达芬奇请来了一个小乐队，在旁边为她演奏乐曲，然后自己在一旁作画，乐队继续演奏。当乐队演奏到这位皮货商的妻子最钟爱的一个乐曲时，她微微一笑，达芬奇抓住了这一瞬间，将她记录下来，由此就得到了蒙娜丽莎神秘的微笑这部传世之作。正是这种神秘的微笑，使很多后来的模仿着都难以企及，因为在这幅画里凝聚着达芬奇本人，也就是艺术家对于美的追求。乃至于二十世纪精神分析学派的一些批评家们认为达芬奇在这幅画里凝聚了他浓烈的恋母情节。他们认为达芬奇在这幅画里把他对母亲的爱，对女性的爱全部凝聚起来，他们认为这幅画是一种性欲深化说，其实达芬奇这画反应了文艺复兴时期人们对美的追求。因为经过中世纪长期的宗教统治，文艺复兴终于能够歌颂人性，歌颂人的美。而达芬奇正是站在这个新的历史潮流，通过蒙娜丽莎这幅画，体现了他自己对美的追求。第二点，术形象是内容与形式的统一。任何艺术作品，离不开形式，但更加离不开内容。真正优秀的作品应该有深刻的思想内涵，完美的形式来体现。比如说法国画家米勒“拾穗者”，他描绘了几位正在田间拾麦穗的农妇，虽然这些农妇年纪都很大，穿着也特别简朴，但画家对她们寄予了无限的同情，所以这幅画画的很美。二十世纪二十年代，鲁迅先生曾在上海艺术大学讲过艺术理论课，当时鲁迅先生就把刚才的这幅米勒的拾穗者和当时上海烟草公司制作的美女月份牌进行了比较。美女月份牌虽然都是一个个美女的形象，但是他认为这些并不美，画得非常苍白，因为它们只有形式，没有内容，更没有艺术家的情感。鲁迅先生将这两幅画进行对比，并指出前一幅画虽然表现的是衣着破烂的农妇，但是她们非常美，因为它凝聚着艺术家的情感，对劳动人民的赞叹和同情。而后一幅画因为没有实质的思想内容而显得苍白无力。艺术的内容和形式的有机统一，需要依靠艺术家付出创造性的劳动。在这方面法国著名的雕塑家罗丹就是一个很好的例子，大家知道罗丹雕塑了许多优秀的作品，其中之一就是他为法国的大文豪巴尔扎克雕塑的一个塑像。巴尔扎克是法国著名的大文豪，在巴尔扎克去世以后，法国的文学家协会就找到了罗丹，希望他能够为巴尔扎克做一个塑形。罗丹非常崇敬巴尔扎克，所以欣然接受了这个任务。为了做好这个雕像，罗丹专门去采访了巴尔扎克的裁缝，这样他就知道了巴尔扎克的身高，体型，这样为他的雕塑做好前期的准备。与此同时，罗丹又阅读了大量巴尔扎克的作品和传记，来了解巴尔扎克的性格。还有这样一个故事：罗丹做了很多的巴尔扎克雕像的样本，其中一个样本就拿给学生看，问学生雕刻得怎么样。学生看了后，纷纷赞不绝口。罗丹问学生，你们觉得最好的是哪个部位？学生说，你看这两只手，雕得多好啊，栩栩如生。罗丹非常生气，拿起斧子来，就把雕塑的两只手都砍掉了。罗丹说，你们首先注意他的两只手，说明我的作品失败了。因为我雕塑的巴尔扎克，主要要体现他的精神，气质，而不是他的两只手。就是这样，罗丹几度起稿，经过很长的时间，才雕塑出了现在的巴尔扎克像。因为罗丹考虑到巴尔扎克经常在夜间写作，在夜间写作的巴尔扎克总是喜欢穿着一件睡袍。这样，罗丹就让巴尔扎克的雕像批了一件睡袍，将巴尔扎克的双手都隐藏在睡袍里面。只是巴尔扎克扎的脸部和炯炯有神的眼睛显得非常突出。这个雕像雕好只好，罗丹就把它送到法国文学家协会。但是法国文学家协会拒绝接受，因为他们认为说你把我们的大文豪雕塑成了一个穿着睡袍的老头，我们不愿意接受，并且也不会付钱。罗丹作为一位艺术家，他说你们不付钱，我也绝对不会修改。这就是我的作品，你们不要，我就自己保留。这个作品，就成为了传世之作。第三，艺术形象也是个性与共性的统一。我们说任何艺术作品都应该是独一无二，具有个性。但与此同时，独一无二的艺术形象，又应该具有普遍性和共性。凡是古今优秀的艺术形象，无不具有鲜明的个性，同时又具有广泛而丰富的社会概括性。也就是把个性和共性集于一身。鲁迅先生笔

下的阿Q，就是这样一个极有个性又有共性的人物形象。大家都知道鲁迅先生的阿Q正传，同时戏曲和电影也都有过反应。阿Q的身上就是这样具有人物的鲜明性，复杂性，在他身上既有农民质朴憨厚的一面，同时又有落后，愚昧，麻木的一面。在阿Q身上，他有受欺负，受压迫的一面，同时他又持强凌弱，去欺负比他更弱小的小尼姑等人。所以这个人物的性格非常复杂，非常鲜明。他是一个立体的人物，而不是一个扁平的人物，是一个圆形的人物，而不是一个单一的人物。而阿Q这个人物形象，真正做到了个性与共性的统一。以至于许多评论家都认为，阿Q身上体现出了我们国民性的弱点，所以在阿Q这个形象上，已经达到了艺术形象最高层的艺术典型。艺术形象和艺术典型既有联系，又有区别。它们的联系就在于艺术形象和艺术典型都要强调个性和共性的统一；但是它们的区别就在于艺术典型比起艺术形象来，又具有更加强烈的个性或更加广泛的共性。也就是说艺术典型比起艺术形象来它的个性更加鲜明，更加突出；它的共性更加普遍，更加广泛。注意强烈的个性和注意广泛的个性结合到一块这就是艺术的典型。我们在今后还要讲到典型和意境。还要专门再讲典型。

第二个问题，我们再讲讲艺术特征的主体性。艺术很大的一个特征就是在于主体性，这种主体性又表现在以下三个方面:1.艺术创作具有主体性的特点，2.艺术作品具有主体性的特点，3.艺术欣赏具有主体性的特点。我们先讲第一点，艺术创作具有主体性的特点。艺术创作毫无疑问具有主体性的特点，为什么这样说呢，因为物质生产，精神生产都是人类的生产活动，都需要主体性。而艺术生产作为精神生产的一个重要组成部分更加具有主体性。因为艺术生产需要独创性和能动性。所有的艺术生产都应该是具有创新性的，都应该是独一无二的。从这种意义上来说，艺术就需要创新。就拿画马来说，中国绘画从古至今有许多画家都画过马，比如说从唐代的韩干到元代的赵梦俯到徐悲鸿，但是他们画的马都不相同，都有各自鲜明的特色和风格。就拿唐代的韩干到元代的赵孟俯来说，他们画的马就各有自己的特点，韩干“照夜白图”非常富有特点。他把马奔跑嘶叫的动态画出来了，也就三把马的神态画出来了。有这么一个故事：韩干是唐玄宗的宫廷画家，所以经常和唐玄宗见面。有一天唐玄宗说我要给你找一个老师，韩干回答臣自有师。皇上很吃惊，我们经常见面，怎么从来都不知道你有老师啊？韩干说，笔下马厩中上千匹马，都是我的老师。因为韩干经常要去马厩观察马的习性，观察马的奔跑跳跃然后把它画下来。正因这样韩干画的马非常具有生活的气息，抓住了马的神态。我们看他这一幅“照夜白图”就非常富有马的神态特征达到了传神的地步。而且韩干画的马也具有唐代的审美观。大家都知道唐代以肥为美，所以唐代画的人物形象都是很胖的，美人也都是很胖的。而韩干画的这匹马也是非常肥胖。以至于唐代的大诗人杜甫曾经在诗歌中批评韩干画的这匹马，说韩干画马是画肉不画骨，但是后人又批评杜甫说杜甫没有看懂韩干画的马，说韩干画的马怎么会没有骨头呢？没有骨头这匹马能这么精神吗？所以说只是杜甫没有看懂。虽然这匹马胖，但也是很有精神的，正因为它有骨有肉。这是一个韩干画马的故事。那么大家看看元代赵孟俯画的马“秋郊饮马图”也是非常有名的。他画的马和韩干就截然不同，体现出元代的审美观。这画中大概十来匹马都在原野上奔驰，极其富有动态。所以同样是画马，韩干画的马和赵梦俯画的马就截然不同，体现出两个人不同的艺术风格和审美追求。第二点，艺术作品具有主体性的特点。艺术主体作为精神文化的产物必然打上艺术家个人的烙印。每个画家，每个雕塑家，每个诗人，每个作家的作品，都会打上他个人的烙印。二十世纪二十年代两位文学大师朱自清和俞平伯两位同游南京的秦淮河，然后两个人用同一个题目各自写一篇散文，就三《桨声灯影里的秦淮河》，这两篇散文虽然时间相同，提出相同，地点相同，甚至题目都相同，但是具有完全不同的风格和特征，两篇散文都成为中国文学史上的重要作品。因为这两篇作品都各自凝聚着两位大师各自不同的审美理想和艺术追求。第三点，艺术欣赏具有主体性的特点。如果说艺术创作具有主体性的特点，艺术作品具有主体性的特点，这都比较好理解，那么艺术欣赏也具有主体性的特点吗？

很多同志对于这个问题就感到难以理解。其实艺术欣赏也是一种再创造，我们在这门课的最后一节课就会讲到艺术鉴赏本身是一种审美的再创造。作为欣赏者，读者，观众或听众同样在进行审美的再创造，同样具有主体性的特点。西方有一句谚语：叫做有一千个读者，就有一千个哈姆雷特。如果套用这句话，我们来看看著名的红楼梦。红楼梦这部文学作品已经被搬上了荧屏和荧幕，有电视剧也有电影。如果套用西方这句谚语，我们完全可以说，有一千个读者或观众，就有一千个贾宝玉，就有一千个林黛玉。为什么呢？因为每一位读者他头脑中的林黛玉或贾宝玉都有他自己想象的成分。正因为这样，所以我们电视剧红楼梦演员就遭到了很多观众的批评。他们认为这个演员选得不像，那个演员选得不像。其实永远都找不到符合大家都一致公认的贾宝玉或林黛玉。

我们再讲一下艺术特征里面的第三点，就是审美性。艺术创作，艺术作品和艺术欣赏最大的一个特征就是它们具有审美性。从艺术生产的角度来看，艺术的审美性是十分重要的。因为任何艺术作品都必须具有两个条件：1.任何艺术作品都必须是人类艺术生产的产物，2.任何艺术作品都必须具有审美价值。正是这两点使得艺术品或其他一切非艺术品区分开来。所以在审美性里面，我们要讲一下三点：审美性 1.艺术的审美性是人类审美意识的集中体现 2.艺术的审美性是真善美的结晶，3.艺术的审美性是内容美和形式美的统一。我们先讲第一点，艺术的审美是人类审美意识的集中体现。大家知道，美学理论告诉我们，美主要分为三种形态，这就是艺术美，自然美和社会美。艺术美和自然美最大的区别就在于艺术美是人类艺术生产的产物，在艺术作品身上凝聚着艺术家创造性劳动的结晶；而自然美是大自然的产物，是“造化钟神秀”，是大自然创造的作品。所以自然美它和人类虽然有着长期实践形成的审美关系，但是它毕竟是自然形成的，而不是人工形成的。我们看到，我们祖国有许多的名山大川（ppt泰山）比如说泰山的雄伟，华山的险峻，黄山的奇特，黄山上的奇松怪石，以及峨眉山的秀丽，尤其是峨眉山的景，上面有四大景观包括云海，日出，佛光，圣灯都是自然形成的。而艺术作品的美是凝聚着艺术家的心血，是艺术家创造性的产物。正因为这样，我看一幅画，听一首音乐，看一部影片，读一本小说实际上都是在欣赏人类创造性劳动的成果。是因为作家艺术家们把自己的审美理想审美追求凝聚到自己作品之中。第二点，艺术的审美性是真善美的结晶。艺术必然要来源于生活，但是艺术的真实不等于生活的真实。因为在艺术创作中需要把生活真是升华为艺术真实。而且艺术也要体现善，也就是道德价值，但是艺术中的善已经不等同于社会生活中的善。而艺术中的善是要把化善为美通过艺术作品体现出来道德的价值，而不是道德的说教。所以艺术中它必须通过化真为美，化善为美来体现艺术的审美价值。在这一点，我们可以举北宋张择端的著名作品《清明上河图》作为例子。清明上河图是北宋画家张择端的著名作品，作品为很长的卷轴画，全画分三个部分。第一部分是远郊，它表现了北宋都城，开封整个城市的远郊区，这是第一部分。第二部分就是汴河，这是全画的中心。第三个部分就是以城墙为界进入到了城区。整个清明上河图就是由远郊，桥和城区三个部分组成的。清明上河图这幅作品化真为美，化善为美。它不但具有很高的艺术价值而且具有经济学，民俗学，建筑学，地理学，历史学等等多方面的价值。一位美国教授就是根据清明上河图来研究开封城的历史变迁。他发现这个汴河已经不在原来的河道上，已经改了河道。可见清明上河图具有很高的研究价值。而且清明上河图画得非常逼真，非常传神。这幅画可以说是我们的国宝。2002年末在上海举行了我们的国宝展，清明上河图非常受欢迎。参观者从早上九点等到晚上六点就为了看这一幅画。可见这幅画具有多么高的艺术价值。这幅画为什么有这么高的艺术价值呢?首先是它化真为美，化善为美，它把生活的真实和艺术的真实有机地统一起来，画得非常逼真，非常传神。比如说它的桥。在桥上画了186位人物。这186个人物每个人的身份，年龄，性格，职业等都各不相同，而且在桥下一艘大船要穿过桥洞，船上的人正在紧张地划船。而岸边有的人已经站到房顶上呼喊，让船上的人要当心，桥上的人也在低头往下看，非常逼真，非常传神。这幅画逼真到了什么程度呢？

甚至有人说清明上河图出名之后出现很多赝品，模仿得非常逼真。其中有一幅赝品已经到了以假乱真的程度，很多专家都认为它是真的，但是其中有一位专家用放大镜看到有一只麻雀的两只脚分别站在了两片瓦上，说这就是假的，因为清明上河图不可能出现这样的错误。可见这幅画已经达到了多么高的水平。而且这幅画确实体现了很多当时当地的民俗。美国有位学汉学的女研究生问过一个问题，她说为什么清明上河图中没有女性形象的出现。确实是这样，大家可以仔细看一下，清明上河图上都是男性的形象。为什么呢？因为这是封建社会女性一般不让上街，除非中秋节，元宵节这样重大的节日才允许上街。所以清明上河图表现的都是男性人物。而这位女学生是研究西方女权主义文化，对此大为不解。清明上河图是我国国画艺术中的精品，是我们的国宝。像这样的作品我们今后还要像大家介绍。在艺术中还有一个问题，就是生活中的丑在艺术中能怎么表现。这也就是说艺术还要化丑为美。这也是艺术的审美性所决定的。因为艺术必须强调审美性，化丑为美，去把生活中的丑变作艺术中的美，变成优秀的艺术作品。比如莎士比亚的名剧《威尼斯商人》，这里面的夏洛克就是一个贪得无厌的商人，但是莎士比亚通过这个作品揭露了他的本质，使这个艺术作品达到了很高的价值。第三点，艺术的审美性是内容美和形式美的统一。艺术的审美性离不开内容也离不开形式。艺术家们在自己的创作实践中总是在不断地探索和寻找美的形式，从内容出发去选择最恰当的形式，来加强艺术的表现力。我们可以举建筑为例。首先我们看看古希腊的帕提农神庙。帕提农神庙造型端庄。主题由46根洁白的大理石圆柱构成，而且整个的比例和柱子之间的比例完全符合古希腊黄金分割的比例，体现了对建筑艺术美的追求。下面，我们再看看现代艺术建筑的代表性作品-悉尼歌剧院。悉尼歌剧院处于澳大利亚的海滩，它由丹麦设计师约恩.伍重设计，于1973年建成。在建造悉尼歌剧院的时候还有这样一个小故事：当时澳大利亚政府向全世界征询设计方案，在世界范围内征集到了200多个设计方案。为了使这个建筑别具一格，澳大利亚政府专门聘请了美国建筑学专家协会的主席沙利文，请沙利文先生来担任评选委员会的主席。沙利文乘坐的飞机延误，迟到了，其他人已经选出了十个样本请他过目，结果沙利文看了都不满意，把它们全部扔到一边，然后他问还有没有更好的，别人说多时淘汰下来的作品在一边，沙利文要求把其他作品拿给他看，结果一下就发现了约恩.伍重的这个设计方案，认定这个是最好的，最后就以这个方案呢建造了悉尼歌剧院，历时十七年，造价相当于原来预算的十四倍，但是它成为了优秀的观景艺术，也是一个优秀的有机建筑。它和周围的大海融为一片，像贝壳，像帆船，也像白荷花，都是和水有关的元素。所以是一个优秀的有机建筑作品。