葫芦丝演奏技法

葫芦丝演奏技法

一、葫芦丝学习准备必读

（一）葫芦丝的演奏姿势及持法

葫芦丝要讲究姿势，这不仅是演奏形象问题，更重要的是为了适应演奏者的生理特点，充分发挥技巧，更好的表现音乐内容。葫芦丝的演奏姿势分为坐、立两种。 1 、立式

就是站着吹奏的姿势，一般在独奏是采用这种姿势，要求身体战立，自然放松成垂直状，两脚稍分开，胸要挺，左手在上右手在下，两臂稍微弯曲，两肘部下垂，管体稍向前，与上身成 45 度角，切忌过分挺胸和歪斜。

2 、坐式

一般合奏时采用这种姿势，要求身体自然放松地坐在椅子上，两腿稍微分开，身体要正，头要直肩要平，左右手肘部与身体成 45 度角，切忌过分放松和僵硬。 3 、持法

要求手指自然放松，成弧形持葫芦丝，双臂和肘部肌肉要放松，指肚接触孔应有周边缘感，吹奏时在气流的作用下，指肚共振，微有麻感，其音色富有弹性，过于压紧则手酸，音窒，对演奏不利。另外手指开孔时，不宜抬的过高，否则会使手指僵硬，影响演奏速度。一般手指抬到距离音孔上方 2--- 3 厘米 即可。

（二）一支葫芦丝可以演奏几个调

由于传统葫芦丝在制作上有七个发音孔（主管），一个发音孔一个音（不能象竹笛那样通过气息的变化在一个音孔上可以吹出八度音来），加上一个筒音一共可以吹出八个音来。所以一般传统葫芦丝通过移动宫音位置，改变原有的指法，理论上应该可以吹出五到六个调来，但由于受音域和音阶排列的限制，目前传统葫芦丝只能转四个调，而且常用的调只有两个，既筒音作低音“ 5 ”和筒音作“ 1 ”且本调（筒音作 5 ）最为常用。以 C 调葫芦丝为例，除可以吹出本调（第三孔作 1 ）还可以吹出 G 调（筒音作“ 1 ”），它是民族调式五声音阶为基础的六声调式，在吹奏乐曲上有一定的局限性，不是所有乐曲都能演奏，要根据乐曲的音域情况适当的来选择，最佳调就是以第三孔作“ 1 ”演奏，若乐曲需要转调可通过更换葫芦丝来解决，一般常用葫芦丝有降 B 、 C 、 D 、 F 调等。

（三）关于附管的合理运用

关于附管的运用，初学者练习的时候一般应该是关闭附管的，这样有利于将来的演奏。因为放开附管吹奏比较轻松，咕音也好控制。关闭附管对控制能力的要求相对要高些，等到你将来需要关闭附管演奏时，会遇到很多麻烦！附管的利用是有道理的，不能随便的运用，要根据乐曲的风格，合理的运用，附管主要是为了渲染乐曲的气氛，随着乐曲的需要在特定的时候把它打开，如表现欢快情绪的乐句、或双吐、三吐一般多利用附管。另外，不要对附管产生依赖，只是在需要的时候打开它就可以了，葫芦丝的演奏大部分还是不需要附管的！

二、基本学习方法

（一）葫芦丝的学习进度及练习时间的安排

吹奏类乐器的基本功是非常重要的，可以这么说，一个没有葫芦丝基础的人学习葫芦丝，如果按照正常的进度，掌握循序渐进的原理，在思想把这项学习重视起来，加上个人主观的努力，从最基本的开始，一般三个月左右可以掌握好准确的发音，以及气息的初步控制能力，半年内可以掌握简单的技巧，及一些简单的综合性较强的练习曲。半年后可以进入较难些的技巧练习，在这个阶段可以适当练习一些稍有难度的乐曲。一般来说，一年以后可以小有效果（小成），通过这个阶段的学习，可以把大量初中级的乐曲演奏下来，而且一切技法都有了一定的基础。当然音乐学习博大精深，要想把它学习的更上一层楼，你还需要更加的努力，还要增强对乐曲的理解能力，以及音乐的艺术表现，以期形成自己的个人演奏风格！

每天合理的安排练习时间，对于学习者，是非常重要的。葫芦丝的练习不能三天打鱼两天晒网，俗话说拳不离手，曲不离口，也就是说练习必须有连续性。下面是我总结出的一些练习安排，不知道对大家是否有帮助？

双休日多加练习，休息日的练习时间要相对充足些，是提高水平的黄金时期。平时应该在晚饭后或午休期间，或工作学习之余练习，或在工作学习中处于一种休息、调节的需要，也可以做适当的练习，当然这要看你从事的工作是否方便。每天的练习时间不应该少于 1 —

1.5 个小时，如果在假期，练习时间更应该长一些，记住，不要饿着肚子练习，也不要在饭后马上练习！

（二）如何安排好每日的练习内容

在葫芦丝学习到一定程度以后，一般来说，就要练习比较平均的内容，长音、快速活指练习曲、技巧练习、乐曲等几个方面内容。当然初学者就不需要学习这么多的内容，如何在有限的时间里，练习这么多的内容，就要求我们合理地安排练习内容，建议如下：

1 、每天坚持练习长音和练习曲，长音可以使我们保持气息的平稳，练习曲可以使我们保持手指运动和舌头运动。要知道管乐中气息是最难练习的，气息的练习会伴随练习者的终生。即使是时间较为紧张的朋友，长音和练习曲的练习也最好不要中断。

2 、技巧练习和乐曲需要花费的时间较多，因此建议最好有一块比较完整的时间。因为这两者都包含了较多的技术内容和乐感训练，没有一定的时间练习，根本达不到练习的目的，如果在工作、学习结束静下来练习，效果会更好些。

3 、初学者的练习内容会相对少一些，刚入门者，要求更多的是发音练习或长音。那么，在练习中就要注意自己的口型、气息等方面，尽快按时完成练习内容。

4 、每次的练习都应该全身心的投入，针对自己的实际情况和对自己的要求，有的放矢进行练习，在没有完全掌握之前，切不要快练，养成正确的练习习惯，会收到事半功倍的效果！

（三）我们提倡慢练，慢练的好处都有哪些

无论是什么作品，我们首先接触的是音符和节奏，其中音符的内容包括长短（也就是时

值）、发音状态（连、吐音等），节奏更是变化万千。那么这就要求我们在第一时间要认清楚，在我们还不具备快速视谱能力的时候，慢练可以帮助我们解决上面问题，同时也逐渐锻炼我们正确的视谱能力。

每个乐句均包含有其独特的表情与力度，恰当的表情与力度能给音乐增加色彩，能够使演奏更加引人入胜。因此在解决音符与节奏的同时，我们要尽可能地照顾到表情与力度。如何做到表情与力度同步，慢练是会有帮助的。

我们在练习中会遇到各种各样的速度记号，它们有时是固定的，有时却是变化的，如何使自己的速度达到要求，特别是达到快速的要求，只有通过慢练，逐步地把速度加快，因此，慢练是最重要的基础。

在演奏中，随着进度的不断加深，我们会遇到很多技术难题，慢练实际上就是把乐谱中的一切结构扩大，使我们有时间去想，去做出反应，去解决，同时也有时间聆听我们自己的演奏，去改正存在的问题。

慢练的好处如此多，朋友们还有什么理由不去慢练呢！

（四）葫芦丝的练习方法

1、做到四多

一、 多听 多听示范曲，最好对照谱子边看边听，每个小节或技巧怎么去处理。

二 、多想 多想曲子演奏技巧如何处理才会更动听，不能太花哨、烦琐、呆板。

三 、多唱 多唱唱谱子，这样你演奏的时候就会很容易，而且也能轻易的记住谱子。

四、 多跟 多跟示范曲一起吹，不要忙目的去跟伴奏，等跟的差不多了在跟伴奏。

2、打下好功底

吹得好不好，要看功底打的牢不牢，基本功能否过得硬，马马虎虎、差不多，是不行的。基本功是什么？就是气功、舌功和指功的完美结合。其中每一项基本功都有它的明确要求，气功大致的要求是：吸气要足，蓄气要满，抢气要快，呼气要匀、能控制音的高、低、强、弱变化的能力。舌功指的是舌头上的功夫，它的大致要求是：灵活、有力、准确、干净、能快能慢、能柔能刚。指功的大致要求是：手指的各种指法要高度灵活自如，快而不短不乱，慢而不跛不断，滑抹无痕，颤动均匀。这些基本功的要求，都有它一定的技巧作为基础：气功主要就是呼吸运气和控制音的技巧；舌功主要是各种吐奏的技巧；指功主要是叠、打、颤、滑和各种吹法。以上这些就是我们所称的基本功。

3、常规技巧要多练

常规技巧用处最大，在任何曲子里都用得上。吹奏的好坏，固然要看他的素养和表现能力如何等等，但主要的还是要看常规技巧掌握得怎么样。不要过于盲目的练习一些高难的技巧，要踏踏实实的练习常规技巧如果常规技巧掌握得很好，那么吹得声色就会很优美，而且有强有弱，有快有慢，干净利落，富有生气，充分表现了乐曲内容，同样也会受到听众的欢迎。因为任何曲子，较困难的技巧最多在一两处使用一下，而用之最多和起主要作用的还是那些常规技巧，即基本功的体现。所以，我们在练习时，一定要重点的练习常规技巧。在保

持基本功过硬的基础上，再去练习一些较为困难的技巧。这样才会让你的演奏水平更上一层。

（五）怎样练习，效果更好

在掌握正确的演奏方法的基础上坚持练习，从基本功练习的角度来说，进行练习首先应该强调掌握正确的演奏方法。只有这样，才能有效的提高演奏水平。特别是有些技法是否正确，对演奏水平的提高有着极其关键的影响。

任何的演奏动作都是在神经系统支配下实现的，也就是“条件反射”的结果，每一个熟练的演奏动作，都是通过反复的练习，从而使相应的条件反射得到巩固或强化的结果。对于已经形成的熟练动作，叫做“定型”动作，在正确方法的基础上进行练习，将形成正确的定型动作。反之，将形成错误的定型动作。也就等于是巩固了缺点或毛病。若毛病已成定型，克服毛病要比掌握新的技法还要困难得多，因此，练习时一定要重视掌握正确的演奏方法。此外，练习要持之以恒，每天都应该坚持练习，因为即使掌握了正确的方法，却并不等于有了功底，方法只是入门，坚持天天练习才能工夫过硬。何况有些技巧非坚持刻苦练习是不能达到熟练程度的。只有通过千万次的反复练习，才能逐步得到改进或提高。

练习项目应该坚持联系曲与乐曲并重，练习中既要训练技巧，又要重视艺术表现和突出风格特点，以期获得比较全面的发展。每天的练习顺序，开始可以进行一些基本的练习，比如，长音、吐音、活指练习等。然后选择自己生疏的技巧或难度比较大的乐曲的片断进行练习，最后练习乐曲。

不论是练习乐曲或练习曲，要尽量避免吹错，否则对形成正确的定型会有妨碍，开始练习时，如在某处反复出错，就容易形成错误定型，正式演奏时也就往往会在这个地方抛锚。基础训练好比穿针引线，宁可动作慢点，但要准确，不应图快而使线穿不进针里去，练习也是如此，只有慢练才会掌握正确的方法，才会掌握的更准确，熟练后再恢复原速度。

以内容带技巧和加强艺术实践：在基本功练习中，要注重技巧为内容服务，练习时一定要从作品的内容出发，聚精会神的注意艺术表现，应该避免那种漫不经心、一遍遍过的方式，这样只会把作品吹油了，达不到实际效果。练习时注意表现内容，不仅能培养艺术表现力，同时还能进一步促进演奏技艺的提高。基础练习达到一定程度时，就要参加艺术实践，积极热情的参加各类演出，从中也能获得很好的锻炼，丰富自己的演奏经验。

善于练习，不断总结：每次练习的时间不要太长，如练习乐曲，先集中精力吹几遍，再动脑筋总结一下，找出不足之处，重点练习，最后再进行完整的练习。对于某些技巧的练习，要注意劳逸结合，这种反复不断的单调动作，不但容易使精神疲劳，并且会失去学习的兴趣，不利于提高。因此，每次练习时间不用过长，大约持续 10 分钟左右就可以停一停，然后再进行练习！最好用两支葫芦丝交替练习，每天的练习大概在一个小时到两个小时之间即可。

（六）练习基本功的“要点”及“重要性”

每天的基本功练习一定要坚持，并且要有目的的去练习。没目的毫无意义的练习，必然会产生练习乏味，兴趣减退，技术上也就不会有什么进展。优美动听的音色对于吹奏者来说是非常重要的，因此每天应至少进行 10 — 15 分钟的长音练习，要养成这个习惯，这对于

加强嘴唇的持久力，提高音色质量，以及体会自然呼吸都有好处。在练习过程中肯定会遇到问题与难点，这时不能急噪，要冷静地有耐心有决心，加上反复的练习体会，问题及难点自然会解决的。过度的练习是不提倡的，但是过少的练习也是必然无效果的，要脚踏实地，认认真真的坚持练习，天长日久，无论是在兴趣上还是在技巧上都会有预想不到的效果。对于基本功的重要性谁也不会怀疑，凡是有志于学习吹奏的人们，都愿意学习掌握基本功，并通过艰苦持久的基本功训练全面掌握演奏技巧，说句实在话，专业的演奏员或者技艺高超的演奏大师没从来都没有放松，也不可能放松自己的基本功练习，可以说基本功练习帮你入门，促进提高你的演奏技巧得以保持在最佳状态，这也充分说明基本功练习决不仅仅是初学者的科目，它将伴随所有演奏者度过整个艺术生涯。

基本功是指每天必须要做的长音练习，以及葫芦丝吹奏方面的一些技巧，比如单吐、双吐、连音、滑音、颤音等，只有把这些技巧熟练掌握，才可以达到演奏的要求。这也好比学习乒乓球前，首先要进行一些推挡、正手攻球、搓球等基本技术是一个道理的！如果不注意基本功的练习，而直接去吹奏乐曲，那你的学习会走许多弯路！

（七）练葫芦丝的十五个好习惯

习惯一

吹前做些手指拉伸的动作

动作以手指韧带的拉伸为主，不要太用力。目的类似于跑步、游泳前的准备运动，能使你更快地进入吹葫芦丝状态。冬天的话可以先抱会儿热水袋暖暖手。

习惯二：

坚持每天吹中长音。

只要你开始学了，就坚持每天吹一段。这样，即使每天没太多时间碰葫芦丝，也能使你的水平不至于退得太厉害。对初学者来说，每天练习更能保持稳定的进步。

习惯三：

尤慢至快。

慢练的好处实在太多，我就不说了。总之，慢练就是王道。

习惯四：

第一遍吹就重视谱子上的每一个符号。

许多人第一遍吹都会忽略谱上的音符记号，然后在吹熟后改，其实在第一遍吹时就注意音符符号更能加深对曲子的理解。

习惯五：

备一支铅笔。

很多时候谱子上并没有详细的指法、强弱指示，这时候，就需要用笔来把我们自己认为合适的指法、强弱等记号标上去。记住要用铅笔，不然写错很难改喔！

习惯六：

没吹熟一首曲子前多听听录音。

录音是一个很重要的参考，尤其是对乐理知识欠缺的人,听录音会使我们有一个模仿对象，从而快速吹出曲子。但勿盲目追求速度，以致失去自己对曲子的理解。

习惯七：

学会分段练习，单独揪错。

不要每次都从头吹到底，第一遍吹一首曲子是先把它分段，熟悉一段以后再练下一段。一旦发现哪里有错误，要单独把错误的地方挑出来改正。分段练习也更有利于曲子的整体把握。

习惯八：

尽量保持良好的手型。

不论吹什么曲子，不论用什么速度吹，尽量保持良好的手型。也许有人会说：速度上去了，手型就没法保证了。其实不然，能在高速吹奏中保持良好的手型也是检验基本功是否扎实的标准之一。

PS：在你没有达到大师级水平前，不要问为什么视频里演奏家的手型、触孔并不符合要求。

习惯九：

吹与自己水平相近的曲子。

很多人喜欢吹超出自己水平很多的曲子，这样做其实是有害而无益的。曲子超出自己水平很多，你就很难保证自己技术处理上的准确性，甚至会有大量的错音。而且以后即使有水平吹奏这曲子了，也很难改回来。（这是很多人血的教训）

习惯十：

学会背谱。

很多好老师都会要求学生有目的的背谱。这并不仅仅是在锻炼你背谱的能力，而是要你有更多的保留曲目。这样既能提升对曲子的理解，也可以偶尔在人前“显摆”一下。（我就吃这个亏...唯一能记谱的只有一曲：月光下的凤尾竹！）

习惯十一：

明确每天练箫的目标，不要同时练很多曲子。

和学习工作一样，练葫芦丝也需要有目标。比如确定今天要练熟曲子的某一段，或者要把某首曲子背出来等等。不要盲目地同时练很多曲子，囫囵吞枣式的练习会使你感到进展缓慢。相比之下集中突击一到两首曲子效果会好很多。

习惯十二：

严谨至上，切忌得过且过。

吹葫芦丝不严谨可以说是业余吹葫芦丝者的通病。吹葫芦丝过程中难免会有各种各样的难点，这时千万不能有得过且过的心理，每啃下来一个难点，水平就上个台阶。

习惯十三：

经常返工以前吹过的曲子

所谓“温顾而知新”，我已经吹过的曲子并不代表我能真正掌握它。许多乐曲理解、技术处理上的要点第一次吹完曲子时并不一定会理解，都需要在水平更进一步后，*返工来巩固、认识。

习惯十四：

避免超负荷的练习。

今天就看到一个“吹葫芦丝吹到手疼”的帖子，或许是练习方法上的问题，但超符合练习也会导致手疼。虽然苦练、多练的确有利于技术的进步，不过也要有个度，吹的过多也会伤手，反而不利于进步。

习惯十五：

学会保护双手。

很多男孩子喜欢打篮球、攀岩等等户外体育运动，其实这是很容易伤到手的。轻则韧带拉伤，重则骨折，这对我们吹葫芦丝者来说是致命伤。（2008年的冬天到来了，都说手是人的第二张脸。葫芦丝友们多多擦些护手霜罢，绵羊油、蛇油为佳噢，以防皴裂.）

（八）葫芦丝演奏口诀摘选

天津葫芦丝俱乐部艺术顾问乔志忱先生应天津市民族管弦乐学会、天津葫芦丝俱乐部及老年大学等单位邀请，先后举办了多次有关葫芦丝演奏知识的义务讲座，除详细讲述基本功的重要性与练习方法外，还结合葫芦丝爱好者在演奏中经常遇到的问题有针对性的归纳出一些要领、口诀，大家认为十分生动、形象、易记、实用。现从讲座提纲及录音中摘选几段供大家参考。

葫芦丝的基本功主要有三方面，即气、指、舌。

一、 气（呼吸方法）

1、不提肩、不挺胸、口鼻通、不出声； 气下沉、丹田功、音柔美、颤常用。

2、高音缓、低音急、轻呼能出筒音3

3、 吹长音时要做到： 音头不能软、音体不能板、音尾不能散。

4、 学会气颤音的方法是： 急缓交错、丹田配合。

5、对于慢曲换气的要求是： 慢曲慢换、音断曲不断。 慢曲快换、旋律更连贯。

6、对于快换气的要求是： 口鼻都要通，吸气不出声。

7、对音量大小的要求是： 轻音不能浮，重音不能浊。

8、对音准的要求是： 渐强起，渐弱收，音准关键在两头。

二、 指（手指技巧）

1、 针对初学者的手形，要做到“不靠不翘”。可要求： 指放平、勿高抬，孔按实、松则快。

2、关于按音孔的方法： 初学用指肚，提高加指尖。

3、持乐器要端正，既稳固又放松。

4、叠、打、抹、滑的一般规律是： 上行叠音，下行打，向上抹音，向下滑。

5、叠打与抹滑的主要区别是： 快叠打，慢抹滑。

6、叠音、波音、指颤音的主要是手指开闭的次数： 一叠、二波、三起颤。

三、舌（吐音方法）

1、断吐用“吐苦”，连吐用“嘟咕”， 舌指能同步，快板必清楚。

2、快板要慢练，慢板要连贯。

3、勤练“苦”，慢练“呼”， 小舌也能打“嘟噜”。

4、“吐苦”各占半，“苦”音要久练。

四、如何演奏好乐曲

1、运用好基本功：气要通，指要松，舌要清。

2、练习新曲的程序，可分为四个阶段：对、会、背、味。 ①对：将乐谱及表情技巧符号吹对； ②会：能看谱连贯完整地演奏全曲； ③背：能背谱熟练地演奏； ④味：能体现乐曲的风格韵味及作者意图。

3、 对于有难度的乐曲，要进行重复练习： 慢快慢快，简繁简繁，零整零整，看背看背。

4、 针对在学校学生功课多，练习时间少的问题，可采用：平时多练，拙处勤练。 “平时”是指在不拿乐器的时间，手指随时都在活动，“吐苦”也随时练习。“拙处”包含相对笨拙的无名指、大指及“苦”音的练习。 勤能补拙，熟能生巧。

五、大力普及，共同提高 乔志忱先生在每次讲座中都强调，希望广大葫芦丝爱好者加强联系，保持团结，相互学习，能者为师。通过有组织的社团活动和集体排练，达到广泛普及，共同提高的目的。 心齐曲则齐，人和音自和； 音韵相聚，重在情趣。

三、葫芦丝发音练习

（一）关于葫芦丝长音练习

1 葫芦丝长音练习概述

我们刚刚开始接触葫芦丝时 , 应该从何练起呢 ? 有的初学者往往急于求成 , 不注意从基础抓起 , 急于吹现成的曲子 , 这样往往会事倍功半。我认为 , 葫芦丝初学者应该先从吹长音练起 , 长音练习几乎是所有管乐器必须练习的 , 也是基本功的练习。

2 杂音产生的原因

葫芦丝的发音是靠气来维持的 , 所以长音是非常重要的基础练习 , 初学者几乎都会遇到音头和音尾的杂音 ( 也称咕音 ) 问题 , 葫芦丝吹奏时容易出杂音 , 虽然它的音色非常优美 , 但是杂音会影响它的音乐的美妙 , 葫芦丝簧片的振动需要一定的压力 , 现在假定这个压力值为 10, 但是吹奏时候压力不到 10, 达到 7 或 6, 这时候簧片是不发正常音的 , 发出的音是杂音。练习长音时 , 压力必须保持在需要的压力之上 , 说的通俗一些就是 , 这个音需要多大的压力 , 那么就必须给它提供多大的压力 , 才能取得正确的葫芦丝的音色 , 如果 , 在吹奏不同的音时 , 没有掌握住压力的变化 , 就会产生杂音。

3 音头练习

我们在练习长音时 , 如果压力到位 , 既总保持我们前面假定的 10 分的压力 , 那么 , 音头和音尾的音色是一样的 , 初学者肯定会遇到这样的问题 , 既开始吹音头时就出现杂音 , 这就是音头的压力不够造成的 , 音头需要 10 个压力 , 我们只吹 7 个压力 , 解决的办法显而易见 , 吹奏音头初起的一刹那 , 必须给足 10 个压力。呼吸时 , 要用横膈膜和腰带一圈的力度所产生的力量一下子把压力准确的达到我们假设的 10 个压力 , 吹奏出正常的音色 , 如果 , 我们的呼吸位置和方法不正确 ,, 没有采用胸腹式联合呼吸方法 , 动力没有建立在横膈膜和丹田部位 , 音头就没有力量 , 产生的是杂音 , 而不是乐音 , 所以 , 我们必须保持音头开始的时候 , 就是这个音所需要的压力达到发音所需要的气的数量和气的流速 , 要一下子达到发音的要求。

4 音尾练习

音没有结束之前 , 你的横膈膜和丹田位置不能松 , 声音结束以后 , 你的呼吸位置才能松下来 , 然后 , 为下一个音做准备 , 吸入气。吹奏到音尾时。你的压力不要变 , 既在音结束之前。你的压力始终是 10,, 音结束以后再放松压力 , 如果 , 音没有结束 , 你的压力就变成了 6 或 7, 那么音尾就会出现杂音 , 音头和音尾是练习长音时最重要的 , 只要练习长音时不出杂音 , 才能保证将来吹乐曲的时候不出杂音。

（二）练习长音的目的

不仅仅在学习的开始阶段要练习长音，长音应该伴随每一个学习者的整个学习过程。因此，我们始终强调长音的重要性，希望朋友们不要烦呀！长音是吹奏乐器的基础，音乐作品都是有音符组成的，长音练习就是要演奏好每一个最基本的音符，而当每一个演奏好的音符组合起来时，我们就会演奏好一个音乐作品了，因此，为了以后能更好地呀音乐作品，我们必须坚持不懈的练习长音。长音练习还可以使我们学会控制气息，保持气息平稳。没有气息，就不可能发出声音。但是我们毕竟是演奏音乐，而音乐又有各种不同的性格和形象，要求我们用不同的声音来准确表达。因此我们必须先学会控制气息，使气息平稳，才能发出美妙的声音，从而制造出不同的音色，塑造不同的音乐形象。

长音练习可以使我们发音准确，发音准确包括音准准确和发音器官配合准确，不要以为能吹响葫芦丝，音准就不会有问题，实际上葫芦丝仍存在音准问题，气息方向的变化可以引起音准的变化，气息量的变化也能够引起音准的变化，此外还有一些因素都能够影响音准，因此练习长音实际上可以解决音准问题，发音器官配合不当，或者说气息与舌头配合不好，会引起音头不准确，或者气先出而音却没发出来，或者音头与音腹有间隙，都会引起发音的不准确，长音的练习，同样可以解决这个问题。

长音的练习可以锻炼我们的音色与音质，音色是音乐表达的重要依据，而音质则关系到音符的质量，这二者都是我们终生追求的，练习长音可以帮助我们美化音色，提高音质，使我们的表演更加完美。

既然长音练习如此重要，希望朋友们重视！

（三）练习长音中应注意的问题

几点练习长音应注意的问题：

1 、长音就是把一个音吹长，每个长音的长度应该在 10--30 秒之间，低音需要的气息多一些，长度也就短一些。容易发的因，长度就长一些。初学者的气息控制不好，音就短一些，但有一个问题需要注意，就是不能为了长度而不顾音色、音质与音量。也就是说，长音的音色应该是优美的，音质应该是结实的，音量则要以中等为好（其中不包括一些有目的的长音练习，如专门练习力度的长音）。

2 、每个长音的呼吸应该是自然的呼吸，呼吸讲究的是深，快，满。吸气深就意味着大家在吸气后能够保持住气息。吸气快意味着大家在以后的演奏中，乐句连接不会出现断层。吸气满意味着能够演奏长乐句。

3 ，气息与舌头的配合在发音时刻十分重要，它们决定了一个音的音头整齐与否，同时也决定了长音各部分的连接！一个完整的长音可以分为音头、音腹和音尾，这几个步骤一个都不能马虎，音头主要有气息、舌头和口风配合而成的，口风小则不能发出好的音来，口风大气则散，音色不好，音头也没弹性。在吹奏音腹的过程中也要保持口风以及气息流量、音的力度和全身的放松，另外音要保持平稳。到了音尾时气息已经比较微弱，腹内的压力也逐渐减少，在这种情况下，应该注意维持音的准确和音量，不能因为气量减少而使音变低或音量变小，一般每口气不要用尽，而是留一些余气，如果用尽了气，不但人憋的难受，而且腹部需要较长的时间才能反弹，影响吸入新气，使演奏失去连贯性。为了能使音吹的长一些，我们应该在开始就要注意节省气息。初学者往往在音头浪费很多气，是因为他们把握不住发音头所需要的气息量，气息量过大，把音头吹破。而在音腹时，又容易控制不了气息流量，使音时强时弱，音尾又不及时收气，使音下掉甚至出现尾音。

（四）合理利用时间练习长音

长音的练习相对其他技巧的练习要枯燥许多，很容易让学习者失去学习的兴趣，但是长音又是一个非常重要的学习项目，必须每天加以练习！通过长音的练习，可以增进学习者对音的控制能力，保证音色的优美，长音也是一切技巧以及能否顺利完成一首乐曲的保障。所以要重视！关于如何利用有限的学习时间，而又把长音顺利的练习好，建议可以选择在每天午饭前或晚饭前进行单独的练习，练习时间 10--20 分钟即可。因为空腹练习有利于气息的流畅，可以更好更快的掌握它，也有利于身体的健康。这样既保证了不占用其他技巧的练习时间，又可保障其他技巧练习的顺利进行。也可以在短短的时间内完成本日最枯燥的一项练习内容，不至于对学习兴趣造成过大的影响！这样通过一段时间的练习，你会明显感到自己的进步，而且其他技巧也会因为有了雄厚的气息做基础，而得以提高！久而久之养成习惯，也就成为自然了，建议大家参考！

（五）怎样辨别发音的好坏

一个完整的音可以细分为三个部分：音头、音腹和音尾。音头是指每个音发出时的最初部分，它主要由气息、舌头、口风相互配合而成。我们辨别发音的好坏，主要是从音头开始，分辨发音的质量，可以从以下几个方面考虑，首先是发音干净，主要依靠气息与舌头配合得

当。气息的出与舌头的撤是否在同一时间，如果不在同一个时间，那么就会造成发音不整齐，多音头的毛病。其次，一个好的发音，听起来会觉得轻松有弹性，反之，就会觉得音发紧、僵硬。音质和音色好，意味着不相干的杂音要少，这就要运用自己的听觉能力，注意辨别，另外注意控制好尾音，使尾音干净利索！

四、葫芦丝技巧讲解

（一）连音、波音、颤音

1、连音

连音就是谱面上用连线连起来的音，他是用连线来标记的，表示连线内不同音高的音要奏的连贯。在实际演奏中，除了要保持口形不变、吸气正确、执筒手形优美、姿势平稳外，更重要的是运用指法和气息这两方面，也就是保持气息不断，另手指做好配合！如果一句旋律的旋律线比较平稳，没有过大的起伏，那么我们在吹奏这句旋律时，应注意指法连接流畅、手指过度自然、气息运用平稳连贯、力度适中、音量丰满、音色优美、情绪饱满。但如果旋律线条起伏较大，音程跳跃较宽，那么还要注意气息运用灵活、迅速、到位，应随旋律线和音乐情绪的起伏而起伏，力度有时需要作出适当调整。另外应该注意的是，每组连音开始的第一个音，都应该是吐音！

2、波音

波音 ---- 是由本音与上方二度音迅速地交替演奏 1-2 次形成的一种音波。波音虽然可以稍微吹的明显一些，但决不能吹的很强、很生硬，不能使音波比本音还强还突出。手指要快放轻落，手指的动作应该一致，除了本音外，其他各音忌用吐奏。波音的速度同样可快可慢，要根据乐曲的速度及音符的时值的长短再决定。

3、颤音

颤音 ---- 是指由按主要音和上方相邻音的手指快速、均匀地交替颤动而形成的。一般颤音的演奏方法是先将本音发出，接着迅速、均匀地开闭本音上一位的音孔，使本音与其上方二度音的迅速均匀交替出现，最后落到本音上。一般用在乐曲的引子或华彩段和高潮中出现，是为了加强效果和烘托气氛时运用。颤音练习是手指运用技巧中最重要的组成部分，它关系到手指的灵活性、独立性和持久性，还有弹力力度等。所以必须拿出足够的时间长久的练习。练习时手指要按严音孔，不要出现漏气现象，手指要保持松弛状态，要让每个手指都能作到富有弹性和灵活跳动。演奏颤音时要有一定的力度，并用吐音吹奏音头。颤音可以由慢渐快或由快渐慢。一般颤音的奏法是先将本音发出，接着迅速而均匀地开闭本音的上一音孔，使本音与其上方大二度或小二度的音迅速均匀地交替出现。最后落到本音。大小二度的选择一般由该调的自然音价决定。葫芦丝的颤音也有小三度的。

（二）滑音、叠音、打音、倚音

1、滑音

滑音 --- 是葫芦丝演奏的一种重要的传统技巧。适当地运用滑音，能使葫芦丝的旋律更富于歌唱性，表情更为细腻，其具有圆润华丽的特点，甚至可以产生模拟效果，如人声等。

滑音的演奏是通过口风的缓急并配合手指动作的快慢来完成的。是利用手指逐渐开放或关闭音孔（向上或向下慢慢移动到需要到达的音位）所产生的效果，从筒音开始至最末一个音孔之间都可以上下滑奏。 1 、上滑音：从某一较低的音向上圆滑地进行至另一较高的音，演奏方法是手指由较低的音孔顺次从右向左抹向较高的音孔，逐渐开放各孔。在吹奏上滑音时，气息要加以配合，口劲由小渐大，风门由大渐小，口风由缓渐急，由粗渐细。 2 、下滑音：从某一较高的音向下圆滑地进行到某一较低的音，演奏方法是手指由较高的音孔顺次从左向右抹，逐渐关闭各音孔，在吹奏下滑音时，气息的配合是，风门由小渐大，口劲由大渐小，口风由急渐缓，由细渐粗。

2、叠音

叠音 --- 是通过一个或几个音，起到装饰作用，这种技巧比较常见，叠音的演奏主要通过手指的敏捷动作，把本音孔与邻近或间隔的音孔快速而准确地按一下。叠音的使用上，一般在乐句的开始和两个同度旋律之间加入上方极为短暂的装饰音，它近似上倚音，但没有明显的倚音效果，其实际音响只是被装饰后的更为突出的本音。这种技巧在民族管乐中较为常见，虽然在一些传统乐谱上没有明显的标明，但在实际演奏中可以灵活运用。一般来说，过于快速、激奋的乐曲不适合使用，多用于慢速悠扬的乐段。手指不宜抬的过高，动作要迅速，并富有弹性。叠音是若干个音的重叠，起装饰作用，有二度叠音、三度叠音、四度叠音等几种，在听觉上以主音为主，听不到装饰音但又丰富了本音。

3、打音

打音 --- 是出现在相同的两个音中第二个音之前的下方二度，也就是说打音主要在连续吹奏相同音高时采用。它与叠音不同之处在于叠音出在本音上方二度或三度，吹奏打音的方法是用手指轻打本位音孔。这种技巧也较为常见。打音的使用上，是在处理相同音时为了把它区分开而采用的一种技巧，在同一音的按音孔上再用手指打一下。吹奏打音手指按发音孔要比叠音更快些，按闭发音孔手指动作须有力，如果手指按发音孔的动作慢而无力，会出现叠音的效果，这一点必须加以注意。

4、倚音

倚音 --- 如果主要音是单纯的音，长倚音就要占主要音时值的一半，如果主要音是附点音符，长倚音就要占其时值的 3 分之 2 。练习短倚音时，要求运指非常迅速，气息则根基音符的跨度做相应的调节。如果音符跨度不大，气息需要平稳，如果音符跨度很大，气息就要快速的提升或下沉。

（三）扇指音、复滑音、腹震音

1、扇指音

扇指音是指在该音上的手指上下迅速扇动，使这个音发出如微波颤动式的特殊音色，这是傣族民间固有的特殊演奏方法。可用于《竹林深处》，代替指震音那部分效果很好！记得听过一次《芦萧情》，好象也是用此技巧演奏的，欢迎大家补充！扇指音是指在该音上的手指上下迅速扇动，使这个音发出如微波颤动式的特殊音色，这是傣族民间固有的特殊演奏方

法。在演奏扇指音时，也可以利用手指在本音孔旁大约五分之一处上下快速均匀连续开闭形成一种音波，同样也会收到很好的演奏效果！建议大家采用！严格的说扇指音不是指震音，扇指音是指在该音上的手指上下迅速扇动，在演奏扇指音时，也可以利用手指在本音孔旁大约五分之一处上下快速均匀连续开闭形成一种音波。指震音也叫虚指颤音或隔孔打音，顾名思义，不是扇动本音孔，是在本音的下二孔，平稳扇动，如果吹奏“ 3 ”音时就用右手食指扇动“ 1 ”音孔，吹奏“ 5 ”时用左手无名指扇动“ 2 ”音孔，吹奏“ 6 ”时用左手中指扇动“ 3 ”音孔。但它们所产生的效果有些相似。

2、复滑音

复滑音就是上滑音与下滑音的结合使用，由某一个较低音滑向某一较高的音后，又圆滑的进行到某一较低的音，反之，由某一较高的音圆滑的进行到某一较低的音后，又圆滑的进行到某一较高的音，复滑音本身没有单独的符号，而是根据上滑音和下滑音的符号来演奏。只要把上下滑音练习好，这个技巧的演奏就没什么问题。比如 |1 6 1 6| 注意，其中的 6 是低音。演奏这段首先吹出从 1 滑向低音 6 的下滑音，然后再吹出从低音 6 滑向 1 的上滑音，最后再吹出 1 到低音 6 的下滑音。演奏时需要按照手中乐谱所标记音符的时值和节奏进行。

3、腹震音

腹震音也叫气震音，是依靠腑部收缩力量引起的气流震动。初学者很不好找到感觉，我练习的时候采用的是在吹一个长音的时候，第一下吹的要强第二下吹的要弱，腑部肌肉也随之有规律的震动，强弱强弱如此反复，开始的时候慢些，随着感觉的出现，再逐渐加快，慢慢的就会找到感觉了。熟练以后再加上喉部、唇部的配合就完整了。它的震幅可随音乐变化的需要，由慢到快或由快到慢。一点拙见，大家不妨试试。

（四）关于双吐与三吐以及舌位变化对吐奏效果的影响

关于双吐音的练习，建议在保证葫芦丝质量的前提下，注意练习时口腔内的感觉与连续说“吐苦”、吐苦时的感觉是基本一样的，葫芦丝的双吐音没有其他民族管乐器那么容易掌握，主要原因是由于葫芦丝本身是靠簧片与竹管的耦合震动而发音，在吹奏第一个音“吐”与第二个音“苦”时，气流在几乎断开的同时，簧片震动不能立即停止，也就是说第二个音“苦”要受到吹前一个音“吐”时有簧片震动所产生的余音对它的影响，不能做到象吹笛子等乐器双吐音那么干净，特别是低音区更难掌握，要注意吹奏低音区时在气流较强的情况下，舌头肌肉也要相对放松，气息不能太急，否则不易发音和控制音准。双吐舌的动作尽量小，喉咙与嘴唇要紧中有松，要注意控制高低音的气流变化。

正确掌握了双吐的吹奏方法，再进行三吐练习就容易多了，不论是以“吐、苦、吐还是以吐吐苦、都是三吐的方法，一般情况下，四分音符用单吐，十六分音符用双吐或三吐来吹奏，双吐和三吐也可以结合使用，三吐最适合表现欢快、热情、跳跃奔放的曲子。

舌位变化对吐奏的影响

吐奏就是我们说的吐音奏法 , 它是葫芦丝演奏中的一种常用的口内技巧 , 吐奏形成的

整个过程是在口腔中完成的 , 舌是完成吐奏时的主要器官之一。吐奏时舌尖在上牙床至上软腭中部之间触点位后移动变化叫舌位变化。舌位的变化 , 对形成吐音效果的多样化起着至关重要的作用。作为一个有着一定基础的演奏者 , 要想使自己的吐奏效果更加丰富多变 , 更加适合于不同的乐曲内容的需要 , 就必须控制好舌位的移动变化 , 这种变化是产生吐奏多变效果的关键。稳定的舌位 是进行舌位变化的基础。在学习舌位变化技巧之前 , 首先应该解决好基础的吐奏 , 也就是吐奏时稳定的舌尖触及位置 , 它是学习舌位变化技巧的一个前提 , 不具备这个基础条件 , 舌位的变化技巧是掌握不好的。舌尖在口腔中触及位置变化产生的吐音 , 会在听觉上产生不同硬度的效果 , 在稳定的舌位基础上 , 舌尖触及的位置越靠前吐奏出的效果就愈硬 , 舌尖触及的位置愈靠后 , 吐奏出的效果就愈柔和。由此得知 , 这种听起来柔与硬的吐奏效果是由舌尖在口腔中触点的变化而产生的 , 但在演奏的过程中 , 将吐奏笼统的划分为软硬两部分是不能满足乐曲的需要的 , 应根据乐曲的需要做出更加细腻的划分和处理 , 才是产生多变吐奏效果的关键。舌位变化技巧是基本吐奏的进一步发展 , 葫芦丝的基本吐奏方法是初学者比较容易掌握的一门口内技巧 , 初学者开始学习吐奏时就要解决好舌尖运动的基本稳定问题 , 即舌尖触点的稳定问题 , 基本的吐奏方法只适合于基本的吐奏表现 , 而不能满足于丰富的乐曲情感需要 , 因此 , 在完成了基本的吐奏方法学习后 , 建议大家多多在这方面寻找一些窍门 , 多找一些感觉 , 只有掌握了这样一种技巧 , 才能吹出多变的吐奏。我个人感觉很有道理 , 经过试验 , 也很可取 , 建议大家有空是都试一下。这对丰富乐曲变化是很有帮助的 !

双吐、三吐与其他技巧的同步

建议有一定基础的初学者，为了加速葫芦丝的学习进度，可以将双吐及三吐提前进入你的学习内容之中，每天可以选择一个适当的时间单独加以练习。练习时间大概为 20 分钟左右，这样你其他技巧相对成熟后，双吐及三吐的水平也会同时得以提高，大大缩短学习的进度！在练习曲的选择上，以教材中的练习曲为主。但是教材上的练习曲相对来说要少些，远远满足不了学习的需要。关于这点你可以在大量的乐曲中进行节选，有很多葫芦丝、巴乌的独奏曲中都有双吐或三吐部分，这样你既练习了技巧，又可以在将来单独学习某首乐曲时，节省大量的学习时间！实在是一举多得的事情，建议大家都试试！

（五）如何使快速吐音既轻快又清晰

吐音的效果主要由舌头的运动形成的，舌头运动的频率与力量决定吐音的快慢与力度。舌头运动的动作越小，来回伸缩的行程越短，吐音的速度也就越快。吹奏一般双吐音，口念的字音是“吐、苦”。由吐音转至苦音时，舌头动作的差异与行程都较大，这样的念字方法虽然发音力度较大，但速度不够快，也容易造成舌头的疲劳。所以，吹奏快速吐音时，口念的字应该改为“嘟咕”，由于这两个字的念音动作相近，力量向前，舌头动作小，来回伸缩的行程短，所以舌头动作极快，所发出的吐音速度也相应极快。同时吹奏吐音时还要注意舌头、口风及双颊的配合，双颊要适当向中间收，唇部配合舌头的念字动作稍向前撅，口风一定要精细。用这样的方法吹出的快速吐音，既轻快、又干净，并且具有颗粒感，同时舌头也

不易疲劳。

五、葫芦丝指法练习

（一）怎样练习才可以使手指灵活

长时间练习快速“颤音”、“打音”以及各种快速的活指练习曲，可以较好的增加手指的灵活性。现在许多教材上都有专门的练习手指的练习曲，初学者可对照教材进行相应的练习。练习过程中要注意，不要为达到速度上的要求而使用蛮力，应注意肢体的放松，手指的按音应具有弹性。好的手指应是“松、快、准、有力”。其中松是指演奏时不能用力去捏筒子，而应是将手指自然松弛的放在筒子上。快是指在演奏如颤音及快速音型是快速敏捷。准是指手指与气息、舌头配合要默契，手指的灵活不光是指手指能运动得很快，同时也是指要具有有效性，即气、指、舌的有效合理配合。有力是指手指按音动作具有弹性与适当的力度，手指按音孔时会发出轻轻的“梆梆”声。手指灵活的练习也可以在不拿葫芦丝情况下的日常生活中进行。长时间坐车或看电视时，即可以将手指放在腿上练习颤音。

有关手指灵活的练习是一个长期而持久的过程，长期持续地维持手指灵活是一个葫芦丝演奏者永久性的任务。

（二）气息、舌头、手指三者的关系

气息是吹葫芦丝的首位要素，其次才是舌头、手指。气息是看不见，摸不着，掌握起来较难，我通常把气息比作弦乐器的右手弓子，如运弓不当，琴就不能很好地震动，也不会发出好听的声音。我们很多吹奏者气息沉不下去，浮在上面，就象拉琴右手大臂夹在肋下一样。如果气息没有解决，舌头和手指的功能是不可能得到充分的发挥。因此，要吹好葫芦丝，气息是最关键的一环，也是最难掌握的一关。它看不到，也摸不着，全凭感觉。吹奏者气息沉不下去，浮在上面除了气息的原因外，另一方面也是由于气流速度与口形没有协调好，就象弦乐中弓子在弦上运走的速度与弓子压弦的磨擦力的关系没有解决好一样。吹奏者只有反复体会琢磨才能解决这一问题。我认为良好的气息需要运用胸腹式呼吸方法来完成。做到吸气到位，呼气与口形的肌肉要协调，同时还要加强口形肌肉、呼吸肌肉的控制能力。

舌头在吹奏中运动一方面依靠舌的肌肉收放来进行，另一方面是依靠气息的冲击而进行的，我认为不能单纯地依靠其中某一方面来完成舌头在吹奏中的运动。

吹葫芦丝需要双手持筒，手指必须开闭音孔才能发出高低不同的音来。要求手指既能独立活动，又能紧密配合。手指开放音孔时，不宜抬得过高，过高会影响演奏的速度，也不宜过低，过低会影响发音的准确和音量，声音也会含糊不清。手指按孔要严密，不能漏气，但也不要按得僵硬，要有弹性，要使吹奏出的音色有弹力，不仅仅依靠手指的运动来达到，还要有饱满的气息来配合。

（三）活指练习曲的要求

我们在练习时都包括连音与吐音，连音要注意吹奏每个音时气息要连接起来，但要保证气息不能发虚，吐音时舌头不能僵硬，气息与连音不能断，手指与舌头的配合要一致，不要一前一后，气息要随着音符的走向而移动。要注意调性的色彩感，一般来说，大调的色彩较

明亮，而小调的色彩较为暗淡。如果说大调是开朗的，则小调是忧郁的，大调是刚强的，小调则是抒情的。所有的音都要求平均，这个平均包括时值平均，力度平均。时值平均要求手指运指平均，不要时快时慢。力度平均则要求气息的力度平均。除了力度的自然上升与下降以外，不要在某个音上加重音，手指运指力度要平均，舌头力度平均，无论是单吐还是双吐，无论是舌尖还是舌根，力度都是没有发生突变的，如果说有变化，只是一个渐变的过程。每个音的音质必须是一样的，不能有些音结实有些音发虚。注意练习速度，开始都应该慢练，使手指、舌头、气息等方面配合娴熟，才可以提快速度。

活指练习是重要的，建议每天坚持练习！

六、葫芦丝气息练习

（一）关于呼吸技巧

呼吸反过来读就是吸呼，所以必须首先学会正确的吸气，才能进行正确的呼气（吹奏）。人体为了维持正常的生理需要，一般每分钟呼吸十二至十六次，你根本不用去想就会自然而然地呼吸，而且基本上呼与吸时间相等。而吹奏乐器就截然不同了，我们是根据音乐的需要（在正常生理需要前提下）有意识地强行快速吸入大量空气，而慢慢地将气呼出生（吹出），这样的呼吸就有技巧了。

腹式呼吸的技巧是建立在自然呼吸的基础上。吸气时，双肩及胸部保持平稳状态，千万不能双肩上耸，不考虑胸部，集中精力使腹部、丹田位置及腰部左、右、后腰向外扩张，这样横隔肌下垂，肺部最大限度吸入空气，这就是正确吸气方法。为什么不考虑胸部呢，因为一想胸部就会双肩上耸，丹田及腰部怎么也感觉吸不上气，而这实际上正是胸式呼吸，像做深呼吸一样，两臂上举，腹部和腰部反而向里收缩，这就大错特错了。

练习吸气可以先不用乐器，待找到正确的感觉后，再用乐器练习 , 实际上可收到事半功倍的效果。平常人们的自然呼吸过程主要通过鼻腔，再仔细体会还会感觉到腹部有自然的起伏动作，而吹奏时改用嘴吸气却找不着这种感觉了。这时告诉朋友们一个方法，练习先用鼻子吸气，找闻东西的感觉，比如假设有一盆花在你面前，人用鼻子去闻，将气慢慢吸入，这时你能体会到腹部自然向外扩张，腰部也有向外扩张的感觉，这就是正确的自然呼吸的感觉，以后逐渐加快吸气速度，再试着不改变腹部、腰部动作的情况下而改用嘴吸气，这样你就掌握了腹式呼吸的正确吸气方法。吹奏时随着气的呼出腹部逐渐收缩，但丹田一定要绷住劲，找向外拉的感觉，这就是控制。

（二）葫芦丝的呼吸方法

呼吸只是一种下意识的动作，那么如何运用呼吸使葫芦丝发出悦耳动听的声音。而气息是能量的来源，是决定成声体振动过程的力量，能否掌握好正确的呼吸方法，并在葫芦丝吹奏中得以应用，这是十分重要的课题。

我们知道，在吹奏时无论是音的强度或是它 的延续，都要看吹奏者的呼吸如何，呼气愈长发出的声音也就长。所以要做到吸气短促、迅速而无杂音，呼气平稳、均匀而延长。如何能满足呼吸的基本要求，必须掌握科学的方法。目前被认为最科学的方法是混合式呼吸法，

其优越性表现在整个呼吸肌肉群的协调动作，形成运动整体，因而气息的吸入量多，呼气时也容易控制，。

1、如何吸气

当拿起葫芦丝含住吹孔时，首先两边嘴角要微微张开，舌头自然向后缩一点，同时用嘴和鼻子很快将空气吸入，形成吸气，（要注意吸气不要留下太大的痕迹，否则会带动气箱里的簧片而发出咕音。）这时胸腔及腹部有明显的扩张感，此时必须注意肋间肌肉和腹部肌肉的动作协调，以求完成合理吸气，这就是胸腹式结合吸气。练习方法是把点燃的蜡烛吹灭，这时你通常会下意识的深吸一口气，这时的吸气往往自然松弛，或者弯下腰做深吸气，最容易感觉到你自己的腹部周围有明显的扩张感，这样容易找到正确吸气的感觉。

2、如何呼气

最佳的呼气就是呼出的气流越均匀，则发出的声音越平稳，呼出的气流越充实，发出的声音越宽厚。

（三）初学者呼吸中容易产生的问题

吸气时挺胸收腹，双肩耸起，颈部肌肉紧张，横隔膜向上提起，使气息憋在上胸部，外表看来似乎气息饱满，实则吸气量很小，因为肺叶受隔膜挤压，不能充分张开，同时由于方法错误，演奏时间稍长，常会引起胸部憋闷或阵痛，此外在呼气时，横隔膜、腹肌对于气息的控制能力也大大减弱，是不可取的。

吹奏时，不加掌握横隔膜、腹肌的控制力量，而使之完全松懈下来，使气息失去节制，造成呼气过猛或不均匀不平稳等现象，从而使演奏的流畅与连贯程度受到严重的影响。

以上两中常见毛病都是由于没有正确掌握呼吸方法而造成的。纠正的办法是参照正确的呼吸方法所讲的要领，细心体会，反复练习，以求尽快正确掌握胸腹式呼吸法。只要方法正确，不需要太久的时间就可以把这个重要的项目掌握。最详细的关于呼吸的方法

（四）最详细的关于呼吸的方法

呼吸是人体生理的正常活动，吸进氧气排出二氧化碳。正确的呼吸方法对于吹奏者非常重要，方法不对既不能吹好葫芦丝，还会影响身体健康；方法正确符合人体生理的自然规律，不但能很好地演奏，还能锻炼吹奏者的肺扩量，使人体得到更多的氧气，促进血液循环，增强新陈代谢的能力。腹肌和横膈膜的运动能促使肠胃的蠕动，增强食物的消化，促进人体的健康。

呼吸的生理机制由胸廓的节律性扩大和缩小，以及由此引起的肺被动地扩张（吸气）和回缩（呼气）而实现。以肋骨运动为主的呼吸运动形式称为“胸式呼吸＼主要依靠胸廓中、上部肋间肌的运动使气吸人胸腔。其明显特征是肩向上抬，呼吸运动主要在胸廓中进行，吸气时横膈膜有些向上收，不能主动帮助呼吸动作，影响了胸腔容积向下扩展，因胸廓扩张受肋骨制约，所以吸气量不能达到人体吸气的最大容量，加上抬肩使上部肌肉紧张，呼气时也不易控制，因此容易使人紧张、疲劳。

以膈和腹壁肌肉运动为主的呼吸运动形式称为“腹式呼吸”。它的特点是整个腹腔（包

括平常讲的“小肚子”，也称丹田）向外扩张。腹部无骨骼包围，伸缩范围大，吸气量较大。但由于胸部没充分运动，整个腹部运动内脏移位较大，气吸在下部，呼气时较费力，容易使人疲劳。用胸的下部和腹的上部同时运动力主的呼吸称为“胸腹式呼吸”，它是人体在自然状态下呼吸的有意识扩大。吸气时胸腔的下部和腹腔的上部同时向四周扩张，胸腔与腹腔之间的横隔膜同时下沉，随着肌肉运动，鼻子吸气，肺内进入空气。吸气时下腹（小肚子）肌肉同时收缩，不便小肚向外扩张，而让气在上腹和下胸吸满。呼气时胸下部肌肉和腹上部肌肉同时收缩，横服膜向上顶，下腹肌肉和臀部肌肉以至提肛肌都处于收缩状态，使吸人的气形成压力，源源不断地从口腔中吹出。开始体会胸腹式呼吸的方法，可以平静地躺在床上仔细琢磨身体平常自然呼吸时的方法，然后再将其扩大，进行深呼吸。这样就能正确掌握胸腹式呼吸的要领。

吹奏时的呼吸与平时的呼吸是有所不同的，因吹奏中吸气量大，一般都用口鼻同时吸气，以加快速度。吸气也分慢吸和快吸两种，一般在乐曲开始前和演奏速度慢、旋律优美的曲子中可用慢吸的方法。要求吸气饱满充足，但也不要吸到不能再吸的极限，以免肌肉紧张，吹奏时无法控制。快吸一般用在快速乐曲中和没标换气记号的连续吐音之间（俗称“偷吸”）。吸气时间有长有短，肌肉紧张度有大有小，但吸气方法都使用胸腹式。

吹奏时的呼气不是平常从两个鼻孔和口腔中自然呼出去的，而是从由嘴控制的“风门”（上下嘴唇之间，气息经过的空隙）吹出去的，所以胸腹肌肉收缩形成的压力和两颊以及嘴唇的有力控制（又称”嘴劲”、“口劲”），使吹出的一股气息（又称，旧风 U 形成均匀的、有节制的、有压力的气柱将葫芦丝吹响。

吹奏中的呼气也不要呼到不能再呼的极限，以免肌肉紧张发颤，而应留二分余气，便于下次吸气迅速，使乐曲吹奏能自然连贯地进行。为了增大肺扩量，使气息更充足，平常可坚持长跑、游泳和做深呼吸运动。

（五）演奏中，如何把握气息的顺畅

保持气息的顺畅要注意以下几点：

1 、吸九分气、吹八分气，虽然说要想吹出大量的气就要先吸入较多的气，但是将气吸到十分饱满时，就会造成整个上半身，特别是胸部的紧张，继而发生胸闷憋气的现象。吹气时，如果将气完全吹尽再换气，就会使换气紧张，继而造成气息补充不足。呼吸时一定要遵守上面的原则。

2 、注意乐谱的换气记号。自由、盲目性的换气，不仅会造成气息补充的不足与紧张，同时会破坏乐句的完整，使旋律的进行杂乱无章。这一点在练习新乐曲时要特别注意，要养成严格按谱演奏的良好习惯。

3 、注意生理上的松弛。生理上的紧张是实际演奏中的重大障碍，生理上的紧张往往会造成耸肩、挺胸、皱眉、脖子发硬、双臂及手指僵硬等现象，这些情况都会造成呼吸紧张。

（六）如何进行气息训练

吹奏长音是进行气息训练的重要方法。长音的练习分为平直长音与力度变化长音练习两

种。进行平直长音练习时，每个音吹奏 8 拍，不要使用腹震音，保持各音力度的平稳与音色的饱满。进行力度变化长音练习时，每音同样吹奏 8 拍，也不要使用腹震音，力度由弱—强—弱，要注意强音的厚实与弱音的纯净。对于想把葫芦丝学好的朋友来说，长音的练习尤其重要，因为长期持之以恒地吹奏长音，是训练气息力度、气息变化、音色、发音的纯净度、体会气息下沉部位乃至锻炼整个生理控制的良好方法，学习者切不可因为长音练习枯燥无味就忽视长音的持久性练习！

（七）呼吸中要避免的错误

关于呼吸方面的问题，我们这里已经是非常的全面与详细了，但这又是个大问题，如果不注意，会严重影响到演奏的效果，所以反复提一下是有好处的，请大家参考！

1 、吸气时两肩不能端起，应该放松、自然。

2 、吸气呼气时，喉部不能紧张，应该放松、自然。

3 、呼气时，腹部肌肉不能松弛、保持提起状态。

4 、吸气上时不能单独用鼻子吸气、应该用嘴、鼻同时吸气。

要达到整个呼吸过程轻松舒畅，上下贯通，气流自如没有滞气的感觉。

自如控制呼吸，才能完美表现感情

葫芦丝既能演奏强烈、激昂、奔放的音调，又能演奏优美、典雅和如泣如诉的乐曲。 气息控制是葫芦丝表现各种感情的重要一环，它要求吹奏者在表现乐曲内容时，使口劲、口风、风门以及它在吹孔上靠前靠后的位置变化和音量、音色、音准达到全面、细微、熟练、完美的配合。

气息控制的要求是：

1、音量能强能弱。

2、音准做到强而不高，弱而不低。

3、音色做到强而不噪，弱而不虚。

要达到气息控制的三个要求就必须做到：

1 ．口劲松，口风缓，风门大，使音量强而音色不噪，音不升高。

2 ．口劲足，口风急，风门小，使音量弱，音色不虚，音不降低。初学者首先要将葫芦丝的音量、音色全部吹出来，象 秋水 老师说的那样，坚持最基本的长音训练，不要急于练习气息控制，以免分散精力。等熟练掌握基本吹奏法和有一定运气功夫后，再逐步练习气息控制。

（八）演奏中，在呼吸方面应该注意的几个问题

在吹奏乐曲的过程中，应预先设计好换气的位置，吹奏中常在乐句末尾、下句开始之前换气。较长的乐句，则可以在句中小的停顿处急速换气等等，总之，在以不影响乐曲的连贯与流畅为原则。在演奏中，如果等一口气用完了再换气，不仅会影响到乐曲的节奏，还会有喘不过气来的感觉。因此，在第一口气没用完时就应该换第二口气。如果某个音需要延长，则应在这个音演奏完了再换气。在乐曲的结束音之前，一般不要换气，否则回使整个结束句

有不完整的感觉，一般可在休止符或前一个乐句结束时换气。在吹奏有连续短时值的休止符的乐句时，也要在一个乐句结束时换气，不要在所有休止处都换气，否则会感到气喘，并影响演奏效果。在演奏快速的乐曲或练习曲时，更应注意换气的适当，一般可在上行音或下行音的后面进行换气，或者在时值较长的音符后面换气。

呼吸中要避免的错误：

关于呼吸方面的问题，我们这里已经是非常的全面与详细了，但这又是个大问题，如果不注意，会严重影响到演奏的效果，所以反复提一下是有好处的，请大家参考！

1 、吸气时两肩不能端起，应该放松、自然。

2 、吸气呼气时，喉部不能紧张，应该放松、自然。

3 、呼气时，腹部肌肉不能松弛、保持提起状态。

4 、吸气上时不能单独用鼻子吸气、应该用嘴、鼻同时吸气。

要达到整个呼吸过程轻松舒畅，上下贯通，气流自如没有滞气的感觉。

七、如何学习葫芦丝乐曲

（一）学习葫芦丝，如何选择入门或初级曲目

其实，所有的乐曲从艺术性上来说，并没有高下之分！从技巧的难度的根本性上来说，也无难易之分。即使只有一个长音，要吹出好的音色以及控制极佳的、富于变化的力度也不是容易的事！就入门和初级性来说，我们只可以从技巧的相对性难度、乐曲风格的相对性难度以及学习的阶段性要求来考虑。从这一点上来说，葫芦丝入门或学习初级阶段的独奏曲，可以选择《婚誓》、《马兰花开》、《望春风》、《有一个美丽的地方》、《月光下的凤尾竹》、《情深意长》、《湖边的孔雀》等等，以及接近以上乐曲难度的，大家都可以自己选择作为初级阶段的学习曲目。

（二）只吹乐曲不吹练习曲行吗

练习曲是为专门练习某一技巧而编写的，它有利于专门性的提高某个特定技巧。而乐曲练习是一种综合性的练习，它较少侧重于某一技巧的专门性训练。如双吐，我们要想使自己演奏的双吐音既迅捷、均匀又具有颗粒性，就应该练习专门的双吐练习曲，因为练习曲在编写时考虑的不是音乐内容而是特定技巧的演奏特点，并通过对特定技巧专门性、强化性的练习，达到对技巧的掌握。因此，练习曲具有很强的针对性。同时，吹奏练习曲是增强基本功的一种不可忽视的必要手段，也是科学化、系统化学习的重要步骤。所以，千万不能片面的“以曲代功”。

（三）练习技巧练习曲的意义

练习曲包括了乐曲的一切因素，旋律、节奏、力度、音乐表现等，每首练习曲都有她独特的侧重性。技巧练习曲主要是练习演奏技巧，侧重于技巧，这类练习曲中，有活指练习、连音练习、吐音练习，滑音练习、颤音练习，装饰音练习，各类特殊节奏划分练习等等，这类练习曲主要联系运指、气息、速度、力度、视谱、节奏等方面的技术，是演奏乐曲重要的技术基础。因此练好此类练习曲，对于解决乐曲中的技术难题，为准确、自然的表现音乐，

打下了一个重要的技术基础，所以一定要重视！

（四）练习综合练习曲的意义

综合练习曲是乐感练习曲及技巧练习曲的结合体，她是练习曲中最具观赏性的，她可以称为一首小型的乐曲，她综合了上二者的一些音乐因素，对于演奏者的技巧、乐感提出了更高的要求，她不但要求演奏者有过硬的基本功、灵敏的乐感，更要有对乐曲的整体把握，议价演奏的完整性，情绪的转换等等，可以说她是演奏乐曲前的一种预习。

总的来说，练习曲主要是练习我们的各种技巧，但是她们没有理由不具有艺术性，事实上，哟很多练习曲具备了很高的艺术性和观赏性，技巧虽然在练习曲中占据主要地位但是要切记，技巧是为音乐服务的，不要为了追求技巧的华丽而放弃音乐。

（五）如何提高视奏能力

要很快并较为满意的奏出一首新接触的乐曲，不仅需要有较高的吹奏能力，还应该有较强的视谱能力。如果一个爱好者在葫芦丝的吹奏上有了一定的基础，但是却因为不识谱，或不懂必要的乐理知识，而影响到自己吹奏水平的发展，这会是一件很遗憾的事情！所以掌握一定的基础乐理知识是很有必要的！建议，在进行视奏前先把乐谱唱多唱几遍，然后再用乐器进行视奏，除此之外，还有一个重要的因素，就是当你奏第一小节时，眼睛要看着第二小节，依次推下去，这样你在吹奏音符时不至于眼花缭乱，当然这样能力的获得也需要一定的时间。应该注意的是在视奏练习中，一定要先易后难，先慢后快。可以先从练习曲或小曲开始，然后再练独奏曲。视奏前，可以首先对乐曲做个大体的了解，特别是要深刻领会乐曲的内容，并从乐曲结构，高潮的布局、演奏速度、力度变化方面进行必要的分析，这样才能体会到乐曲所表现的意图，在视奏的时候，把这些内容最好也要简单的表现出来，熟练后就可以很好的表达乐曲的感情！

视奏和记谱是同样的重要！！！先看节奏，再看旋律。把节奏卡好！再把对应的音符填进去！很多人不识谱的原因就在于节奏上没卡好！！不成曲！！！音准的问题好解决！多练音阶，多视唱自己熟悉的曲子，慢慢的音准就上来了。简谱上一些符号死记！！办法虽然笨，能解决问题就是个好办法！！

（六）如何培养内心节奏感

培养内心节奏感是正确把握音乐作品的首要问题，有些人的内心节奏感是与生俱来的，先天的，但是大多数人却是依靠后天的刻苦练习培养出来的。我们在开始练习简单的练习曲时，就应该注意培养内心节奏感。组织起来的音的长短关系叫节奏。也就是说，我们在演奏练习曲时，就应该对各音符的时值长短要充分了解，不但要对它有感性认识，而且还要回理性的分析。简单的练习曲一般都是首先对最为基本的音符，节奏作笼统的介绍，让初学者一边演奏，一边在心理数节拍，认清各种音符的时值，以获得对简单节拍的感性认识。然后再加上各种符号和记号，混合运用。演奏者应该切实遵守各条练习曲的要求，扎实的训练每一首练习曲，达到练习的目的，解决一切困难，牢记各种音符的时值比例。可以说内心节奏感实际上就是内心对各种音符时值的敏感度，说白一点，就是每个音要演奏多长，心里应该清

楚。如果有正确的内心节奏感，我们演奏出的音乐才是准确的。

（七）节拍、节拍之间的区别

节拍就是标记拍子的记号，她通常跟在调号的后面，我们常用的节拍有以下几种， 2/4 、 3/4 、 4/4 、 3/8 、 6/8 。分子表明一个小节内的单位拍的数目，分母表示单位拍的音符时值。比如： 2/4 拍子，就是以四分音符为一拍，每小节有两拍的意思。

2/4 、拍子也是单节拍，以四分音符为一拍，每小节有两拍，节奏特点是“强、弱”。 3/4 拍子也是单节拍，没小节有三拍，节奏特点是强、弱、弱。

4/4 拍是复拍子，每小结有 4 拍，节奏特点是强、弱、次强、弱。

3/8 拍是单节拍，以八分音符为一拍，节奏特点是，强、弱、弱。

6/8 拍子是复拍子，每小结有六拍，节奏特点是强、弱、弱，次强、弱、弱。

在开始练习时，都要以基本节拍为单位来打拍子， 3/8 拍要打 3 拍， 6/8 要打六拍。在熟练以后， 3/8 拍则变成一个小节打一拍， 6/8 拍变成一个小节打两拍，而 2/4 、 3/4 、 4/4 一般还是按照原拍子数计算，但 2/4 、 3/4 拍在需要的时候，也可以一个小节打一拍。

（八）如何掌握乐曲的速度（没有节拍器如何计算）

音乐作品中的快、慢、强、弱等变化，是音乐内容的重要方面，如果不认真对待，艺术表现就会显得很平庸。音乐中的速度，基本可以归纳为慢速、中速和快速这三种类型。此外，还有渐快、渐慢、稍快、稍慢以及自由速度等。许多乐曲中，通常把紧张、激动、热烈欢快的情绪用快速来体现。对深情、亲切等情绪常用中速来体现。慢速通常用来表现悲壮、叙述以及歌颂等情绪。对于演奏者，重要的是学会确定速度，把乐谱上的速度标记变成演奏者内心的速度观念。

确定速度的精确方法是利用节拍器，如果没有节拍器也可以利用手表来确定。方法是以 5 秒的拍数为计算单位，再乘以 12 （因为每分钟有 12 个 5 秒），就是乐曲每分钟的速度。如 5 秒种 10 拍，那么 10*12=120 （即每分钟 =120 拍）。再如 5 秒钟 5 拍，那么 5*12=60 （即每分钟 =60 拍），但应该指明的是，计算 5 秒钟的拍数时，必须是足拍。如 5 秒钟 10 足拍，必须从 1 数到 11 才是 10 足拍。为了便于检查，下表可供参考：

慢速 5 秒 5 拍 每分钟 =60 拍慢板

5 秒 6 拍 每分钟 =72 小慢板

中速 5 秒 7 拍 每分钟 =84 行板

5 秒 8 拍 每分钟 =96 小行板

5 秒 10 拍 每分钟 =120 进行曲速度

快速 5 秒 11 拍 每分钟 =132 小快板

5 秒 13 拍 每分钟 =156 快板

5 秒 15 拍 每分钟 =180 急板

5 秒 20 拍 每分钟 =240

演奏者培养速度观念，要注意训练经常化，如乐曲上标记着每分钟 =60 或每分钟

=96 ，见到这种标记时，我们可以随时用手打一下拍子，用手表或节奏器来对照一下。平时听歌曲或乐曲时，也可以用表计算一下，看它是什么速度。久而久之头脑中就会树立起较明确的速度观念。如果演奏者不注意培养速度观念，忽视乐曲的速度和速度变化，而一概用所谓的中速来演奏，这是十分有害的！

（九）怎样掌握好乐曲的强弱

怎样掌握好乐曲的强弱先吸好气，然后收紧唇部肌肉，使口风略细一些，再把气息慢慢呼出，所产生的就是弱音。吹奏低音 5 、 6 、 7 是要特别注意，因为这三个音本身就要求气流要强的，想要获得弱音的效果有一定的难度，还不好控制尾音。只有经过反复的练习、慢慢的去体会，才可以从中找出最佳感觉。只能缓吹的 5 、 6 两个音气流更要缓些才能获得弱音的效果，同时也应注意气流太缓发不出声音来。掌握好弱吹的前提下，可以将声音吹到正常的力度或再强些，然后由强渐弱。吹奏低音时气息要下沉，吹高音时气息上升，不可以松懈。要特别注意控制气息的变化，用力过大会使簧片变形或发不出音来，用气太小同样也发不出声来。掌握好较弱的长音练习后，要吹出由弱渐强的音就很容易了，要注意的是控制好气息使之逐渐加大，才能达到好的效果。

（十）乐曲的艺术处理问题

分析乐曲并通过演奏充分表现乐曲的内容，应该注意以下几点要求：

1 、了解作品的时代背景，并根据乐曲的标题、表情及力、速度记号来理解作品所反映的思想内容。

2 、分析乐曲的旋律、节奏等特征，注意乐曲的层次变化，处理好高潮，把握住主题的基本情绪。

3 、注意乐曲的风格特点，确定恰当的演奏技法。

不注意乐曲力度的变化，很难成为优秀的演奏者

力度是指音乐中音响的强弱及其变化，在演奏中是非常重要的！优秀的演奏者，总是非常重视演奏的力度和变化。他们的演奏之所以有很大的感染力，原因之一就是由于他们能够掌握很宽的音响力度范围，从最细微的弱音到最强音都能在演奏中运用自如，因此，大大丰富了表现力。值得一提的是，并不是每个演奏者都对力度变化，抱谨慎认真的态度，只一味强调强的音响，反而缺乏表现，显得单调，这和说话一样，若把每个字都用很响的声音表达，就会失掉生动的语气而缺乏表现力。要想掌握好力度变化，应加强发音均匀和渐强渐弱的技巧练习，并严格遵守乐曲中拍子的特点。在乐曲、独奏曲中，往往不是一种速度和力度贯穿始终，而是有着丰富的力度和速度变化，如某些乐段以力度和速度突变的处理方法来体现鲜明的对比，有的运用力速渐变或层层变化来深入刻划音乐形象。这些都需要大家在这方面细心研究，并在演奏中表现出来。如果做不到这些，那你很难有好的成绩，也就是说根本不可能成为好的演奏者，希望引起大家的注意！

有很多人都可以吹一些曲子甚至是独奏曲，甚至技巧、熟练程度都达到乐曲要求，但是为什么我们听来和专家的演奏有很大差距呢，就是因为他在平时的学习过程中忽略了乐曲的

力度变化，以及艺术表现等问题，这些在演奏中都是非常重要的环节，忽视不得，初学者可以在基本技术方面下些工夫，等到有了一定的基础，也就是说可以比较熟练的运用一些技巧以后，再多注意在这方面多下些工夫，否则容易弄巧成拙。这点也请朋友们注意！

葫芦丝演奏的艺术表现

对于葫芦丝演奏来说，艺术表现就是对所演奏的乐曲进行艺术上的再创作，演奏者必须善于运用音乐语言，正确表达自己的情绪深刻的描写意境准确生动的刻画形象。演奏者都要针对具体作品，参照注释或特定的演奏符号，以及多听相关的乐曲进行细致的分析，以乐曲所需要的特定情绪去支配自己的演奏，使听众感到是发自演奏者的肺腑之音。通过联想把乐曲所描写的环境和人们在这些环境中的不同感受深刻的揭示出来，做到情景交融。为此，演奏者首先要善于观察各种不同的自然景物和特定的时间与空间，体察各种人物（首先是自己）在这些不同环境中的不同心理变化，以及带着不同情绪和不同的角度观察同景物的不同反映。要通过分析作品，明确所演奏乐曲本应描写的那种环境和怎样的感受，在演奏中要充分展开自己的丰富想象，让自己如同身临其境，进而通过这种想象支配下演奏出的音乐效果，让听众的脑子里也产生类似的联想。要想表现人物的形象，必须善于抓住各种人物的性格特征，把他们的精神状态表现出来，还必须要抓住其外貌特征，把他们的动作状态表现出来。总之，音乐中的情绪、意境和形象是相互联系着的，这也可以说是音乐形象，塑造音乐形象能否达到以上要求，取决于演奏者的思想水平，熟悉生活的程度和观察生活的能力之外，主要取决于各种艺术手法的调动和运用，这也需要演奏者有了一定的功底才能达到的。

（十一）怎样克服舞台演奏时的心理紧张

首先应认识到，舞台演奏时的心理紧张是一种正常的生理反应而不是病态。许多时候，特别是重要的演奏时，这种紧张情绪往往特别严重而且不可避免。我们要做的是，一方面通过演出前充分的技术准备和心理准备尽量的减轻紧张情绪，另一方面，通过不断的锻炼将这种紧张情绪转化成一种动力与演奏时的激情。

常言道：“台上一分钟，台下十年功”，技艺高了，自然就可以使自己变的信心十足，胆气大增。上台之前，乐谱一定要背熟，乐曲的技术上不能有负担，从而消除这种因能力问题而引起的心虚。如果技术不成问题，那么心理准备就不容忽视了。它包括要有自信与强烈的表现欲望。同时更不能患得患失。绝对不要去想：演奏错了怎么办？演砸了怎么办？要知道，越怕就越容易出错，越错就越慌。你应该将注意力集中到乐曲的演奏中去，另外，演奏前的体力储备也是很重要的，如果演出之前情绪过度兴奋，过于增加练习强度，那么就可能出现正式演奏时因体力不足而引起的心有余而力不足的现象。

凡事有一弊就有一利，过度的不加控制的紧张会严重影响正常的演奏，而通过不断的锻炼，我们完全可以将紧张情绪转化成一种精神上的集中和因精神兴奋而产生的演奏上的激情。