交响乐欣赏
一直以来交响乐对于我都是一片神秘的地带,既陌生又好奇而这次有幸选中交响乐欣赏这门课经过一些学习后对于交响乐有了很多新的认识。确实是一次新的认识新的选择,交响乐能带给人的东西是别的音乐无法达到的。很多人当然也包括以前的我觉得交响乐是高深莫测、不可捉摸的还没听就给自己已经下了定义就是肯定听不懂。其实大家应该想到在我们的生活中其实交响乐是无处不在的,只不过你没有认真的去聆听过。音乐的产生就是为了反映人类的精神世界是真理和美的化身,是诉说和宣泄我们最真挚的感情,所以不会有什么神秘和不可捉摸的,只要你用心去听你就会感激上天创造出如此美妙和谐的音乐了。交响乐给人的启示是很多的,它可以给你很多想象的余地,内涵非常丰富。即使听一百遍还会有新的发现。而且,我想随着我们年龄的增长阅历的加深,对作品的理解也将更加深刻。众多交响曲不同的音乐风格,会进一步吸引你去了解作曲家的生平、个性以及他生活的时代,当时的思想信仰、艺术氛围、审美趣味等等。交响音乐是音乐艺术中格调最高雅、内容最丰富、思想最深邃的作品,是音乐创作的最高形式。在这里就浅谈下交响乐的欣赏。
首先要了解下交响乐的产生和发展过程。在西方音乐上千年的历史发展中,交响曲不是一下子就形成的。交响音乐与交响曲的原文同是symphony一词,出自希腊语,意为“一起响”,也有音与音之间和谐地结合的意思。它作为一种大型的器乐套曲形式,经历了好几百年的发展,是许多音乐家不断创作、实践和探索的结晶。在古代和中世纪的欧洲,器乐是同歌唱、舞蹈结合在一起的,吹、拉、弹各种乐器基本上是在为“唱”起着伴奏的作用。后来,一种或几种乐器独立地奏起了歌唱的旋律,它起初是简单的对声乐的模仿,之后就具备更多的器乐特性,尽管它们那时篇幅还不太长,也并不复杂。到了文艺复兴时期,器乐音乐有了飞速的发展,形成了自己较为独立的形式。多种乐器的合奏形式在意大利的威尼斯时兴开来,十七世纪产生于意大利,尔后遍及欧洲的新音乐体裁——歌剧,为器乐合奏提供了更广阔的天地。除去剧中为歌唱伴奏以外,在歌剧开始前,有独立的器乐合奏作为引子
在人类的视觉、听觉、味觉、嗅觉、触觉里,听觉更易于接近智慧灵性的层面,却往往被大众忽视。在西方发达国家,莫扎特、贝多芬的音乐小品已成了幼儿教育开发智力的必修课。而当今中国却到处充斥着低俗的商业娱乐音乐,想躲也躲不掉,许多年轻人已经失去了对纯粹音乐的辨别力,令人惋惜。通过一学期的交响乐赏析课程,更深刻体会到音乐世界的美妙;一些欣赏体会,愿共同分享。
关键词:欧洲交响乐,欣赏
许多初次欣赏交响乐的人有两种典型的心理,一种是畏惧心理,觉得交响乐神秘高深,不可亲近。其实交响乐时时出现在你的生活中,无论是电台、电视台的节目开始曲,还有许多电影、电视剧的配乐,都是交响乐、管弦乐。交响乐并不神秘,只要多听,总是可以入门的。
绪论
它是欧洲文艺复兴时期的产物。交响乐曲的名称源出希腊语,原意为“一齐响”的意思。交响曲是一种具有奏鸣曲(由呈示部、展开部、再现部组成的曲式)体裁特点,由庞大的管弦乐队演奏的宏大套曲(是由若干在结构上各自独立、音乐性质上互相对比的部分组合而成的特殊曲式)形式的音乐作品。由于交响乐曲式结构宏大,乐队宠大齐全,有强大的音响力量,加上丰富多彩的音乐千变万化,管弦乐队的表现力能得到高度发挥,因此意蕴深远,善于表现神秘、丰富而复杂的感情,对于大自然的诗情画意的描绘更是有独特的色彩效果。因此,交响乐有强烈感人的艺术魅力。 交响乐欣赏课不仅对在向大学生了解乐理知识、交响乐的发展历史,各阶段的代表人物和其主要作品有很大的帮助外,同时对他们心灵的净化和审美能力的提高都有重要的意义。是十分有意义的一门课程。
目录:
斯美塔那与《我的祖国》
摘要:
《我的祖国》作于1874—1879年间,这时斯美塔那已遭到耳聋的极大不幸,他一面以顽强的毅力与病魔作斗争,一面忘我地讴歌祖国光荣的历史,抒写祖国美丽的河山。《我的祖国》充满对祖国和人民深刻的爱、对未来和光明坚定不移的信念和乐观精神的颂歌。 关键字:
捷克音乐之父 爱国 以音乐抒怀 动人的《沃尔塔瓦河》 意志坚强
正文:
喜欢莫扎特音乐中的欢快流畅,喜欢贝多芬音乐中的悲怆激昂,但都敌不过斯美塔那音乐中透露出的优美、奋进与高亢。当第一次听到交响诗套曲《我的祖国》的第二乐章《沃尔塔瓦河》时,我便深深地迷上了这部被称为“捷克第二国歌”的交响诗,也深深地被它和它的创作者所感动了。
斯美塔那(1824.3.2--1884.5.12),是捷克著名的作曲家、指挥家和钢琴家,是捷克民族乐派的奠基人。1824年3月2日出生于奥匈帝国波西米亚(现属捷克共和国)。他出生在捷克一个小镇的酒坊主家庭,自幼热爱音乐,熟悉民间音乐,喜欢钻研音乐大师作品。他四岁开始学习小提琴,五岁演奏海顿的室内乐作品,六岁举行钢琴演奏会,八岁开始作曲。他的启蒙老师是捷克卓越的音乐家约瑟夫•普罗克什,斯美塔那从他身上得到了很深的教益。十九岁时,斯美塔那已经形成了具有捷克民族特征的音乐创作风格,并且成为当时肖邦作品的最优秀的演奏者之一。1843年,斯美塔那参加了反抗异族统治和推翻封建专制的革命运动。革命失败后他被迫流亡国外。后来到Leipzig与舒曼、门德尔松相识。1848年与钢琴家Katharina结婚,并在布拉格创建音乐学校。成为李斯特挚友。1856年以前一直在布拉格从事教学和创作活动,他的早期作品深受古典大师们的影响,后来结识了李斯特和柏辽兹,对自己作品的传统风格产生疑问,使他逐步摆脱西欧传统古典音乐的束缚,走上民族音乐的道路。1856年赴瑞典,在哥德堡交响乐团(Philharmonic Society at Gothenburg)担任指挥。并在此居留5年。奥地利被匈牙利击败后,怀着捷克民族主义热情,到布拉格剧院任指挥。他充满热情地写作,用自己本民族的语言与风格写歌剧,他先后写了10部歌剧都以爱主义主题为主导。1866年完成的《被出卖的新娘》成为斯美塔那的代表作。[1]
《我的祖国》作于1874-1879年间,这时斯美塔那已遭到耳聋的极大不幸,他一面以顽强的毅力与病魔作斗争,一面忘我地讴歌祖国光荣的历史,抒写祖国美丽的河山。这是一阙充满对祖国和人民深刻的爱、对未来和光明坚定不移的信念和乐观精神的颂歌。
《我的祖国》共分为六个乐章:
第一乐章:《维谢赫拉德》
“维谢赫拉德”是捷克一座城堡的名字,他象征着捷克人民光荣斗争的历史。整个乐章具有纪念的礼赞的性质,犹如全部套曲的庄严宏伟的序幕。全曲开始,在竖琴的引导于陪伴下,乐队以徐缓的速度奏出:“维谢赫拉德”宽阔肃穆的主题音乐。主题经过各种乐器的不同组合的演奏逐渐扩展并达到强大的高潮。继而转入戏剧性的对比,音乐描绘了中世纪骑士们格斗的场景。之后,庄严的“维谢赫拉德”的主题再度出现并逐渐减弱最后结束在竖琴的音响中。
第二乐章:《沃尔塔瓦河》
《沃尔塔瓦河》是斯美塔那的代表作、交响诗套曲《我的祖国》中的第二首交响诗。沃尔塔瓦河是捷克民族的摇篮,在捷克人民心中有着特殊的地位,被捷克民族称为“母亲河”。这是一首充满魅力的抒情诗般的交响音乐,也是斯美塔那所作的最为宜于人们接受的作品。1874年首次公演就受到公众的热烈欢迎。这首富有感染力的、流畅自然的e小调旋律在全曲中起着主导的统一的作用。而森林狩猎的音乐乡间婚礼的民间波尔卡与主题音乐有机的结合。乐曲最后转为E大调,显示了沃尔塔瓦河流向布拉格的更加壮阔于气势雄伟。 第三乐章:《莎尔卡》
这首交响诗取材于民间传说,全曲构思而紧凑。先后出现几段不同场景的音乐如描写武士们坠入情网的优美旋律、武士残酷战斗的音乐。最后沙尔卡主题再度出现并结束了这一乐章。
第四乐章:《捷克的田野和森林》
这是一首描绘捷克大地的风光的交响诗。乐曲开始是广阔庄严的前奏,人们可以从中领略到捷克大地之美。然后,是捷克民间舞曲,欢快明朗的音调由弱到强,表现了在田野与森林自由生活与劳动的捷克人民自信的情绪,他们是捷克大地的主人,也是本章讴歌中心。 第五乐章:《塔波尔》
“塔波尔”是中世纪的捷克胡斯教徒战争时期为捷克的自由和反抗异族压迫的坚强堡垒。这一乐段曲在于这一史实,并在乐曲中采用了胡斯运动时的歌曲《上帝的战士,你们都是谁》使音乐具有历史色彩和强烈的爱国主义情绪。全曲的旋律音调坚定而果断。节奏密集、声响强大,有着震撼人心的力量。
第六乐章:《布朗尼克山》
“布朗尼克”是布拉格附近一座山的名字。胡斯运动时,英勇的战士们在这里运动并壮烈牺牲于此。乐曲开始为胡斯歌曲的曲调,描写了胡斯的英雄战士们在布朗尼克山地行军的场景;然后出现山峦牧场的画面,仿佛胡斯战士们渐渐隐没;再后,乐曲描绘了他们为祖国自由英勇战斗的场面。尾声十分壮丽和雄伟。“维谢赫拉德”的主题再度出现,同胡斯歌曲的音调结合在一起,表达了人民必胜的坚强而乐观的信念。[2]
其中《沃尔塔瓦河》最为著名。
斯美塔那曾为《沃尔塔瓦河》的内容写了如下文字:“„„两条小溪流过寒冷呼啸的森林,汇合起来成为沃尔塔瓦河,向远方流去。它流过响着猎人号角回响的森林,穿过丰收的田野。欢乐的农村婚礼的声音传到它的岸边。在月光下水仙女们唱着蛊惑人心的歌曲在
它的波浪上嬉游。„„沃尔塔瓦河从斯维特扬峡谷的激流中冲出,在岸边轰响并掀起浪花飞沫。在美丽的布拉格的近旁,它的河床更加宽阔,带着滔滔的波浪从古老的维谢格拉德的旁边流过„„”[3]
沃尔塔瓦河是捷克人民的母亲河,捷克民族的摇篮。斯美塔那将自己浓浓的爱国热情全都融入了的音乐作品中。想到他满耳充斥着轰鸣的噪音,凭借着自己顽强的意志完成了这部旷世巨作。
本乐章有着明显的顺序性和强烈的跌宕起伏。它形象地把沃尔塔瓦河的整个流程用音符的形式体现出来,在欣赏动听的乐曲的同时还在人脑中呼应出真实的画面,感觉如同身临其境。 《沃尔塔瓦河》中贯穿着这样一条主线:
两条小溪→沃尔塔瓦河→森林→农庄→峡谷→布拉格→大海
沃尔塔瓦河的源头是两条小溪。一条是暖流,一条是寒流,斯美塔那巧妙地运用长笛和单簧管的两种不同的音色,象征着这两个源头,形象地再现了黎明时分汇成沃尔塔瓦河的两条潺潺淙淙的山泉。小提琴的清脆和竖琴的晶莹剔透若隐若现,犹如清泉涌出的浪花飞溅,跃动着点点晶莹,活泼生动,使听者感觉犹如身临其境。接着沃尔塔瓦河流过了茂密的森林,圆号响起,就像猎人吹响了号角,准备出发。这条大河在山门沟壑中奔腾,一往无前。沃尔塔瓦河流过了村庄,岸边传来了轻盈欢快的波尔卡舞曲。这是黄昏时分,村民们正在载歌舞地举行乡村婚礼。欢快的节奏向远处隐去,舞曲的回声逐渐消散,木管乐器柔和的鸣响,深远悠扬,夜幕徐徐地降临了。音乐充溢着神秘幻想的色彩,优美动人虚无飘渺。长笛和单簧管再次奏响,朦胧的月光洒下银辉,沃尔塔瓦河静静的流淌着。黑夜将逝,表现沃尔塔瓦河在黎明中出现,河流进入峡谷中,形成的汹涌激流,惊涛骇浪猛烈地撞击着陡崖峭壁,发出雷鸣般的轰响,构成了一幅惊心动魄的画面。终于,滔滔的河水映着初升的太阳冲出了险境,景色豁然开朗。由小调变成大调,沃尔塔瓦河变得波澜壮阔,意气风发,显得更加宽广而感人至深,充满了欢乐的力量。最后,小提琴的琴弦间跳出优美波动的旋律,宛如河水从容地流向大海,流向天际,流向远方„„至此,本乐章结束。
听完这首动人的交响诗,使我心潮澎湃,久久不能平静,仿佛旋律还萦绕耳旁。随之而来的便是感动。感动这首交响诗优美的旋律,感动它其中蕴含的对祖国深切的热爱,感动它是在斯美塔那罹患耳疾时是创作的„ ...比起贝多芬的失意,贝多芬的失聪至少还可以安静的创作,而斯美塔那,双耳轰鸣,脑海充满的是焦躁与不安,就是在这种情况下,他心怀着爱国的精神,凭借着不屈的毅力,以他的坚韧打败了耳边的噪音,以他的意志安静了不平的心境,以他的顽强战胜了坎坷的命运„...这使我更加欣赏这位音乐家,从心底地敬佩他,并以他坚强的意志为学习目标,遇到挫折,永不退缩。这是我所获得的更大的收获
音乐的力量 摘要: 音乐的力量是无穷的,可是使人们忘却周身的一切。通过品
读巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、门德尔松、肖邦、舒曼、
李斯特、柴科夫斯基等十位音乐大师作品风格等方面,感受音乐的力
量。
关键字:巴赫 海顿 莫扎特 贝多芬舒伯特 门德尔松 肖邦 舒曼
李斯特 柴科夫斯基
几个音符,组成一曲抒情,几个音符,奏出一段浪漫,几个音
符,飘落一缕忧伤,情感在音律中旋转,音乐在生活中荡漾。不知从
何时开始,音乐已成了人类的精神舞伴。但我们畅游在音乐的海洋里
时,我们忘却了烦恼,忘却了生活的琐碎,我们的心灵得到了净化。
我们品读他人的音乐感受着他人的心灵,感受着他们那或悲怆或浪漫
的命运。
巴赫,欧洲音乐史上极为重要的音乐家,有“近代交响乐
之父”之誉。他的音乐构思严密,感情内在,富裕哲理性和逻辑性,
常常表现出坚持不懈的倔强、坚定不移的信念,正如他的名字小溪一
样。他又如大海一般使巴罗克音乐在此达到顶峰。
海顿,在音乐史上享有崇高地位。海顿古典主义音乐大师,
他不仅创作了大量古典音乐的经典作品,而且对交响乐曲和四重奏这
种音乐形式的确立和发展,特别是四个乐章的交响乐体裁的确立做出
了重大贡献。莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯、布鲁克纳等音乐
大师们都深受他的影响。尽管他的交响乐曲总的来说不如后来的莫扎
特、贝多芬那样完美,然而正如柴科夫斯基所说的:“如果没有海顿
就没有莫扎特和贝多芬。”由于在这方面勤奋的开拓,海顿因此被人
们誉为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”。[U1]
莫扎特,又如天使一般,虽身处逆境但其作品的总体风格却是
明朗乐观、积极欢快的。他的音乐永远充满优美动人的旋律,明净清
澈,和谐典雅,很少流露出一己的痛苦。他把美好留给了世人,而将
痛苦留给自己咀嚼。例如他的《第四十交响曲》,他在创作此曲是正
处于人生中最阴暗的时期,但这首作品却饱含对未来的向往和奋然向
上的精神。他的音乐完全超越了个人的痛苦,犹如天使一般给人们带
来了欢乐与希望。
贝多芬,继巴赫、海顿、莫扎特以后欧洲音乐史上的又一位
巨人。他的创作大致可分成3个时期:早期阶段受海顿和莫扎特的影
响,作品内容广泛,初步显露出创作个性;中期阶段是作曲家的成熟
阶段,产生众多杰作,他的代表作如《第三交响曲》(英雄)、《第
五交响曲》(命运)、《第六交响曲》(命运)、《F小调钢琴奏鸣
曲》(热情)、《降E大调第五钢琴协奏曲》(皇帝)等作品都创作
于这一时期;晚期阶段的创作思想深刻复杂,技巧纯熟,超出了古典
主义的局限,出现浪漫主义的因素。[U2] 贝多芬反对封建专制,崇尚
自由、平等、博爱的民主精神,崇拜英雄,热爱人民,这些在他的作
品中都有所体现。例如他的《第三交响曲》(英雄),他在创作此曲
时深受法国大革命影响,一度十分崇拜拿破仑,并为其创作了此曲,
并在作品的扉页写下“献给拿破仑·波拿巴”的题词,他崇拜英雄,
但他更崇尚民主自由,所以当他得知拿破仑自封为皇帝之后,他愤然
撕毁原有的题词,重新题词“为纪念一位伟大的人物而写的英雄交响
曲”。
舒伯特,浪漫主义的奠基人。现实中他没有得到幸福与欢乐,他就到音乐中去寻求,从而走上了浪漫主义的创作之路,成为了浪漫
主义音乐的主要奠基人。《未完成交响曲》是作者不满现状而寻求解
脱、超越的探索。乐曲中所表现的理想和现实的矛盾、沉思与向往的
交替,体现了作者复杂的内心世界。作品所表现的对生活的热爱和对
未来的向往,抚慰了无数后人的心灵。[U3]
门德尔松,浪漫主义前期的著名音乐家。他的音乐将诗意般的
想象力和古典音乐纯粹美感结合在一起,不仅深深的吸引着一般听
众,音乐家也认可他无与伦比的创作技巧。他的作品大都充满了明朗
浪漫的气氛,把浪漫主义的风格和古典主义的特点交织在一起,即带
有古典主义作品的严禁,又带有浪漫主义的幻想。《仲夏夜之梦》序
曲是其的代表作,音乐轻盈优雅,富于幻想和活力,展示了作曲家高
超的写作技巧。它主要包括三个主题,第一个主题描绘出小精灵在月
光下舞蹈的梦幻场景,第二个主题表现的是恋人的抒情乐思,第三个
主题是舞蹈性的音乐,具有轻快的特征。肖邦,具有诗一般浪漫气息
的“钢琴抒情诗人”。
肖邦一生既未写过交响曲,也未写过歌剧,他的创作绝大部
分是钢琴曲。像《G小调第一叙事曲》如诗一般的表达了对英雄仰慕
和崇敬的心情,通过三个主题分别表现出英雄面对民族灾难,忧心如
焚,焦虑不安的心境和英雄镇定、大度的气质和宽广,辽阔的情怀。
倾述了内心强烈的爱国主义激情。舒曼,欧洲浪漫主义时代音乐家中
最富有浪漫气质的德国作曲家,他的创作不仅仅囿于音乐本身,而是
力图把文学植入音乐音乐,从而加深了浪漫主义音乐的深度、矛盾和
冲突。他的性格热情而且敏锐,富于幻想而忧郁,心理极为内向而复
杂,这些反映在他的音乐中,则成为幻想的、诗意的、热情的并且富
有深刻的寓意。他的《降E大调第三交响曲》就如同一副画卷,展示
了莱茵河的美丽动人。全曲分为五个乐章:第一乐章具有英雄般的浩
然气概,充满了蓬勃向上的活力;第二乐章展现了莱茵河的早晨;第
三乐章音乐安详柔顺,犹如莱茵河缓缓流淌着的河水;第四乐章 使
人们仿佛看到了高耸如云,壮丽宏伟的科隆大教堂;第五乐章则表现
了莱茵河畔人头攒动,万人欢庆的沸腾场面。
李斯特,不仅是一位震惊世界的钢琴家,而且是一位才华横
溢的作曲家。他的大多数作品鲜明的反映了他对祖国、人民、生活和
大自然的热爱,同时也表现了匈牙利人民对于幸福美好生活的热切追
求。他热爱匈牙利和其他民族的民间音乐,还非常同情和支持欧洲各
地的革命运动,并创作了《里昂》、《工人合唱》、《送葬的行列》、《英雄的葬礼》等作品。他打破了传统交响乐的固有格式,创造了一
种全新的音乐体裁——交响诗,借音乐来表现一种诗情,以一些大诗
人的作诗、历史故事和名画作为主题,用单乐章的交响乐作品再现出
来。
柴科夫斯基,世界公认的近代音乐史上最伟大的俄罗斯作曲
家。他的作品呈现出集大成的综合性,有古典主义的宏伟和谨慎,有
浪漫主义的诗意和激情,有俄罗斯民族乐派的质朴和亲切。他的作品
既有明朗、欢快,如《第四交响曲》,也有悲怆、忧愤,如《第六交
响曲》。此外他的作品体裁多样,几乎涉及了音乐体裁的所有领域,
而且在每个方面都给世界乐坛留下盛名和光辉。如,《第一钢琴协奏
曲》、《黑桃皇后》、《天鹅湖》、《佛罗伦萨回忆》、《四季》等。
细细地聆听着大师们的作品,感受着他们的生活和命运,感
受着作品中的喜怒哀乐,品尝着其中的各种滋味。音乐的力量是无穷
的,它使我们忘却了烦恼,忘却了生活的琐碎,我们的心灵得到了净
化。,音乐带给人的那种闲适心情难以言表,而交响乐正是各种音乐
中最能给人以灵魂的洗涤的重要部分,在晴朗的午后一边听着交响乐
一边看书,或是在阴雨的傍晚一边听着交响乐一边冥想„„似乎所有
事情与音乐结合在一起都变得完美起来。
四、莫扎特 (W.A.Mozart 1756--1791)
莫扎特1756年1月27日出生于奥地利的萨尔茨堡,父亲是一位宫廷乐师,也是莫扎特最初的音乐教师。莫扎特三岁就显示出了奇异的音乐天赋,四岁学钢琴,五岁作曲,六岁跟着父亲及姐姐到欧洲各地去演出,八岁学写奏鸣曲、交响曲并出版他的音乐作品,十一岁开始创作歌剧,十二岁上台指挥演奏自己的作品。在欧洲音乐的发展史上,这位音乐神童的出现,为当时的维也纳古典乐派增添了光
彩。不久, 莫扎特被任命为萨尔茨堡大主教的乐长。
1763年,六岁的莫扎特开始了为期十年的欧洲旅行演出,他到过德国、法国、比利时、英国、荷兰、意大利等国,处处受到热烈的欢迎,被誉为“音乐神童”。这期间,欧洲各国特别是意大利音乐对莫扎特产生了深刻的影响,他结识了许多作曲家,并向他们学习作曲技法,创作了不少音乐作品。1773年,莫扎特离开
了意大利,结束了这次旅欧演出。
回到萨尔茨堡后的平凡单调、贫乏音乐活动的生活以及与大主教的矛盾,使莫扎特感到难于忍受,1777年他又一次出去旅行演出。这次从慕尼黑、曼海姆到巴黎的旅程,使他更了解了曼海姆乐派的音乐,与那里的音乐家结下了深厚的友谊,对社会的认识也逐渐深入,因此,创作思想也逐渐成熟。1779年,他返回萨尔茨堡,1781年辞去了萨尔茨堡教堂的音乐职务定居维也纳,成为奥地利历史上
第一个有勇气摆脱宫廷和教会,维护个人尊严的自由的音乐家。
在维也纳,莫扎特创作了大量的音乐作品,有赠送海顿的六首弦乐四重奏、著名的第三十九、四十、四十一交响曲,有歌剧《后宫诱逃》、《费加罗的婚礼》、《唐· 璜》《魔笛》„„这些作品反映了他对生活、对社会新的认识,反映了他成熟的创作思想,也反映了当时维也纳进步知识分子典型的思想感情。 1791年12月5日,莫扎特最后一部作品《安魂曲》还没完成,他就突然病逝于维也纳。这部作品也是莫扎特给自己三十六岁灵魂的安葬曲。莫扎特短暂的一生,创作出大量的音乐作品,体裁涉及各个领域,留下了许多不朽的杰作。计有歌剧20余部,交响曲50部(其中41部有编号),各种独奏乐器与乐队的协奏曲50
余部,钢琴、小提琴奏鸣曲57首,弦乐四重奏23首,还有宗教音乐、嬉游曲等。
此外,莫扎特确立了维也纳古典乐派三个乐章的奏鸣曲套曲形式。
莫扎特的音乐创作既有宫廷艺术优雅、高贵的气度,又充满了朴实、明快的青春活力,因此,他的作品音响总是那么纯净、透明而富有激情。在交响曲的创作上,莫扎特着重主题之间和乐章之间的对比,因此,戏剧性比较强烈,思想上也更为积极、深刻。反映了18世纪末德奥知识分子在当时狂飙运动影响下的进步思潮,表现出追求人的自由和尊严、社会的光明和正义、充满乐观向上的精神。
莫扎特作品赏析
1、歌剧《费加罗的婚礼》序曲(op.492)
莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》完成于1786年4月,同年5月在维也纳首次演出。剧本由篷泰根据法国剧作家博马舍的同名喜剧撰写。歌剧主要是描写伯爵的男仆理发师费加罗与伯爵夫人的女仆苏珊娜的纯洁爱情,作者通过喜剧性的爱情故事,深刻、尖锐地提出了反对封建制度的社会问题。在剧中,普通平民以机智、勇敢和胜利的姿态出现在舞台上,而对封建贵族的虚伪、堕落则进行了无情的讽刺、揭露,这部歌剧当时受到了非常热烈的欢迎,也遭到宫廷贵族的不满和禁演。 歌剧《费加罗的婚礼》序曲的主题音乐与歌剧中的音乐没有直接的联系,但在风格上和情绪上与歌剧的内容是一脉相承的。这首序曲是一首妙趣横生的作品,它概括了普通平民的性格特征,烘托了喜剧中胜利的欢乐气氛。从中不难看到费加
罗机警、幽默的形象和苏珊娜聪慧、美丽的倩影。
序曲采用省略展开部的奏鸣曲式结构。呈示部的主部由两个主题构成:
第一个主题是稍快急速、性格爽朗的音流。
第二个主题为急板,像是明快、雄健的号声,体现出抒情喜剧的风格。
连接部出现活泼跳跃的节奏和弦,将热烈的情绪推进了一步。
副部也有两个主题,用属调写成。第一主题富有朝气,有一反复出现的音型,象
征费加罗不屈不挠争取爱情自由的性格。
第二主题使费加罗勇于斗争的性格表现得更加突出。
结束部旋律优美、细腻,富于歌唱性,刻画了少女苏珊娜的形象。
经过一个短小的连接句,音乐进入再现部,副部的主题在主调上出现,全曲充满
了热烈气氛,表现了费加罗战胜封建势力,获得婚姻自由的欢乐情绪。
2、《G大调弦乐小夜曲》(op.525)
莫扎特一生共写了十三首小夜曲,其中最有代表性的是1787年8月创作的《G大调弦乐小夜曲》。这是一部轻快的乐曲,充满了淳朴、真挚的感情。由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及倍大提琴演奏。由于它是莫扎特全部小夜曲中唯一用弦乐演奏的,所以被称作《弦乐小夜曲》或《G大调弦乐小夜曲》。
它堪称18世纪器乐小夜曲的典范。
这部作品共有四个乐章,第一乐章:快板,奏鸣曲式结构,具有进行曲风格。开
始四小节的前奏为号角特征的引子乐句,音调明朗有力,充满信心。 呈示部的主部主题清新、流畅,情绪饱满,颤音的出现更显得生机勃勃。 副部主题由两部分构成,第一部分主题节奏鲜明,连奏、断奏音型交替出现。 第二部分是连续反复的颤音和断奏,幽默而轻巧,蕴含一种自得其乐的情绪。
展开部非常短小,主要以引子乐句和副部主题的第二部分音型展开。 再现部按奏鸣曲式原则,副部主题的调性由属调转为主调,其它基本是呈示部的再现,最后是短小精悍的尾声。整个乐章节奏明快、旋律生动、简洁利落和富有
推动力。
第二乐章:行板,是一首抒情的浪漫曲,具有回旋曲式的特征。主题淳朴、抒情、
典雅、宽广。
第一插部旋律富于流动性,轻歌曼舞。
第二插部跳音与连奏形成鲜明的对比。
第三插部是全曲中唯一小调性的主题,它运用一个回音音型,连续不断地出现于小提琴与大提琴对答之中,形成高音部与低音部的对比,增加了乐曲的戏剧性。
最后,整个乐章在宁静的气氛中结束。
第三乐章:短小、精致的小步舞曲,复三部曲式结构。
第一部分主题由明快、有力和抒情、流畅两种富于对比性的旋律构成,带有舞曲
风格。
第二部分旋律甜美柔和,具有歌唱性。也由两种对比性旋律构成。
第三部分反复第一部分的主题后,结束全乐章。
第四乐章:快板,回旋奏鸣曲式结构。呈示部含有两个主题,第一个主题是一首威尼斯流行歌曲,旋律活泼轻快,充满着青春的活力和生命的光辉,这一主题在
本乐章中重复五次,但调性每次有变化。
第二主题优美、纤巧、生动,与第一乐章副部主题的第二部分近似,具有舞曲的
风格。
展开部是以主部主题为基础的调性变化与发展。
再现部以副部主题在前、主部主题在后,倒置出现,从而加强了回旋曲特有的热
烈情绪。
《G大调弦乐小夜曲》在欢快、明朗、兴高采烈的气氛中结束。
3、《A大调第五小提琴协奏曲》(op.219)
莫扎特的小提琴协奏曲共有六首。他的前五首小提琴协奏曲都是在1775年的几个月时间内写成。《第五小提琴协奏曲》完成于1775年12月。当时,年方十九的莫扎特在萨尔茨堡任宫廷乐师,但无论是创作速度还是艺术上的成熟都令人赞叹不已。这五首小提琴协奏曲风格典雅,旋律优美,洋溢着青春的气息。 莫扎特在确立古典协奏曲的体裁方面有较大贡献,他的协奏曲采用三个乐章快---慢---快的对比形式;并确定了第一乐章奏鸣曲式的主题对比原则:即第一乐章一般都有两个呈示部,第一个由乐队陈述基本主题,第二个则由独奏乐器展示,并强调独奏乐器的作用,充分发挥其技巧性。《第五小提琴协奏曲》以其结构之
独特为人们所熟悉。
第一乐章:快板,奏鸣曲式。
乐队在乐章开始时全奏出一个强有力的和弦,给音乐以推动。接着,在第二小提琴和中提琴的颤音背景上,第一小提琴以明亮的音响奏出引子的主题,它是这个
乐章第一主题的雏形。
经过一段连接,流畅地进入第二主题,这个主题典雅、轻巧。
接着,独奏小提琴奏出一段缓慢、富于表情的咏唱,这是第二呈示部的引子,紧接着是主部主题的出现,这时由独奏小提琴奏出的一段坚定有力、生气勃勃的旋
律,给人们的感觉是这一乐章的音乐这时才真正开始。
连接部和副部都显示出了独奏小提琴与乐队之间的对比,富于装饰性。简短的展开部形象柔和抒情,再现部把前面的主题一一再现。乐章结束之前,出现了独奏
小提琴辉煌的华彩乐段,它既快速明亮又柔和细腻。
第二乐章:慢板,三部曲式。
在这个乐章里,莫扎特表达了细腻而多样的内心体验,反映了这个时代的人们对
生活的热情和渴望,第一部分主题抒情、委婉。
副部的旋律在力度上与主部产生对比。展开部和再现部中,几个主题加以展开和
再现,最后出现简短的华彩乐段,安静地结束第二乐章。
第三乐章:回旋曲,小步舞曲速度。
乐章开始由独奏小提琴奏出主题,这是一个典雅而柔和的旋律,典型的小步舞曲
节奏,构成了一幅宫廷舞蹈的场面。
这个主题时而由乐队,时而由小提琴奏出,但每一次出现都有新的装饰,丰富了
主题的发展。
中间的插部是18世纪流行的所谓“土耳其音乐”的段落,二拍子,快板速度,是莫扎特采用的那种异国情调的范例之一。由五支节奏活泼、情绪欢快的旋律构
成的间奏乐段的主题,是匈牙利的舞蹈音乐,刻画了民间生活。
乐章结尾经过小提琴的华彩乐段和小步舞曲的主题再现,把“罗可可”风格装饰
的、轻盈美妙的旋律,又展示在听众面前。
【协奏曲】(Concerto)
协奏曲是一种独奏乐器和乐队协同演出的技巧高深的大型乐曲;也有以人声与乐队演出的声乐协奏曲。协奏曲通常分三个乐章:第一乐章快板,奏鸣曲式,富有戏剧性;第二乐章慢板,三部曲式,抒情,富于歌唱性;第三乐章急板,回旋曲
式,有欢乐、歌舞性。
由一个乐章构成的协奏曲叫“小协奏曲”。巴赫时代由几件独奏乐器与管弦乐队
竞奏的叫“大协奏曲”。
【回旋奏鸣曲式】(Rondo Sonata form)
音乐的曲式之一,属于奏鸣曲式的一种变体。原则是以奏鸣曲式和回旋曲式的结构特性相结合为基础,但在呈示部和再现部中,主部须在副部之后再出现一次,展开部通常改用插部代替。主要用于大型器乐套曲(奏鸣曲、重奏曲、交响曲、
协奏曲)的最后乐章,有时也用于独立的器乐作品。
五、贝多芬 (L.V.Beethoven 1770--1827)
贝多芬1770年12月16日生于德国波恩,祖父是科隆选侯的宫廷歌手和乐长,父亲也是选侯的宫廷歌手。贝多芬的父亲竭力想把他培养成为莫扎特式的神童,因此,四岁时就强迫他学习小提琴和钢琴,八岁公开表演。在管风琴师C.G.内费的指导下,贝多芬开始学习巴赫等德国大师的作品,使他真正认识了德国的民族音乐,逐渐形成了自己的风格。
在1787年慈母病逝后,贝多芬进入了波恩有名望的F.V.布朗宁夫人家庭任音乐教师。在那里,他结识到许多思想进步、学识渊博的教授、文艺家和政府中的开明人士。他们谈论艺术、哲学和政治,使年青的贝多芬开始受到进步思潮的影响,初步树立起艺术要服务于善良、正义和人道主义的艺术观。十九岁时,他获准进波恩大学听课,攻读康德的哲学论著和古希腊文学,在那里接触到的法国资产阶级革命的启蒙思想,对他的世界观、艺术观产生了很大的影响。1792年,贝多芬离开了自己的故乡定居于维也纳,是年跟海顿学习作曲。1795年开始出版作品。1800年左右,贝多芬创作了《第一交响曲》,这是贝多芬的一部习作,是他九部交响曲中最古典化的一部。1802年,贝多芬创作了《第二交响曲》,从这部交响曲中我们可以看出,贝多芬正力图形成使自已的创作与所追求的崇高理想结合起来的创作倾向。
《第三交响曲》(英雄)的完成,标志着贝多芬的创作进入了一个新的阶段,这部1804年创作的作品,摆脱了海顿与莫扎特的影响,无论在思想和艺术上都是一大飞跃。这部作品吸取了法国革命音乐的音调,它与革命时代的感情相融合,奠定了贝多芬音乐创作的英雄性、群众性风格和“通过斗争,取得胜利”的基本思路。
1802-1815年间,贝多芬虽受包括耳疾在内的各种精神上的打击,但他还是创作了大量的音乐作品:第三交响曲到第八交响曲,小提琴协奏曲,钢琴协奏曲及序曲、奏鸣曲等等,这些作品对以后欧洲音乐的发展产生了深远的影响。
1815年以后,贝多芬完全失聪了,他变得孤僻、易怒,但并没有失去信心,他这时的音乐创作带上了深思的性质。伟大的《第九交响曲》的完成,标志着贝多芬的创作进入了一个新的高峰,显示出贝多芬的艺术思想更深刻、更细致、更成熟。这部作品体现了贝多芬的“自由、平等、博爱”及“全世界人民团结拥抱起来,像兄弟一样,经过艰苦的斗争,才能获得真正的欢乐”的理想。
1827年3月26日,贝多芬病逝于维也纳。下葬的那一天,所有学校停课哀悼,两万人参加了葬礼,他的墓碑上刻着奥地利诗人格利尔巴采的题词:“„„当你
站在他的灵柩跟前的时候,笼罩着你的并不是志颓气丧,而是一种崇高的感情;我们只有对他这样一个人才可以说:他完成了伟大的事业„„”
贝多芬的音乐,占特殊地位的是他的交响曲。从这些交响曲当中,我们可以了解到交响曲从海顿、莫扎特、贝多芬过渡到舒伯特、门德尔松的各个时期发展概况,也可以了解到贝多芬创作的基本思维和精神面貌。贝多芬的交响曲,全面继承了德国音乐的优秀传统,吸取了法国大革命音乐的各种成果和富于英雄性的音调,因此,他的音乐具有鲜明的时代感,同时,他又吸取了德、奥民族音乐的精华,他的作品又具有更明显的民族性。
贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心,他把英雄的主题放在他交响曲创作中的首位。从贝多芬的《第三交响曲》、《第五交响曲》、《第六交响曲》、《第七交响曲》、《第九交响曲》中,我们都可以看出这些作品从各个不同的侧面描绘了英雄的活动与思想、英雄与革命斗争、英雄与大自然、英雄与人民、英雄与胜利、英雄与他的内心世界等等,这些富于英雄性的音调,把英雄塑在人民中间,表现了他们为实现正义的事业而战斗,甚至牺牲自己,直到赢得斗争的胜利。
贝多芬的交响曲创作多采用扩充的奏鸣曲形式,他的创作构思宽广、宏伟,思想深邃,形象对比鲜明,丰富多样,在曲式的处理上都达到了作品整体上的高度统一,在创作之中把原交响曲中的第三乐章小步舞曲改为谐谑曲,把歌剧中对人世间矛盾冲突通过斗争取得胜利的戏剧性表现手法运用到交响曲中,在《第九交响曲》中甚至加入了合唱,扩大了交响曲的表现能力与氛围。另外,在交响曲的创作中,贝多芬在配器方面作了大胆的创新,确立单簧管在乐队中的地位,在《第九交响曲》中使用四支长号等等,形成了一个新颖的风格,开始了一个新的领域,用这种创新的音乐形式充分表达了他的内心世界,反映了当时社会的进步思潮,将欧洲古典乐派的音乐发展到了最高峰,开创了19世纪欧洲浪漫主义音乐之先河。
贝多芬作品赏析
1、《c小调第五交响曲》(命运)(op.67)
《第五交响曲》是贝多芬的交响曲中最富于哲理性和戏剧性的作品之一,早在1804年《第三交响曲》脱稿之际,贝多芬就已构思创作了,只是他改变计划先完成了《第四交响曲》。1807年《第五交响曲》总谱出版。1808年12月22日在维也纳皇家剧院由贝多芬指挥首次演出了第五、第六交响曲。
《第五交响曲》是《第三交响曲》之后又一部英雄性、史诗性的作品。贝多芬称第一乐章主题是“命运在敲门”,因此后人称之为《命运交响曲》。“命运”这个主题是指当时令人窒息的德国封建社会,贝多芬揭示的“通过斗争,达到胜利”,是指从黑暗到光明,从与苦难“命运”抗争和与封建势力博斗,上升为欢乐和胜利。
《第五交响曲》是贝多芬艺术风格的代表作品,它的结构严谨、完整,手法简练、明快,发展紧凑、均衡,主题形象鲜明、生动。作为一部英雄性交响曲来说,它的矛盾冲突、情绪对置及紧张的戏剧性,比以前的作品更集中、更统一、更尖锐。各乐章之间紧密的内在联系,使全曲情绪激昂,有强烈的艺术感染力。这种浑然一体的雄伟气魄,代表着贝多芬的艺术风格。有人曾经说过:“贝多芬就是在这部交响曲中成为巨人的。”
《第五交响曲》共分四个乐章。
第一乐章 热情的快板,2/4拍子、奏鸣曲式。
这一乐章展示了一幅斗争的场面,音乐象征着人民的力量如洪流般以排山倒海之势,向黑暗势力发起猛烈的冲击。乐曲一开始出现的强有力的富有动力性的四个音,也就是贝多芬称为“命运”敲门声的音型,这就是主部主题。
这一主题是向前冲击的音乐形象,推动着乐曲不断发展,也在以后的各乐章中不断出现、发展。这一主题激昂有力,具有一种勇往直前、不屈不挠的气势,展示了惊心动魄的斗争场面,表达了贝多芬内心充满愤慨和向封建势力挑战的坚强意志。
当各种乐器进行轮回模仿,相继掀起一次比一次紧张的浪潮之后,圆号奏出了一个命运动机的变体,它表达了一种必胜的信心。
这是一个连接句,它从前面紧张、威严的音乐场面中,引出了富于歌唱性的第二主题,这是一个抒情的旋律,温柔优美、明朗的音调与前面形成对比,它抒发着人们对幸福生活的渴望与追求的情感。
在这里,严峻的命运动机退居到低音声部并以伴随形式出现,使温柔的音乐里带有不安的色彩,推动音乐继续发展。乐曲最后在明朗的气氛中,以果断、热烈的音响结束了呈示部。
经过富于表现力的两小节休止后,随着命运动机的出现进入发展部,音乐又回到了不安的音调,艰苦激烈的斗争又开始了。这时的第一主题非常活跃,它无休止地反复,调性不断转换,力度不断加强,随后出现鲜明有力的号角般的第二主题。这两个主题用各种手法交替变化发展,如对比复调的手法、频繁的转调等等,增加了音乐的不稳定因素,使音乐更加丰富。最后,命运的动机又闯了进来,并以最强的音响不断重复,形成了发展部的戏剧性高潮,音乐直接进入再现部。 再现部中,呈示部那种斗争的场面再度出现。在第一主题与连接部之间,双簧管奏出了一段缓慢的哀鸣音调,第一主题的发展突然被打断。可是,激动不安的情绪又立即恢复,只是当第二主题出现时才稍为平静。然而,光明与黑暗的斗争并没有结束,在庞大的尾声中越来越激烈。这时,音乐发展的气势锐不可挡,鲜明的力度对比,紧张的和声发展,形成全乐章的最高潮。乐章结束时,第一主题动机那强烈的音响,进一步刻画了勇于挑战的英雄性格,显示了人民必定战胜黑暗势力的坚强信心。
第二乐章: ba小调,稍快的行板,3/8拍子,双主题变奏曲式。这是一首优美的抒情诗,宏伟而又辉煌,同第一乐章形成了对比。它体现了人们的感情世界,战斗后的静思同对美好理想的憧憬互相交错,最后转化为坚定的决心。
乐曲开始时,在低音提琴拨弦伴奏下,中提琴和大提琴奏出第一主题,它深沉、安祥、优美,蕴藏着深厚的力量和对美好生活的向往。
紧接着,单簧管和大管奏出了具有战斗号召性的第二主题。
这个主题的音调与第一主题很接近,并与法国革命时期的歌曲有音调上的联系。这是进行曲风格的英雄主题,它起初抒情而沉思,转入C大调由全乐队强奏后,成为一支雄伟的凯旋进行曲,充满着火热的朝气,鼓舞着人们永往直前。
以后音乐的发展是这两个主题交替出现的六次不同的变奏。这六次变奏,贝多芬运用不同的节奏音型,调性转换、乐器变换等各种手法,表现出英雄在激烈斗争后的沉思和战胜黑暗的坚定信念,以及充满活力的激情。例如第一变奏以第一主题连续的十六分音符把音乐变得起伏和激动不安。
第二变奏以三十二分音符的连续出现,增强了动力性,表现出英雄战胜黑暗的坚定信念。
最后一次变奏,像英雄的凯歌一般,具有豪迈的英雄气概和乐观情绪,这一乐章的尾声,对第一主题作了简单的展开,表现出从深思中获得力量,对未来的胜利充满信心。
第三乐章:C小调,快板,3/4拍子,谐谑曲。这个乐章用复三部曲式写成,在调性上,回到了动荡不安的情绪,像是艰苦的斗争还在继续,它是通向第四乐章的过渡和转换。主部由两个对比性主题构成,第一个主题有两个因素:第一个因素由大提琴和低音提琴奏出急速向上的旋律,有一种向前推进的力量,但又显得有些迟疑。
另一个因素是这个基础上的应句,由一连串和弦组成,它沉着、抑制,又显出不安的情绪。
这个主题陈述两次之后,圆号奏出一个非常活跃的、号角般的新主题,那熟悉的节奏, 使我们一下子就能确认第一乐章的主题在这里以另一种形象出现了,它威严、稳健,具有进行曲的特征。
两个不同气质的、尖锐对置的主题轮番出现,表现了动荡不安及艰苦斗争的场面,而且每一次出现都越来越尖锐、复杂,富于戏剧性的效果。
中间部分以热烈的德奥民间舞曲为中心主题,由C小调转为明朗的C大调,音乐采用了复调赋格与主调和声的对比手法,情绪热烈而乐观,先由大提琴和低音提琴奏出,它与前面的音乐形成对比,有一种不可遏制的力量,造成风起云涌之势,表现出人民的力量一浪高过一浪和越来越强的必胜信念。
第三部分是动力性的再现部。第一部分的两个主题都用弱音奏出,进行再现和发展。定音鼓敲击的基本动机节奏型预示矛盾冲突在继续,这是在积蓄着准备最后冲刺的力量。接着,第一主题轻声出现,音乐自由向上伸展,乐队的音域不断扩大,力度由弱到强,调性色彩由暗到明,渐渐发展成为一种不可遏制的力量,响亮的和弦音导入光辉灿烂的最后乐章。
第四乐章:快板4/4拍子,奏鸣曲式。规模宏大的第四乐章充满光明和无比欢乐的情绪,是欢呼胜利的热烈场面。乐章呈示部的主部主题包含两个部分,第一部分以雄伟壮丽的凯旋进行曲开始,和弦饱满有力,旋律积极向前,由全乐队强奏。 第二部分音乐的情绪与前部连贯,由圆号和木管乐器奏出,音色明亮而柔和,进行曲的节奏,情绪喜悦富于歌唱性。
副部主题由弦乐器奏出,建立在G大调上。这是一支以三连音节奏为主,轻松而带有起伏的欢乐舞曲。
在呈示部的结尾段中,出现了一段与呈示部相联系的新旋律。
展开部是以第二主题广泛活跃的发展为基础的,不断高涨的音乐,像是无边无际的人群,汇成了欢乐的海洋。在接近高潮时,“命运”音型又插了进来,但它已不再刚毅强劲,倒像是对过去斗争的回忆,与第一乐章遥相呼应。再现部基本上重复了呈示部的音乐,新的力量稍有增添。
这个新主题,像一股巨浪从英雄心底流出,自信、豪迈而勇往直前。庞大的尾声,响起了C大调光辉灿烂的凯旋进行曲,它具有排山倒海的气势,表现出人民经过斗争终于获得胜利的无比欢乐。
《第五交响曲》是贝多芬交响曲创作中最有代表性的作品之一,恩格斯说过:“要是没有听过这部壮丽的作品的话,那么你这一生可以说是什么作品也没听过。”
2、《F大调第六交响曲》(田园)(op.68)
贝多芬的《第六交响曲》作于1807--1808年,1808年12月22日与《第五交响曲》同时首演于维也纳,1809年出版。标题性交响曲是贝多芬创作的特点,他的第三、第五交响曲都是标题性的,而最突出的是《第六交响曲》(田园)。贝多芬为每个乐章加了小标题,还在总谱的扉页注上:“主要是感情的表现,而不是音画。”这对人们理解这部作品特别重要。
贝多芬非常热爱大自然,大自然是他生活中的一个重要组成部分。1802--1808年间,耳疾严重的贝多芬常隐居于维也纳郊区。他有时躺在林中的草地上,有时漫步在淙淙的小溪旁,凝神思索万物生命的实质,细心洞察大自然的奥秘。从故乡莱茵河到维也纳郊外,贝多芬从大自然的怀抱中产生创作的灵感、获得心灵的欣慰,。
《第六交响曲》就是通过对大自然和农村生活景象的描写,反映人的崇高精神世界以及自然和生活的伟大。
这部交响曲共五个乐章,后三个乐章的演奏不间断。
第一乐章:《初到乡村时的愉快心情》,不过分的快板,奏鸣曲式。整个乐章的音乐愉快、明朗、淳朴、和谐。乐章一开始由小提琴奏出主部主题,这个主题充满着生机与活力,浓厚的乡村风味使人沉浸在春天的原野中,温柔的轻唱又渲染出无限的欢乐。
主部主题之后是呈示部的连接部,由管乐奏出的连续三连音音型,它以轻弱的力度奏出,犹如小溪的流水声,给人以清新的感受。
副部主题是主部主题形象的继续,它建立在C大调上,使人感受到更加清新、欢愉。旋律流畅、恬静,充满了人与大自然的和谐气氛。
接着是弦乐与木管先后奏出的副部主题第二部分,仿佛一问一答,构成自然和谐的画面。
在展开部里,贝多芬只运用主部主题中的少量音型为素材进行发展,他以精湛的技艺,创造性地运用调性的色彩和力度的对比等手法,描绘出一幅辽阔无边、充满生机的田野风光,荡漾着乡村生活的欢乐。
再现部与呈示部没有多大差别,但木管乐器的运用更巧妙,令田园风味更浓。 尾声将结束部主题的下半句变成三连音进行,增强了怡然自得的情绪。
第二乐章:《溪边景色》,稍快的行板,奏鸣曲式。呈示部开始时弦乐器奏出了稍有起伏的潺潺流水音型。在这个伴奏背景下,第一小提琴奏出了柔美动听的主部主题。
副部主题先由大管奏出,后由中提琴和大提琴加入。这个流畅的主题好似溪边美景中又传来牧人的笛声和乡民的歌唱,表现出清新抒情的气息。
展开部由一个强烈的不协和和弦开始,着重发展主部主题的素材,调性的变化及各种乐器色彩的变化,使主部素材得以充分展开。
再现部中主部主题增加了大管、单簧管的分解和弦及双簧管的三连音,将潺潺的流水描绘得更加生动。
尾声十分著名,贝多芬用长笛模仿“夜莺”,双簧管模仿“鹌鹑”,单簧管模仿“布谷鸟”的鸣叫声,描绘出一幅阳光和熙、鸟语花香、充满了诗意的动人画面。 第三乐章:《乡民欢乐的集会》,快板,谐谑曲。这一乐章的音乐欢快而有舞蹈性,表现了一个形象鲜明的风俗性乡民集会的欢乐场面。第一部分开始是一段三拍子舞曲,曲调轻快急速。
这一主题反复发展,力度不断加强,强烈全奏之后,双簧管奏出了牧歌风的优美如歌而富有生活气息的第二部分主题。
大管吹奏的简单音调陪衬着这支旋律,好像是一支乡村民间乐队在演奏,而其中有位乡村老农,拿着古老的风笛也到场助兴,但他只能吹出Fa、Do、Fa,乐队转调时他只好停下,到乐队转回原调他又响起来。乐章的中段是源自奥地利的二拍子舞曲,它粗犷活泼,带有浓厚的乡土气息,好像穿着木履的农民们的到来。 第三部分是第一部分的再现,音乐又回到三拍子的舞曲,但比前面更活泼、热烈和喧嚣。当舞蹈进行到最热烈的时候,突然,远处传来了雷鸣,狂欢的集会被打断,人们各自散去,随即进入第四乐章。
第四乐章:《暴风雨》,快板,自由曲式。这个乐章贝多芬运用了不协和和弦、频繁转调、色彩性配器、形象化旋律等手法,刻画出一幅电闪雷鸣、风雨交加的生动景象。弦乐快速跳弓像带着雨点的狂风在咆哮,低音提琴混沌的呼号像乌云笼罩的大地,短笛尖锐的呼啸更增添了恐怖的气氛,一场惊骇的狂风暴雨已来临。接着,一个半音阶伴随着不协和和弦从最高点迸发出来,长号和定音鼓雷鸣助威,爆发出强大的声势,显示出大自然的巨大力量。
随后,音乐渐渐平静下来,一场暴风雨过去了。木管乐器奏出温柔的旋律,像是远处又传来悠扬的牧笛声。
第五乐章:《牧歌,暴风雨过后的愉快和感激心情》,奏鸣回旋曲式。这一乐章紧接第四乐章连续演奏。雨过天晴,大地恢复了宁静,天上架起了彩虹,到处是一片清新的景色,鸟儿在枝头歌唱,牧人又吹起那悠扬的牧笛。双簧管和长笛衬托出由单簧管、圆号奏出的牧歌风格的引子。
这一牧歌风格的回旋曲引子之后,第一小提琴奏出了主部主题,这是一支具有阿尔卑斯山区牧歌风格的旋律,它表现了乡民们愉快、幸福的生活和对美好未来的热望。
这一主题,经过两次简单的变奏,引出第一插部的主题。
这个欢快的主题动机构成一个展开性的段落,很快回到主部主题上。第二插部由单簧管和大管奏出。
乡民们的舞蹈越来越热情强烈,如同节日的欢庆。第三次出现的主部主题非常流畅,充分表现了乡民们喜悦的心情。然后经过稍为激动的第一插部再回到主部主题的尾声。
这一乐章的尾声长达100小节,具有相当的独立性,它进一步重复、变化,发展了主部主题,把暴风雨过后人们愉快的心情和对幸福生活的憧憬表现得十分真切、动人。
3、《d小调第九交响曲》(合唱) 第四乐章(op.125)
贝多芬《第九交响曲》孕育于1814年,1823年完成,1824年5月7日在维也纳首演,前后经历了十年的时间。这部作品是贝多芬音乐艺术创作成就的总结,它集中地体现了贝多芬的思想境界、生活热情和艺术造诣,是他的艺术创作中占首要地位的作品。就像瓦格纳所说:“第九交响曲,是贝多芬登峰造极的作品。”这部四乐章作品,从悲剧性的斗争场面经过积极的行动和哲学性的静观思考,发展成为一首全人类胜利的欢乐颂歌,体现了贝多芬通过斗争得到自由欢乐的崇高理想。
把席勒的诗《欢乐颂》用人声写进交响曲,以表达对人类和平、自由、平等、博爱的理想,是贝多芬生平的一大夙愿。为实现这一宏伟的构思,他经过长时间的酝酿,终于创造性地将《欢乐颂》用合唱的形式写进了《第九交响曲》的第四乐章。这是这部交响曲中最为辉煌的部分,也是贝多芬交响曲发展的顶峰。
第四乐章:(合唱),急板、变奏与回旋的混合自由式。经前三个乐章的铺垫后,进入了急板的第四乐章----人们经历了艰苦的斗争和深沉的思考,所期待的欢乐就要到来。
这一乐章可分为两大部分:第一是器乐部分,包括序奏、宣叙调、前面三个乐章的回忆和欢乐主题的出现;第二是声乐部分,是一部用庞大的人声合唱写成的回旋变奏曲。这个乐章是整部交响曲的总结,即前三个乐章是“通过斗争和思索,寻求自由和欢乐”,而这个乐章是作出“斗争取得了胜利,欢乐战胜了苦难”的结论,这个结论也是作者一生的总结。“亿万人民团结起来”是乐章的中心思想。 乐章开始是一段狂风暴雨般猛烈的号角声,这是引子,它嘹亮雄伟,像怒潮般的冲击,瓦格纳称之为“恐怖的号角声”。但它立即被大提琴和低音提琴的宣叙调所否定:“不,这会使我们想到过去的苦难,今天是胜利的日子,应该用歌舞来庆祝”。原来,贝多芬的构思是在这段宣叙调的地方加入人声,但后来又觉得还不是时候,因此,他把唱词乐段向后推移。不过这些原稿中留下来的唱词,有助于我们理解贝多芬的构思。
接着,前面三个乐章的主题一一重现,又被一段段宣叙调一一打段。在第一乐章的引子主题出现后,低音乐器回答道:“哦,不,不要这个,我要更愉快一些的”;接着管乐吹出第二乐章谐谑曲主题,立即又遭到拒绝:“也不要这个,这只是戏谑,要更好的,更高尚的”;于是管乐又吹起第三乐章的慢板主题,回答仍是不满意:“这还是老样子,太纤柔了,一定要找出一些强有力的东西。我想,还是让我唱给你听吧。但是,要请你应和着我。”最后,木管乐器隐约闪现出《欢乐颂》主题的片断,才终于肯定:“这才对了,终于找到了”,这是贝多芬毕生追求的境界。这时,从乐队深处,像是从远方,缓缓地传来大提琴和低音提琴咏出的一支纯朴的旋律,乐章的主要部分开始了。
这是《欢乐颂》主题的全貌展现,第一次展示无任何伴奏,随后逐渐加入中提琴和小提琴。这个欢乐主题一次次重复着,音响逐渐增强,声势越来越大,直到发展成为乐队全奏的高潮。突然,“恐怖的号角声”又闯了进来,这时回答它的是人声了。首先独唱男中音揭开声乐的序幕,唱出了贝多芬亲自写的宣叙调的歌词:
“啊,朋友,你别旧调重弹,还是让我们来唱一些更动听的、更欢乐的吧!”紧接着,男中音独唱《欢乐颂》。
在后面的发展中,以独唱、重唱、合唱的形式唱出了席勒《欢乐颂》的诗句,音乐的主题每次出现都有不同的形象变化,有威武雄壮的进行曲风格,有豪迈战歌般的男高音独唱,有庄严、肃穆的圣咏旋律„„然后,转入快速的进行曲,这是由欢乐的主题演变成的一支活泼而热烈的进行曲。越来越热烈的进行曲,将乐曲推向又一高潮。之后,一个庞大的二重合唱赋格,以插部形式出现了“亿万人民团结起来”的主题。
这个主题先由长号奏出,继而合唱,之后又与欢乐主题构成二重赋格。最后以强烈、欢腾的尾声,把乐章推向高潮,结束全曲。
《欢乐颂》
席勒 诗 邓映易 译
啊!朋友,我们不要这种声音。
唱吧,让我们更愉快地歌唱,
更欢乐地歌唱。
欢乐,欢乐,
欢乐女神,圣洁美丽,
灿烂光芒照大地。
我们心中充满热情来到你的圣殿里;
你的力量使人们消除一切分歧。
在你光辉照耀下面,
人们团结成兄弟。
谁能做个忠实朋友,
献出高贵友谊。
谁能得到幸福爱情,
就和大家来欢聚!
真心诚意,相敬相爱,
才能`找到知己,
假若没用这种心意,
只能让他去哭泣。
在这美丽的大地上面普世众生共欢乐,
一切人们不论善恶都蒙自然赐恩泽,
它给我们爱情美酒,
同生共死的好朋友!
它让众人共享欢乐,
天使也高声同歌唱。
欢乐,好像那太阳,
运行在天空上,
欢乐,好像太阳,
运行在那壮丽的天空上,
朋友,勇敢向前进!
前进好像英雄上战场,
朋友,前进上战场,
欢乐前进,
好像英雄上战场。
欢乐女神,
圣洁美丽,
灿烂光芒照大地,
我们心中充满热情,
来到你的圣殿里,
你的力量能使人们消除一切分歧,
在你光辉照耀下面人们团结成兄弟。
亿万人民团结起来,
大家相亲又相爱,
朋友们!
在那天堂上仁爱上帝眷顾我们,
亿万人民虔诚礼拜,
敬拜慈爱上帝,
啊,上帝就在那天堂上。
欢乐,灿烂光芒照大地,
女神,灿烂光芒照大地!
你的力量使人们重新团结,
你的力量能把人们重新团结在一起,
亿万人民团结起来!
大家相亲又相爱!
朋友!在那天堂上,
有一位仁爱的上帝永世长存,
亿万人民团结起来!
大家相亲又相爱!
欢乐,
欢乐女神,
灿烂光芒照大地!
【标题音乐】(Program Music)
标题音乐是指创作时按标题进行构思,并要求听众按标题提示欣赏的器乐作品。常取材于历史、文学、戏剧、童话、民间传说或现实生活。欧洲的标题音乐从16世纪就开始逐渐在音乐创作中取得重要地位,19世纪以来又有较大的发展,如:李斯特的《塔索》、柏辽兹的《幻想交响曲》、莫索尔斯基的组曲《图画展览会》、德彪西的前奏曲《牧神午后》等。而贝多芬的《第六交响曲》(田园)更是较早的典型例子。我国标题音乐有悠久的历史,在古典和民间乐曲中,绝大部分是标题音乐,如:琴曲《高山流水》、琵琶曲《十面埋伏》、吹打乐《百鸟朝凤》等。现代作品也大都是标题音乐,如:交响诗《嘎达梅林》、交响曲《长征》、小提琴协奏曲《梁祝》等。标题音乐是“无标题音乐”(亦称绝对音乐)的对称。无标题音乐即指用曲式、体裁、调名、速度等来命名的一种器乐曲。如《g小调小赋格曲》、《C大调交响曲》、
《e小调协奏曲》、《快板》、《慢板》等。
二十一、穆索尔斯基(M.Mussorgsky 1839─1881)
将格林卡创建的俄罗斯民族乐派巩固继承下来的是俄罗斯音乐史上由巴拉基列夫为首的五位音乐家组成的“强力集团”(又称新俄罗斯乐派)。穆索尔斯基是五人“强力集团”中的一员,他的音乐创作具有强烈的民族性,表现手法新颖别致,和声随意大胆,有许多超越古典音乐原则的独特手法。他的音乐预示了后来音乐历史发展的进程,对近代作
曲家的音乐创作产生了很大的影响。
穆索尔斯基1839年3月21日生于俄国普斯科夫乡村,六岁起在母亲指导下学习钢琴。他1852年到彼得堡近卫军士官学校学习,同时跟A.格尔凯学习钢琴并尝试作曲。1858年他辞退军职,在巴拉基列夫指导下专心从事音乐创作,成为“强力集团”成员。穆索尔斯基不曾受过学院式的音乐教育,投身于音乐事业后,逐
渐形成了俄罗斯民族主义的艺术特点。1881年3月28日,穆索尔斯基在彼得堡
病逝,年仅四十二岁。
穆索尔斯基的代表作有歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》、《霍万兴那》,交响诗《荒山之夜》,钢琴套曲《图画展览会》,歌曲《跳蚤之歌》、《洋娃娃》等。他的歌剧创作富于戏剧性,具有强烈的吸引力,钢琴作品则具有独成一家的特点。而他的歌曲作品都是反映人民现实生活中的贫困与哀怨,以及对于幸福生活的渴望,在写作风格上富有巧妙的幽默感,蕴含着深刻的俄罗斯民族气质,体现了一种强烈诱人的个性。穆索尔斯基在器乐方面留下的作品虽然不多,但依然对俄罗
斯交响音乐的发展做出了有益的贡献。
穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》在钢琴曲的风格上是一个革新,它开发了钢琴的表现力,在声音的对比和丰富的色彩变化方面,是从管弦乐里吸取的手法。在这组曲中,描写性还处于次要地位,而主要的是那完美自由的创造性。诚然,作曲家把音乐外部的观念体现在这部组曲中,这种对于音乐表现成分的创造(特
别是钢琴)是十分有价值的。
[作品赏析]
交响组曲《图画展览会》
钢琴组曲《图画展览会》是穆索尔斯基在1874年创作的。1873年,穆索尔斯基的好友、青年画家、建筑设计师加尔特曼逝世。翌年,朋友们为纪念亡友,举行了加尔特曼遗作展览会,展出了他生前的部分绘画和建筑设计图。穆索尔斯基被亡友的作品深深打动,他根据其中的十幅作品创作这部钢琴曲,以表达对亡友的敬意和哀思。这部作品构思新颖、形象鲜明、音乐语言和表现手法都富有个性。《图画展览会》吸引了许多作曲家将其改编为管弦乐曲,其中,法国作曲家拉威
尔在1922年改编的交响组曲,则是举世公认的杰作。
组曲《图画展览会》由“漫步”及十首抒情写意的小曲所组成,各段内容与画家
的作品有着密切的联系。其结构与内容如下:
漫步──bB大调、混合拍子(5/4、6/4)。这是整个组曲的引子,同时又是联系各曲成为统一艺术整体的纽带。它在一、二、四、六、八段结束时出现,每次出现都随着乐曲情绪的转换而加以变化,时而长,时而短,时而严峻,时而抒情。
仿佛是作曲家正漫步在画廊之中,深切地思念着他的亡友。
一、侏儒
加尔特曼画了一个木制玩具的素描,这个玩具是用来压胡桃的,样子像一个身材矮小的侏儒。作曲家赋予这个侏儒以人的性格,以痉挛似的音调、突然发作的效果与长时间停顿的交替,以及跳跃、喧叫的声音,来刻划这个畸形小人物的形象
和复杂的内心世界。
二、古堡
加尔特曼画的是一个古老的中世纪古堡,在古堡的下一位抒情诗人在唱着忧伤的歌曲。乐曲旋律流畅,带有十八世纪牧歌情调,伴奏部分平稳,低音部单调地重复着,描绘出一幅平静、沉思和抒情的图画,它既古朴而又带有凄凉的意味。#g
小调、6/8拍子。
三、杜伊勒里宫的花园
这是一幅生活的风情画,在宫殿花园前,母亲、保姆和孩子们在玩耍。这段生动活泼的诙谐曲,展现了孩子们追逐嬉戏、任性调皮和争吵叫喊的形象。#d小调、
4/4拍子。
四、牛车
画面上描绘着一头温顺的公牛,拉着一架波兰大轮车,车上坐着一位老农。乐曲伴奏部分的沉重和弦,衬托着一支简单、忧郁的旋律,描绘了沉重的牛车在轧轧声响中艰难地前进。音乐由弱到强,又由强渐弱直至消失,使人联想到牛车由远
#而近,又由近及远。音乐刻画了牛车,也刻画了饱经风霜的老农的心境。g小调、
2/4拍子。
五、鸟雏的舞蹈
这是加尔特曼为芭蕾舞《特里尔比》的上演画的一幅布景草图。画的是一些还未孵出的“金丝雀雏”在卵壳里,卵壳好像披甲遮盖着全身。穆索尔斯基发挥了丰富的想象力,赋予草图上的形象以生命活力,使雏鸟活跃起来,并使它们跳起舞来。高音区的依音、颤音,加上快速的半音阶的配合,把小鸟啾啾的叫声和它们
的天真、稚嫩描绘得栩栩如生。
六、两个犹太人
这是加尔特曼旅行时的写生画,一个是肥胖的富人,一个是瘦弱的穷人。作曲家巧妙地将这两个形象结合在一首乐曲里,使之形成尖锐的对比。富人骄傲自负,冷酷无情,音乐节奏是停顿、迟缓的。穷人则卑贱软弱,受尽屈辱,音乐是颤抖下行的重复旋律。在塑造了两个不同性格的犹太人之后,便使两个人碰到一起,相互对话。富人语言霸道蛮横,穷人的乞求瑟瑟缩缩。最后富人占了上风,打断
了穷人的哀诉,把他赶走了。
七、里莫日的集市
里莫日是法国中部的小城市,画面上是两个怒容满面的妇女。乐曲描写了在熙攘杂乱、人声喧闹的市场上,小商小贩与长舌妇们讨价还价、饶舌不休,最后变成
一场吵架。
八、墓穴
原作是一幅水彩画,加尔特曼在画中描绘了他自己同一位建筑家,由向导打着灯笼带路,参观巴黎的墓穴。音乐可分为相互衔接的两部分。第一部分是广板,旋律神秘阴森,沉闷的低音及尖锐不安的和弦,造成一种阴郁气氛。第二部分作曲家附上了“与死人的谈话”的标题。音乐开始是沉寂和茫然的情绪,在单调的、动摇不定的震音背景上,用和弦奏出“漫步”的主题,它由明朗变为忧郁,直到结尾才透出一线光明。全曲表现了墓地阴森景象,充满了恐怖、悲伤、冥想的气
氛,也表达了作曲家对亡友的思念。音乐紧接下曲。
九、鸡脚上的小屋
原画是一幅时钟设计图,是一座建筑在一只鸡脚上的茅屋,钟表的字盘就是窗户,整个屋子是用俄罗斯风格的雕花装饰起来的。作曲家并没表现小屋本身,而是通过幻想的笔触描写了小屋中的主人,一个俄罗斯童话中家喻户晓的“巴巴耶加妖婆”。表现妖婆的音乐奇怪而富幻想,没有如歌的旋律,而是激烈地跳跃。把妖婆所发出的喊声、哨声,以及她骑着扫帚在森林里飞行时的风声和碰在干树枝上
的劈啪声,都表现得非常突出。
十、基辅的城门
这幅画原是加尔特曼为基辅城门所作的古代俄罗斯风格设计图。音乐是由迅速而急骤的上一段直接进入这段庄严的结尾曲。这一段音乐采用了三个形象来描绘。第一是庄严、巨人的形象,音调与“漫步”主题相似,好像是对全曲作总结。bE
大调、2/2拍子。
第二是风琴的风格,使人感到严峻而虔诚。第三是描写节日钟声,这是古代俄罗斯仪式所必有,钟声齐鸣中导入“漫步”的辉煌强奏。最后,乐曲在欢腾热烈的
气氛中结束。
里姆斯基·柯萨科夫1844年3月18日生于俄国诺夫哥罗德一个贵族家庭。他七岁学钢琴,十岁作曲,十二岁进入彼得堡海军士官学校,十八岁毕业授海军准尉军衔。在学校里,他没有放弃对音乐的学习和研究,在这期间他广泛接触了一些著名的作曲家、艺术家,提倡发展俄罗斯民族音乐,并加入“强力集团”小组,开始进行音乐创作。里姆斯基·柯
萨科夫写出了许多具有俄罗斯民族风格的作品。
1865年,里姆斯基·柯萨科夫创作了第一交响曲,1871年应聘在彼得堡音乐学院教授作曲与管弦乐法。经多年刻苦学习和努力实践,他终于成为一名杰出的作曲家和音乐教育家,为俄罗斯民族音乐的发展作出了特殊贡献。里姆斯基·柯萨科夫从事音乐活动长达三、四十年,教学经验丰富,培养出一大批优秀人才,如格拉祖诺夫、斯特拉文斯基等世界闻名的作曲家。还写出了《和声学实用教程》、《管弦乐法原理》等具有深远影响的音乐理论著作。在创作教学之余,他对穆索尔斯基等同时代作曲家未完成的作品进行了大量的修改和整理。1908年6月21
日,里姆斯基·柯萨科夫因心脏病在卢本斯克去世,终年六十四岁。 里姆斯基·柯萨科夫的作品甚多,不少作品是俄罗斯民族音乐的经典之作,他的创作重点在歌剧领域,共创作歌剧15部。代表作有歌剧《五月之夜》、《萨特阔》、《沙皇的新娘》、《金鸡》等。他的管弦乐作品《舍赫拉查德》、《西班牙随想曲》等也非常受欢迎。同时他还创作了许多室内乐曲和声乐曲。里姆斯基·柯萨科夫创作的音乐题材与“强力集团”前几位作曲家不同,他的作品多从俄罗斯民间童话故事和寓言中寻找灵感,不太注重表现历史和现实,不是用音乐去具体地表现原著中的故事情节,而是用音乐的气氛来感染听众,让听众自己去
联想,因此他的作品更富于幻想和传奇的色彩。
[作品赏析]
交响组曲《舍赫拉查德》
交响组曲《舍赫拉查德》又称《天方夜谭》,作于1888年夏。相传东方某国苏丹王残暴成性,他认为女人都是不忠实的,发誓要把他每个妻子在初夜后处死。宰相之女舍赫拉查德不忍目睹事态发展,为了挽救自己的姐妹。她自愿嫁给苏丹王,并以每夜讲故事来引起苏丹王的兴趣。每到故事精彩处她就停住,苏丹王为了解故事底细暂不杀她。她就这样讲了一千零一夜,苏丹王终于被感化了。乐曲由舍赫拉德讲的四个并无联系的故事画面组成全曲的各乐章,以舍赫拉查德主题
和苏丹王主题将各乐章用叙述故事的方法联系起来。
第一乐章,大海和辛巴德的船。采用无展开部的奏鸣曲式写成。这个乐章主要描写航海家辛巴德同狂风巨浪搏斗的情景。乐曲开始的引子有两个主题。第一主题威严、阴沉,由全部弦乐及单簧管、大管、长号、大号以三个八度齐奏,是苏丹
王凶残的形象。
接着是木管器的延续与和弦进行。然后,独奏小提琴在竖琴轻柔的伴奏下,奏出了另一个充满幻想的音乐主题,这个主题旋律优美、流畅、节奏自由,是温柔、美丽的舍赫拉查德主题,她仿佛用诗一般的语言,向国王绘声绘色地讲述着充满
东方色彩的神秘故事。
呈示部是在大提琴、中提琴波动的音型伴奏下出现了主部主题,犹如无边的大海
波涛汹涌,这个主题主要是对大海与辛巴德船的描绘。
副部有两个主题,第一主题由长笛吹出,它描写了在风平浪静的大海上,辛巴德
的航船在从容不迫地行驶。
第二主题由舍赫拉查德主题变化而来,充满激动不安的情绪,仿佛航船遇到狂风
巨浪。
音乐在惊涛骇浪般的高潮中进入再现部,这是主部主题与副部主题的结合,描绘海上暴风雨的情景。经历暴雨之后,长笛和双簧管奏出建立在大海主题上的抒情曲调,似芦笛的低吟。音乐显得宁静柔和,仿佛辛巴德的船经受住了暴风雨的考
验,平稳地驶向远方。
第二乐章,卡伦德王子的故事。采用复三部曲式写成。独奏小提琴首先奏出了舍赫拉查德主题,仿佛告诉人们,舍赫拉查德又在讲述她那迷人的故事。独奏大管悠闲地奏出卡伦德王子东方色彩的主题,音乐速度多次变化,使人联想到王子那
充满神奇色彩的遭遇。
中间段音乐对比较大。长号、小号有力的呼应,发出号角般的音调,音乐急促饱满,惊险而激烈,使人感到奇迹的发生。由小号再一次变化重复的号角性音调,成为这一部分展开的动机,并在发展中多次重现。随后,卡伦德王子的主题再现,舍赫拉查德又继续讲述起了王子的故事。在这里,音乐主题一共变奏了四次,而
且显得越来越激动。
第三乐章,王子与公主。采用无展开部的奏鸣曲式写成,全曲较为抒情、宁静,音乐描写的是年青的王子和美丽的公主谈情说爱,沉浸在幸福中的情景。首先,小提琴奏出温柔而平静的主部主题,这一主题生动刻画了王子温文尔雅的形象。 随后,单簧管奏出轻盈而优美的东方舞曲风格的音乐主题,这一主题生动地描绘了娇美的公主那优雅的舞姿,小鼓与三角铁的装饰性节奏,更加强调出舞蹈者的
风采。
再现部在新的色彩中重复,上面两个主题显得情绪更加激动热烈,旋律进行中舍赫拉查德主题两次加进来,并运用了许多华彩乐句,好像是故事越讲越生动有趣。 第四乐章,巴格达的节日和辛巴德的船撞上骑士铜像的峭壁。乐曲的结构比较自由,类似回旋曲形式。乐曲开始的引子由苏丹王和舍赫拉查德主题构成。这里苏丹王的主题由弦乐和木管奏出,已失去原有了那种威严和恐怖力量,而舍赫拉查德的主题则由小提琴奏出,使人感到沉着而自信的王后已开始征服凶暴的苏丹王。随后,乐队奏起具有东方舞曲风格的轻快节奏,引出一个简洁热情的主部主题。这个主题急速活跃,像是漫无节制的一股音流,它那固定不变的急剧的节奏
型,几乎贯串着整个节日的场面。
在惶惑不安的号声之后,奏出了王子的回应。副部主题是第三乐章公主主题流畅的旋律。富有东方色彩的主部和副部主题多次反复变化,特别是通过调式调性的
不断转换,展现出一幅幅绚丽多彩的节日场面。
展开部中除了原有的素材之外,引进了经过很大变化的苏丹王主题及卡伦德王子主题。再现部中整个管弦乐队响亮的声音,把巴格达节日气氛推向高潮。结尾部转为6/4拍,音乐转入海上风暴画面,狂风咆哮、波涛汹涌,辛巴德的船在海洋
中已无能为力。最高潮声中大锣一声巨响,音乐立刻沉寂下来,辛巴德的航船被
峭壁撞得粉碎而遭到灭顶之灾。
简短的尾声与引子相呼应。小提琴演奏的柔美抒情的舍赫拉查德主题在这里明亮响了起来,象征着她讲完了所有的故事。由低音管乐奏出的苏丹王主题已变得柔和舒缓与亲切,象征苏丹王终于放弃了他残暴的誓言。音乐在平静中结束了这个
神奇的音乐故事。
第六节 晚期浪漫乐派的代表人物
19世纪后半叶至20世纪初,欧洲浪漫主义乐派的特点是:乐队技术达到新的复杂水平,以结构庞大的交响乐队取胜。
二十八、马勒(G.Mahler 1860─1911)
马勒1860年7月7日出生于奥地利一个犹太小商人的家庭。六岁开始学钢琴,1870年举行公开独奏会。1875年入维也纳音乐学院师从爱泼斯坦等人,在学期间已开始创作、演出。1878年离开音乐学院后,创作了康塔塔《悲叹的歌》。1880年在奥地利的霍尔开始指挥生涯,后在莱比锡、布拉格、布达佩斯担任指挥。二十三岁,他指挥门德尔松的清唱
剧时获得成功,成为当时名遐欧美的杰出指挥家,对近、现代指挥艺术的形成和发展影响深远。
马勒作为指挥家的光辉业绩从未引起争议,指挥风格严谨、深刻、要求极高,是近代杰出的指挥家之一。马勒也重视音乐创作,但他的作品却在很长时间内一直毁誉参半。直到20世纪50年代后期,人们才逐渐肯定,制成唱片,并越演越烈地成为乐队的保留节目。马勒在继承浪漫乐派基础上有明显的突破与创新:变音体系体现勋伯格革新手法,通俗因素与深奥乐句双管齐下,错综复杂的器乐复调手法,独奏乐器复协奏式应用,交响曲表现不落窠臼,讽刺与伤感同天真无邪的内心洞察相对照等等。对20世纪后期作曲家有巨大吸引力,而听众则认为他的音乐全面地、令人信服地表现了当代生活的动荡不安与纷繁冗杂。
马勒的作品大多具有深邃的内容和哲理性,主要艺术特点是:配器手法卓越,充分发挥管弦乐的交响性,形式宏大,气势磅礴,乐思繁复,又富有民间音乐的质朴感,如应用民歌的曲调和民间舞蹈的节奏等。马勒的重要作品是交响曲和歌曲,有10部结构庞大的交响曲,其中,第二、三、四、八交响曲,都加进了人声,最后一部声乐、器乐作品《大地之歌》更是一部交响化的声乐套曲。他扩大了贝多芬创始的声乐交响乐概念,发展了柏辽兹创始的管弦乐歌曲套曲的体裁。3部杰出的声乐套曲《旅行者之歌》、《青年的魔角》和《亡儿之歌》都是他的精髓所在。还有康塔塔、声乐套曲、歌曲,以及室内乐等许多作品。
马勒虽然一生忙于乐队指挥工作,组织能力很强, 1897-1907年受聘于维也纳皇家歌剧院院长时,使其成为一流的歌剧院。1907年,他侨居美国,继续他的指挥和创作,但心脏病使他一直处于死亡阴影下。1911年5月18日,马勒在维也纳过早离开人世。
[作品赏析]
声乐与乐队交响曲《大地之歌》
《大地之歌》亦译作《尘世之歌》,完成于1908年。当年,作者来到奥地利西部一个叫杜布拉赫的村庄,面对终年积雪的阿尔卑斯山无限感慨,他读着德国作家汉斯·贝特格翻译的唐诗《中国之笛》,东方诗人的不幸遭遇和悲壮情怀激起这位西方作曲家的强烈共鸣。遂选了其中的七首唐诗,写成《大地之歌》。 这是一部加入人声的、作者称之为“为男高音、女低音(或男中音)声部与管弦乐队而写的交响曲” 。其中包括李白、王维、孟浩然的诗作,全曲共分六个乐章。
第一乐章:愁世的饮酒歌,奏鸣曲式,双重呈示部,歌词为李白的《悲歌行》 乐章以古诗的歌词为基础,作者将诗分为三段,每段都用“生是黑暗的,死也是黑暗的”作为结尾。这首诗的原意为:人的一生不过百年,面对这一现实,最好
的方法是以酒浇愁。音乐以赞美生活开始,以痛苦欲绝告终。第一呈示部的引子悲愤激越,由圆号齐奏、小号助奏出呼叫般激动的动机,然后,男高音独唱主部主题。这是一段难度很高的乐句,表达了作者对人世的愤懑和反抗。 第二呈示部基本是第一呈示部的变化重复,由男高音唱第二段歌词。
展开部先由加弱音器的小号与英国管交替奏出引子动机,接着小提琴与单簧管构成充满美的幻想与和对生活渴望之情的二重奏。当男高音再次激昂地歌唱时,抒发了一种对有限生命的怀疑与绝望。
再现部较短。每唱一次 “生是黑暗的,死也是黑暗的”时,都移高一个调,音乐显得暗淡无光,乐曲在高昂但却有些单薄的旋律声响中结束。
第二乐章:寒秋孤影,奏鸣曲式,双重呈示部,原歌词已无可考证
诗句描写了秋日的景象“花儿枯萎,叶落飘零”,它是一首孤独凄凉的情诗。第一呈示部的引子是小提琴奏出的无穷动式的流动旋律,几乎贯穿全乐章。在这平淡得甚至有些呆板的背景上,双簧管奏出那“悲戚的孤独者”的忧郁暗淡、孤单凄凉的主部主题。
接着,单簧管奏出副旋律和之,女中音用缓慢的曲调饱含辛酸地倾吐出心中的惆怅,副部主题由第一圆号独奏。第二呈示部基本上是第一呈示部的重复,没有出现“悲戚的孤独者”的主题,而直接用女中音独唱主题的变化重复句。
经过短小的展开部,双簧管与歌声交织一起,辛酸、忧伤的旋律,更加重哀怨与痛苦的情绪,催人泪下。最后,双簧管又吹起那“悲戚的孤独者”的主题,音乐回到充满疲惫、怅惘之情的气氛之中。
第三乐章:青春,歌词作者署名李太白,但原诗已无处查对
这是一首青春的欢快颂歌,是整首交响曲在多灾多难的人生旅途中一首美好的插曲。乐曲的引子是长笛、双簧管演奏的流畅跳跃、轻松活泼的五声音阶旋律,表达了古香古色很有特色的中国情调。
接着,男高音轻快潇洒的唱出了以李白诗句为词的清新、喜悦的主题,描写了一群青少年在亭中相聚,欣赏着池中倒映的美景,他们谈笑风生,饮酒赋诗。中段在木管与小号顿奏第一主题后,木管以轻快的顿音与之对奏,由男高音唱出了平稳而豪壮的主题。当小提琴变化重复上面主题时,使人心情特别舒畅,充满青春活力,并对美好幸福的未来寄予希望。但后面的歌声,尤其是弦乐下行大跳的动机反复,给这种希望蒙上了一层灰纱,使之带上虚幻的色彩。
再现部较短,那清新的曲调还是那样明快,那些忘却现实的书生们依然吟诗对答,但这只不过是镜花水月而已。
第四乐章:美女,复三部曲式,原诗是李白的一首《采莲曲》
乐曲在长笛平行三度活泼的颤音背景上,由加弱音器的小提琴奏出了柔和的引子动机,小提琴高音区的演奏,表现了一派春光明媚、鸟语花香的景象。长笛吹出五声音阶的旋律,引出了第一部分女中音缠绵、悠闲而甜蜜的歌声,这是一个不紧不慢的五声音阶的旋律,歌中唱到“英俊的少年在岸上绿柳中骑马奔驰”。 副旋律是在小提琴分解和弦音型伴奏下的女中音独唱,细腻地刻画了少女的内心世界,使人仿佛看到东方少女的音容笑貌。接着是引子与主旋律的变化重复,描绘了少女、少男们在醉人的风景中相遇的情景。
中间部是引子与主旋律的展开,几个器乐段落充分调动了动机发展、转调等手段,还加入曼多林、钢片琴、铃鼓的配器,把“空断肠”的情绪描述得近乎绝望的程度。
再现部在主旋律与副旋律间插入了一个展开句,展开句前,小提琴以深沉含蓄的音调再一次表现了采莲女的妩媚与多情。最后,音乐渐渐平静地结束在很不稳定的四六和弦上,使“断肠”之感更加强烈,仿佛痴情少女以若有所失的目光追随着远去的少年,陷入无际的遐想之中。
第五乐章:春天的醉汉,复三部曲式,原诗为李白的《春日醉起言志》
为了体现描写醉酒者姿态的意图,乐曲一开始就由木管乐器奏出满是装饰音的音型,运用了很不稳定的速度与调性,打破了前一乐章结束时的寂静,主题呈示的是一首大自然春意盎然的迷人旋律。
紧接着是发展句简单的变化与重复。中间部分得到充分的展开,独奏小提琴一会儿活泼轻快,一会儿抒情抑郁。随后,男高音演唱了坚定有力的“人生如梦”曲调。音乐很好地描绘了在梦幻一般的世界里,借酒消愁者如醉似醒的神态。作曲家把他们对生活的咀咒和希望,全部奇妙地交织在各种旋律、调性和配器之中。同时还以其精湛的配器技巧,使我们感到了微寒的“春风”,嗅到了沁人的“花香”,不时听到几声“流莺”动人的歌唱。
再现部中加进一些木管上行、下行的流动音阶,进一步描写醉酒者的神情。音乐最后在狂热的气氛中结束,好像醉汉又借酒浇愁、逃避现实,拿起酒杯狂饮不止。 第六乐章:永别,双展开部的奏鸣曲式,歌词前半段来自孟浩然的诗《宿业师山房待丁大不至》,后半段来自王维的诗《送别》。
乐曲的开始给人留下难以忘怀的印象,在低沉压抑、阴森恐怖的大锣与低音声部长音和弦的背景上,引出双簧管反复吹奏的极度凄楚、痛苦的回音音调。
在引起小提琴感慨共鸣后,女中音首先唱出冰冷失神和痛苦忧郁的呈示部主部主题,凄凉的木管不时在上面飘动,更添愁情,表达了主人公与朋友告别时的彷徨不宁的心情。双簧管在单调的、不规整的节奏音型伴奏下,以较长的经过句引出副部主题。
展开部的第一部分,女中音继续抒发对人生的感慨。第二部分是器乐段落,感情变化幅度很大,基调虽未变,但却很有生气,充满温暖和人间的爱,它是对美和生命的热烈赞颂。不过,很快被大锣阴森的音响毁灭,乐队音响由高而低,把人推向幻灭的深渊,虽然对人生还有所眷恋,但命运却使人不得不抛开尘世,去寻找栖身的地方。
再现部的歌词用王维的《送别》,这是辞别尘世的断肠哀歌,葬礼进行曲似的节奏一直贯穿其间,音调充满悲凉凄切的情绪。乐章的结束部是马勒自己写的一段歌词,用来抒发他对人生、对大地的眷恋之情。当歌曲唱到“永远”二字时反复了七遍,似乎主人公已走到了人生的尽头,将离开人间转入另一个世界,从而和大地诀别。音乐在极弱的力度中,不知不觉地消逝了。
马勒作为指挥家的光辉业绩从未引起争议,指挥风格严谨、深刻、要求极高,是近代杰出的指挥家之一。马勒也重视音乐创作,但他的作品却在很长时间内一直毁誉参半。直到20世纪50年代后期,人们才逐渐肯定,制成唱片,并越演越烈地成为乐队的保留节目。马勒在继承浪漫乐派基础上有明显的突破与创新:变音体系体现勋伯格革新手法,通俗因素与深奥乐句双管齐下,错综复杂的器乐复调手法,独奏乐器复协奏式应用,交响曲表现不落窠臼,讽刺与伤感同天真无邪的内心洞察相对照等等。对20世纪后期作曲家有巨大吸引力,而听众则认为他的音乐全面地、令人信服地表现了当代生活的动荡不安与纷繁冗杂。