交响乐赏析

交响乐赏析学习总结与心得

LESSON ONE

我总是很喜欢听音乐。

记得小时候，父母总是喜欢在家放一些轻音乐，美其名曰：陶冶情操，舒缓压力。当时的我不懂那些，只是依稀觉得这些声音很好听，后来听多了，便也逐渐能分清什么是昨日重现，什么是二泉映月，什么是高山流水了。再后来，上了学，便发觉，其实音乐其实是最能够贴近心灵的声音了，就像课上所说：“音乐是可以治愈人的精神的。”

虽然从小便很喜欢听音乐，但对交响乐却一直不甚了解。当知晓它形成于古希腊这样一个社会和谐而不失个性，强调公众文化思想的时代时，心里竟是一点也不觉得突兀的。课上提到，交响乐是专业音乐的典范，或许是最复杂的音乐类型，难以仿造、技术性强等，这些我都不是特别的感冒。但我对高中的某次听交响乐的经历真的是印象深刻。记得当时是在一个音效较好的大礼堂内，听的是贝多芬的《欢乐颂》。老师之前介绍时说，贝多芬在写《欢乐颂》时双耳已有严重耳疾，而《欢乐颂》在剧场演奏时，贝多芬早已耳不能闻。于是，在开场前的那几分钟寂静里，我也仿佛失去了听力一般的感到难受、窒息，但是，当指挥手一放，第一组音调响起时，我突然就热泪盈眶了。我不知道这是否就是所谓的“宇宙与精神的唯一接点”，但我真切的感受到自己被触动了，那种贴近心灵的触动。

这也许就是交响乐的力量！

还有课间的那些个“破铜烂铁”的打击乐合奏也很有意思，让我觉得生活真的是处处有音乐！我很期待以后的布兰诗歌，更多的与迈克尔杰克逊相关的有意思的东西等等，我期待着一些更深入的感受。

LESSON TWO

今天讲的八种乐让我很感兴趣，乐舞之乐、专业之乐、政治之乐、哲学之乐、理念之乐、风格之乐、本能之乐、视听之乐。从中，我更好地体会到了艺术是理念的感性体现以及当时说的，艺术表达完整的自我、纯粹的自我等。

同时，这次课上讲的巴洛克乐风也让我觉得很有趣。那个马不停蹄的节奏感让我觉得精力充沛，那些复调音乐让我仿佛置身在音乐的迷雾中不可自拔。通过后期学习，我了解到，巴洛克时期是古典音乐早期的一个重要形式，这个时期的音乐以复调音乐为主，华丽且复杂。虽然巴洛克音乐已经突破了宗教音乐完全的秩序和纯真的表现，变得更加

丰富了，但是在整个古典音乐的发展中，这个时期的音乐仍然受着很多宗教音乐的影响，透露出一种严谨的气息。不过巴洛克时期的音乐相对于之前的音乐形式更加自由化了，各种音乐类型的出现以及乐器的成熟，使这个时期的音乐充满着一种特殊的气息，为后人所追捧。在巴洛克时期的音乐家们是比较多的，并且相对现代的音乐家来说也要多产得多。在巴洛克时代最重要的人物应该是亨德尔、维瓦尔第、巴赫三位音乐家。亨德尔和巴赫都是以那个时代的键盘乐器管风琴和羽管键琴见长，但作曲形式稍有不同。亨德尔在歌剧方面的成就较多，而巴赫则一直专注于各种器乐的创作，为后人留下了大量经典的器乐作品。

课上单独讲的巴赫，全名为约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685年3月21日－1750年7月28日），巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，同作曲家亨德尔和泰勒曼齐名。巴赫被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一，他的创作使用了丰富的德国的音乐风格和娴熟的复调技巧。他的音乐集成了巴洛克音乐风格的精华。并被尊称为西方“现代音乐”之父，也是西方文化史上最重要的人物之一。

而课上放的巴赫的《小步舞曲》，那种从容不迫，安定祥和也让我感到十分欣喜，它或许与大多数的巴洛克时期的音乐有所区别，不过还是有让人耳目一新之感。而那些运用了赋格的乐曲则更是让我觉得新奇，同一主题，在不同声部交错出现，相互模仿，突强突弱，充满着追逐与逃亡的乐趣，更加完美的体现了巴洛克时期那种强调“我们”的情感的特点。

不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) ，那种“人是渺小的，神是伟大的”的思想也让我这个没什么宗教信仰的人深深折服了。

LESSON THREE

这节课听了很多的小提琴曲，英国达人中的四位美丽才女，维瓦尔第等，这让我想到了那句：历史地看待音乐，音乐就更丰富了。

继续着上节课的巴洛克时期的内容，这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代以及后来的古典时代代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代及后来的浪漫时代就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的“数字低音”都产生于巴洛克时代；旧有

的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。

这一时期的小提琴音乐已经接近成熟，维瓦尔第的贡献不可忽视。因此，这节课我们欣赏了他的《四季》中的《春》以及《夏》。这种典型的炫技型的演出让我很着迷，他彰显了高潮的演奏技巧，超越了生命精神境界，让我听完全曲有种酣畅淋漓之感。 课外了解到，维瓦尔第是一个异乎寻常的音乐家。在他生前，人们对他的评价大多是不妙的。据说他虚荣心强，喜欢夸耀自己，甚至谎报作品数目（这也许是至今对他某些方面的作品的数字众说纷坛的原因之一，例如：他声称作有歌剧九十四部，而一般认为是四十余部，有人甚至认为仅二十八部）。他还夸口说自己写一部协奏曲比抄写这部作品更快，因而不免遭到诽谤，有人把他的众多的协奏曲作品看作只是一部协奏曲的“多次创作”。尽管如此，维瓦尔第在协奏曲史上的地位仍是无可争议的。他的最大成就在于他把自己对形式的精通运用于协奏曲的发展，并把大协奏曲定型为三乐章形式（快一慢一快）；他首创的小提琴协奏曲体裁，对小提琴技巧、配器法以及独奏协奏曲形式的发展起了决定性的作用。有关维瓦尔第小提琴协奏曲真正价值的一个最好的佐证，就是它们得到了德国著名音乐家巴赫的关注，巴赫曾把维瓦尔第的十六部小提琴协奏曲改编成古钢琴曲，四部改编成管风琴曲，还有一部被加以扩展，成为一部为四架古钢琴和一个弦乐四重奏乐队而写的庞大的协奏曲。

维瓦尔第的一生正处于欧洲巴罗克艺术鼎盛时期。一向不如声乐那样受到重视的器乐开始蓬勃发展起来，而小提琴音乐的发展尤为迅猛。维伐尔第受到环境的影响，写出了众多的音乐作品，包括大量的歌剧、大合唱、交响曲，还有许多宗教音乐作品，以及几百首独奏、重奏作品，仅协奏曲一项就有四百四十六部之多。然而，在这些卷帙浩繁的作品中，很少是公众所熟悉的。近年来，维瓦尔第留下的宝贵的音乐遗产已日益受到音乐界的注意，维瓦尔第音乐中那意想不到的重音、直率而热烈的风格以及突如其来的主题，也逐渐为音乐会听众所熟悉。

LESSON FOUR

今天课上的主题是古典主义精神。

课的开始提到，音乐具有双重品格，感性和理性。而在古典主义时期，即18世纪最后的25年到19世纪最初的25年期间，形容音乐应就只有一词，即秩序！她具有客观、理性、冷静、平衡和固守于传统的风格。

可是，固守于传统这一点，对莫扎特、贝多芬等来讲却是十分不合适的。

莫扎特的创作，打破了欧洲音乐形式，是十八世纪欧洲音乐文化各方面成就的光辉总结。他在创作上以其不倦的努力和探寻，把十八世纪的音乐艺术提到一个新的高度，并为后来的音乐的进一步发展准备了条件——这就是莫扎特在音乐史上的功绩所在。

他的音乐作品形式广泛，几乎每个领域都有涉足并留下了丰富的音乐财富。在他短暂的一生中共创作了600多部作品，其中22部歌剧、41部交响乐42部协奏曲，一部安魂曲以及奏鸣曲，各种重奏重唱曲室内乐宗教音乐和歌曲等作品。他最为突出的是交响乐和歌剧；他的作品风格洋溢着乐观和追求自由的思想，在巨大社会压力下表现出明快、乐观的情绪。从莫扎特《小步舞曲》（《D大调第十七嬉游曲》）的音乐中，能明显的感受到他那一步步轻快的曲调所衬托出的内在美。把自己想象在舞池中旋转，让人心里为之一悦，舒缓了周身疲劳，放松了紧张的心情。可以体会到他单纯的生活态度与对美好自由生活的追求和向往，即使是在他最后一部作品《安魂曲》中，也能品味到他哀伤中带有的坚强而乐观；他的作品内容丰富，关注社会生活与自然。莫扎特的歌剧中就反映了当时进步的社会思想和伦理思想，例如《费加罗的婚礼》在一定程度上揭露和讽刺了封建贵族。此外《唐·横》、《魔笛》等这些歌剧也具有市民的特点。莫扎特的音乐也有冲突的、矛盾的，也是非常的现实，靠近生活。因此在我们聆听他的音乐是，感到无比的亲切，不费思索地只用心就能感受到其中的爽直和质朴；他的作品创手法新颖，旋律纯朴优美，织体干净细致，配器注重音色效果，发挥了复调音乐的积极作用。如《第39交响曲》旋律就极为优美，充满诗意。莫扎特交响曲的乐队编制较为精简，有时候甚至不用双簧管或单簧管。这样的编排使得他的音乐显得格外纯净、透明、富有表情。

从上面的叙述中，我们了解到莫扎特尽管的一生充满坎坷和艰辛，但他的古典音乐始终给人带来的是真正的纯美。著名的音乐评论家罗曼·罗兰对莫扎特评价道：“他的音乐是生活的画像，但那是美化了的生活。旋律尽管是精神的反映，但它必须取悦于精神，而不伤及肉体或损害听觉。所以，在莫扎特那里，音乐是生活和谐的表达，它与维也纳的天气，花草树木甚至湿度都有密不可分的关系。不仅他的歌剧，而且他所有的作品都是如此。

他的音乐，无论看起来如何，总是指向心灵而非智力，并且始终在表达情感或激情，但绝无令人不快或唐突的激情。”在他一生中所有的作品里，把他美好的心灵都表现了出来，带给我们愉悦的享受。

LESSON FIVE

音乐总能表达普遍意义是我们。在古典主义时期，音乐是本体美、形式美、体裁美，它是整体美的集合，这时的音乐，没有顾影自怜，却有憧憬，有想入非非；这时的人也是一样。

这次我们讲了交响乐的一种主要成分——交响曲。课上提到，交响曲是套曲，它最能体现哲理性的命题。它一般分为四乐章，采用不同曲式，互相连接紧密，缺一不可。这四乐章的第一乐章一般都讲究现实的具体，第二乐章来到内心的想望，第三乐章又回到真实火热的现实生活，第四乐章则进行总结归纳。

其次讲的是奏鸣曲，一般分为呈示部、展开部和再现部三部分，而呈示部又分有主部主题和副部主题两个主题，其中主部主题一般都显得有冲击力的，带有压力的，而副部主题则显得如歌般温婉，充满着温柔幻想的，或是写的关于英雄的，田园的等多是积极的内容。而再现部则一般是诙谐曲或舞曲等。

课上还提到了德国戏剧家席勒，他提到了：“艺术活动是嫁接感性和理性的桥梁。” 席勒，德国18世纪著名诗人、哲学家、历史学家和剧作家，德国启蒙文学的代表人物之一，他还是德国文学史上著名的“狂飙突进运动”的代表人物，也被公认为德国文学史上地位仅次于歌德的伟大作家。1773年符腾堡公爵把13岁的席勒选入他的军事学校学法律，后来才同意他学医。席勒在这个管束极严、与外界隔绝的地方度过了8年青春岁月。从 1776年开始，席勒就在杂志上发表一些抒情诗。1777年，席勒开始创作剧本《强盗》， 毕业后于1780年在斯图加特某步兵旅当军医。他对当时的专制统治有着深切的体会，178O年写成反抗封建暴政、充满狂飙突进精神的剧本《强盗》，1782年1月13日于曼海姆首次公演获得巨大成功。据一些史料记载，当时的剧院就如同疯人院一样，人们潮水般的涌入狭窄的礼堂观赏戏剧，有些评论家甚至认为席勒就是德国的莎士比亚。1782年写出了他的第三部悲剧《阴谋与爱情》，并着手创作新剧本《唐·卡洛斯》。1783年席勒应聘任曼海姆剧院编剧，1785年4月接受格·克尔纳等四位仰慕者的邀请，前往莱比锡，在戈里斯村度过了一个美好的夏天，他的名诗《欢乐颂》反映了这种真挚的友情所给予他的温暖和欢乐。同年秋天，席勒随朋友一起迁往德累斯顿，并在那里完成了《唐·卡洛斯》这部以西班牙宫闱斗争为题材的政治悲剧。这是他青年时代最后一个剧本，标志着他的创作正从狂飙突进时期向古典时期过渡。在军事学校上学期间，席勒结识了心理学教师阿尔贝，并在他的影响下接触到了莎士比亚、卢梭、歌德等人的作品，这促使席勒坚定的走上文学创作的道路。而且，在军校读书期间，席勒逐渐形成了自己的反专制思想。

他的代表作之一是历史剧《瓦伦斯但》。这部戏剧实际上就是三十年战争中德意志

民族悲剧的重演，席勒的功绩在于他把这场民族的悲剧搬上了艺术的舞台。1805年5月，席勒不幸逝世，歌德为此痛苦万分：“我失去了席勒，也失去了我生命的一半。”歌德死后，根据他的遗言，被安葬在席勒的遗体旁。

至此，这两位伟人随着他们的友谊永远留在了一起。

LESSON SIX

随着古典主义时期的落幕，浪漫主义乐派开始兴起，而更多追求追求自主、自由的音乐家也逐步踏上了历史潮流的顶端。

有人说古典音乐家只能体现一个时代的精神，但是缺少属于自己的话语权，因为他们完全依附于贵族生活，他们体现的精神只能是那个时代的主流人物所需要的精神；而浪漫主义音乐家则不同，他们开始有了自己的自由，他们的内心开始膨胀，他们逐渐有了自己独立的经济和精神来源，他们相信，现实需要浪漫，也需要鞭策，他们认为，艺术是掌握世界的一种方式，音乐需要表现力！

此时的世界，叔本华说“音乐以万物为主题！”；罗曼罗兰说“世界有真善美！”。此时的音乐，曲风各异，目不暇接！

我们在课上讲了贝多芬，还听了舒伯特的几首歌，其中，特别提到了《未完成的乐章》，那首代表早期浪漫主义的，在舒伯特在世时从未被表演过的交响曲。

而舒伯特，全名弗朗茨·舒伯特，他是奥地利作曲家，出生于维也纳郊外的教师家庭。自幼随父兄学习小提琴和钢琴，少年时即显示出他在音乐创作上的特殊才能。舒伯特的一生是在贫困中度过的，艰难的生活使他过早地离开人世。然而，舒伯特却为人类留下了大量的不朽名作。他是早期浪漫主义音乐的代表人物，也被认为是古典主义音乐的最后一位巨匠。他的交响曲中较重要有第四、第五、第八、第九交响曲，其中第八交响曲是一部浪漫主义抒情交响曲，因只写了两个乐章而被称为《未完成交响曲》，许多人试图续写，但都不尽如人意，不得不承认，它的“未完成”也许比完成更接近完美的形态。

或许在音乐史上，浪漫主义时期的音乐不是最美的，不是最磅礴最有气势的，但不可否认，那必定是最具表现力，最具张力、最自由的音乐之一。

LESSON SEVEN

音乐总是有着时代的典型精神。

奥地利的钢琴家汉斯立克就批判了十九世纪的音乐，认为其过于浮夸，过度表达了

自己，他认为，音乐的美就是其形式本身，音乐没有形式以外的内容，音乐如果说可以表达感情，至多也只是可以表达情感运动的物理属性罢了。

而，我国的嵇康则秉持着“声无哀乐论”，它很好地体现了当时时代的悲哀。课上尤其重点讲了——凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也。感于物而动，故形于声；声相应，故生变；变成方，谓之音；比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐也。乐者，音之所由生也，其本在人心感于物也。

大译为，大凡音的起始，是由人心产生的。而人心的变动，是物造成的。心有感于物而变动，由声表现出来；声与声相应和，才发生变化；按照一定的方法、规律变化，就叫做音；随着音的节奏用乐器演奏之，再加上干戚羽旄以舞之，就叫做乐（yuè）了。所以说乐是由音产生的，而其根本是人心有感于物造成的。

因此，器乐到底有无内容，其实并不可一概而论，毕竟，一千个人看哈姆雷特就会有一千个哈姆雷特啊。

LESSON EIGHT

这节课我们主要讲了，歌剧的起源、发展以及如何评价歌剧。

歌剧起源于16世纪末，具有欧洲艺术之都的美称的弗洛伦萨。都说，艺术来源于生活，而歌剧就是艺术的盛宴。他是情感的艺术，演唱的艺术，昂贵的艺术，真实的艺术，综合的艺术，他既有演唱，又有戏剧，而戏剧人物往往是人物中的典型，都是最熟悉的陌生人，因此，歌剧序曲——交响乐最古老的体裁，就是戏剧与文学的一场联姻。

歌剧是艺术的盛宴，不管是演员，音乐，舞蹈队，还是服装，造型设计，嘉宾穿着，一切的一切，都要是顶级的，才配得上“歌剧”这一词，因而，他又是昂贵的艺术，绝大部分是赔钱的买卖。但是，歌剧能表达的东西很多，爱、恨、嫉妒、喜悦、真实、遗憾„„歌剧都可以把他们表达的淋漓尽致！因此，他又是情感的艺术，他有足够的魅力让人们趋之若鹜，让贵族们将他视若珍宝。

歌剧最一开始，为政歌剧，然后衍生出喜歌剧，如卡门，再是轻歌剧，最后出现了大歌剧，也指为世俗歌剧，设备全，场面大。

这节课我们欣赏了威尔第的茶花女，澎湃的感情让人如痴如醉，就在此刻，共同举起酒杯，共享欢欣吧！

LESSON NINE

这节课我们讲了浪漫主义民族乐派交响乐，赏析了斯美塔那的《沃尔塔瓦河》和穆索尔斯基的《荒山之夜》。

民族乐派总是充满着异国情调，北方的民族就向往南方民族的温暖的色彩，而西方民族呢，就向往东方民族的神秘色调。在当时的欧洲，有许多小国本国文化不够，于是便崇尚起异国情调的原始文化，成就了民族乐派。

课上还提到了格林卡，那个主张俄国以本民族语言创作，撑起民族起义大旗的伟大音乐家。

LESSON TEN

印象主义音乐，产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。它带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端，它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。

印象主义音乐由法国作曲家德彪西首创，其中“印象主义”一词借用自美术。1874年巴黎“落选者沙龙”展出画家C.莫奈一幅题为《日出印象》的绘画，引起嘲笑和议论。此后人们把艺术理想与表现手法大致与之相似的画家，如德加、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿称为“印象派”。印象主义家们，他们反对学院派的保守思想，热爱大自然，面向现代生活，采取在户外的阳光下直接描绘景物的方法，在光与色的变化中表现对象的整体感与周围的气氛，对绘画的发展有很大影响。而“印象主义”一词，在音乐中首次出现于1887年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第2部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。1894年其《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义”加以赞扬；1905年以后，此词常用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，不再带有贬意。

课上我们听了“牧神午后”的前奏曲，体会了一下那种音响音乐比时代更重要的感觉，那是种能够直接表达心情的强烈情感，仿佛连音箱都承载不了印象主义的色彩。课上还听了《偷洒一滴泪》。经课后查阅得知，《偷洒一滴泪》出自唐尼采蒂的歌剧《爱的甘醇》。剧中有一种酒，据说喝下，二十四小时内就能获得心上人的爱情。“爱的甘醇”就是这种酒的名字。可惜这种酒的功效是假的，只是阴差阳错的让男女主角走到了一起。正是这歪打正着之后，这种酒就被吹捧为“爱的甘醇”了。《偷洒一滴泪》是当女主角认为男主角不爱自己时，唱出的一首悲情忧伤的唱段。我这里借这首歌曲之名来慰藉心中有泪难洒中的人们。

假如有真的“爱的甘醇”，我希望受苦的人们都能喝到这种酒。

LESSON ELEVEN

现代主义音乐 （modernist music） 泛指19世纪末20世纪初印象主义音乐以后，直到今天的全部西方专业音乐创作。从历史风格的范畴而言，现代音乐特指20世纪中所创作的有特殊风格的作品，并非指所有写于20世纪的作品。

在这一旗号下，汇聚了大量的音乐流派。这个时期是一个充满矛盾和动荡的时代，资本主义的残酷竞争、两次世界大战的爆发、经济危机等等，引发了社会心理的变化，因此音乐作品中常出现苦闷、孤独、恐惧、绝望等情绪和病态、死亡、失常的主题。传统的创作思想和技巧被否定，新奇的表现手法不断出现。如：以斯特拉文斯基为代表的新古典主义，力求模拟原始的古代风格；以勋伯格为代表的表现主义音乐主张夸张的手法表现强烈的自我感受、欲望和幻觉，在音乐中制造紧张、恐惧的气氛。另外，还有十二体系音乐、作曲家将十二个半音不许重复地自由编排成一个序列，然后用这个序列的原形、逆行、倒影、逆行兼倒影四种形式组成一部作品。具体音乐、偶然音乐、电子音乐等。

这节课我们听了斯特拉文斯基的《春之祭》组曲。就像弗洛伊德所说：“好的艺术作品是具有一定的本能欲望的。”《春之祭》便是如此的一个作品，它描写了俄罗斯原始部族庆祝春天的祭礼，既有鲜明的俄罗斯风格，也有强烈的原始表现主义色彩。它那强烈的音乐节奏总让我感到害怕，仿似要把整个生命敬献给这个春天一样。但也许，也正是这样一种力量，让现代主义音乐体现的尤为与众不同！

LESSON TWELVE

最后一节课，我们了解了中国传统音乐审美特色——“中和之美”。

课上提到，音乐是要有光晕的。那是一种美，是有想象空间的，它或许来源于生活，但它必定高于生活。他是那个我们暗恋已久的对象，他是有时代基础的。就像我们的音乐由巫乐，到礼乐，到雅乐（文人音乐），再到燕乐（同宴乐），艺乐，最后成了通俗乐器，雅俗共赏一样。

这节课我们主要听了谭盾的《地图》，感受了一下他在凤凰千辛万苦寻找到的“那条路”。 在这部音乐作品中，谭盾将影像中原汁原味的湘西本土音乐与现场交响乐融为一体，并把它称之为多媒体景观音乐。其实“地图”这个字，我觉得实际上它是一个，心力历程的地图，是一个文化的地图，也是一个寻找过去与未来，寻找根与前景的一个

地图，跟传统的现象蛮相和，因为人类的语言发明之前是有音乐的，在语言发明之前，他们是听音寻路，过一个寨子的时候，过一个村的时候，你必须留下你的歌， 这样所谓听音寻路，听到回声，听到对歌，听到乡间不同的口音，不同的音调，不同的节奏，寻找你的去路，寻找你要去的方向。那么我觉得声音的地图可能是永恒的。它可能是超越于绘制的地图，也超越于电脑的地图，也超越于雷达的地图，因为它是连接于我们生命和过去根的一种这样的东西。所以地图的含义从作曲的角度来说，实际上融合新的科技，融合媒体，融合电视，最重要全部集中在声音，在音乐，在这种传统的根的一个基础上，去创作的一个乐曲和观念。

谭盾的不同寻常的音乐理念和中国文化的底蕴让他走出了一条超越常规的音乐创作之路。他做出了水乐、石乐等离经叛道的音乐，他的作品和为人都备受争议。但这位被贴上另类标签的音乐大师热情似火的个性和对音乐的执著，是他给人留下的最深刻的印象。